In 1967 was Roberta Flack nog niet de bekende naam die we vandaag de dag kennen. Ze was muzieklerares in Washington, D.C., maar 's avonds ging ze naar een club genaamd Mr. Henry’s. Die af en toe optredens veranderden in een optreden van drie keer per week. Henry Yaffe, de naamgever van Mr. Henry, transformeerde uiteindelijk een appartement boven zijn club in een ruimte om haar talent te tonen.
Haar talent was onmiskenbaar — is onmiskenbaar.
Je moet haar stem horen. Je moet horen hoe haar stem en haar piano tegen elkaar glijden, een conversatie die ze met het instrument heeft, waar wij allemaal naar mogen luisteren. Je moet horen hoe haar stem, haar piano, haar band en haar arrangementen allemaal samen dansen, elke toevoeging versterkt de ander, nooit concurrerend, altijd creatief. Haar muziek — op zijn funkyste, zijn zachtste, zijn eenvoudigste — bevat altijd hart. Er is altijd een waarheid in, altijd stiekem iets onthullend over de artiest. “Voor mij is het niet alleen het goed zingen van het nummer, het is elke woord persoonlijk betekenen,” legde ze uit. Er is een reden dat iemand een ruimte speciaal voor haar heeft gebouwd, alleen voor haar talent.
En nu zijn we hier, 50 jaar na de release van haar derde album, Quiet Fire. We zijn ver weg van kamers boven clubs, en de kans om een jonge zangeres genaamd Roberta Flack daar 's nachts te zien optreden. Hier zijn we in de tijd waarin haar muziek onderdeel is van het DNA van soulmuziek, onderdeel van de canon. Dit is de tijd waarin we kunnen verwonderen en zeggen: “Wij waren er allemaal om haar te horen.”
Om de selectie van haar album Quiet Fire als Classics Record of the Month van december 2021 te vieren, VMP heeft via e-mail met Roberta gesproken om haar carrière, haar muziek, haar leven en hoe ze, door alles heen, “minder op stijl dan op emotionele inhoud met [simpliciteit] gefocust heeft” te bespreken.
VMP: Allereerst, hoe voel je je? Hoe gaat het met je gezien alles wat er tegenwoordig in de wereld gebeurt?
Roberta Flack: Bedankt voor het vragen — ik heb contact gehouden met vrienden via Zoom-gesprekken, en heb mijn best gedaan gezien de pandemie. Vorig jaar ging ik naar de Grammy's van 2020 — ik was vereerd met een Grammy voor mijn levenswerk — het was glorierijk om met zoveel muzikanten en vrienden te zijn, net voordat alles stilviel.
Ik heb vorig jaar een fundraiser gehouden voor Save the Children, en heb met mijn team gewerkt aan het sorteren van nummers uit mijn archieven die (voor de eerste keer) in 2022 zullen worden uitgebracht. Ik heb al een tijd aan een kinderboek gewerkt dat eind 2022 of begin 2023 uitkomt en getiteld is “The Green Piano”, over mijn eerste piano die mijn vader uit een stortplaats haalde. Er komen veel spannende dingen aan in 2022…
Denk je dat de connecties die mensen voelen met jouw muziek hen hebben doen verlangen om jou als persoon te leren kennen? Denk je dat mensen jou leren kennen door jouw muziek? Is dat zelfs jouw doel?
Nee, mijn doel is om mijn eigen verhaal te vertellen door het nummer dat ik uitvoer zo eerlijk mogelijk. Voor mij is het niet alleen het goed zingen van het nummer, het is elke woord persoonlijk betekenen. Mijn doel is om mijn verhaal kwetsbaar te delen en mijn publiek aan te moedigen om hun eigen verhalen te voelen zoals zij worden geraakt wanneer zij naar mijn muziek luisteren.
Genre is zo'n ingewikkeld vraagstuk, maar je hebt klassieke wortels, jazz, R&B, gospel. Waar voel je dat jouw muziek leeft, qua categorie?
Ik voel niet dat mijn muziek in een bepaalde categorie of genre leeft. Ik heb altijd geprobeerd om eerlijk en goed te spelen en te zingen. Ik heb me minder op stijl geconcentreerd dan op emotionele inhoud verteld [met] eenvoud.
Een heruitgave van een album geeft aan dat wat er ook gebeurt is, de muziek nog steeds resoneert op de een of andere manier. Waarom denk je dat Quiet Fire zoveel interesse blijft hebben na al die jaren?
Liefde is tijdloos. Quiet Fire gaat over mensen die liefhebben, leven, creatief zijn en overleven. Alles doen wat we proberen te doen elke dag, vooral liefde. Liefde is tijdloos, dus of mensen nu in 1971 of 2021 luisterden, ze horen hun eigen verhalen in de muziek.
De muzikantenlijst op dit album is zo vol. Een geweldige line-up van muzikanten, velen die bekend zijn bij jazzfans (Hubert Laws, Ron Carter, Grady Tate, om er maar een paar te noemen). Waarom was het belangrijk voor jou om deze connectie met de jazzwereld te hebben? Was er veel improvisatie tijdens de opnamesessies?
Ik heb ze niet gekozen omdat ze jazzartiesten waren, ik heb ze gekozen omdat ze uitstekende muzikanten waren en ik genoten heb van het samenwerken met hen. Elk van hen op verschillende manieren.
Een andere persoon waarmee je op dit album hebt samengewerkt was Eugene McDaniels. Je hebt op veel momenten in je carrière met hem gewerkt, in een interview uit het midden van de jaren 2000 merkte hij op dat je 15 van zijn nummers hebt opgenomen. Dat lijkt een zeer vruchtbare samenwerking te zijn geweest. Dit album bevat ook een nummer (“Sunday and Sister Jones”) en ik ben benieuwd naar jouw samenwerkingen. Waarom zijn zijn nummers zo’n belangrijk en blijvend onderdeel van jouw werk geweest?
Vanwege mijn diepe vriendschap met Gene. Hij was niet alleen een ongelooflijk getalenteerde songwriter, hij was een dierbare vriend voor mij. Hij schreef nummers waar ik een connectie mee had omdat ik daarin mijn eigen verhalen vond — elk op verschillende manieren.
Hoewel dit album niet expliciet politiek is, is het moeilijk om de tijden er niet in te voelen. Dit album is gemaakt in een tijd waarin het moeilijk was om politiek te negeren. Hoe heb je de noodzaak om je uit te spreken in balans gebracht met jouw kunst?
Ik weet niet of ik dat heb gedaan. Ik heb geprobeerd om me uit te spreken met mijn kunst, en ben nog niet klaar met alles wat ik kan doen. De nummers op Quiet Fire over leven en liefhebben kunnen worden gezien als politieke statements. We moeten elkaar meer liefhebben. Of het nu in een persoonlijke relatie is, tussen rassen, religies, landen of generaties, elkaar liefhebben is iets wat we meer moeten doen, en elkaar helpen om onze lasten te verlichten en onze verschillen te overbruggen is een persoonlijke en politieke verklaring, afhankelijk van hoe je ernaar kijkt — vind je niet?
Als vrouw, en vooral als een zwarte vrouw, voel je dan dat je in staat was om gehoord te worden door degenen in macht in de industrie? Hoe heb je autonomie en controle over jouw werk kunnen opeisen (bijv. songwriting, arrangeren, produceren)? Was het moeilijk?
Al deze dingen zijn waar — het blijft moeilijk om serieus en positief genomen te worden als een zwarte vrouw als wat ik wil, nodig heb en geloof verschilt van wat degenen in macht willen. “Gehoord” is één woord, “geluisterd” [naar] is een ander. Ze betekenen voor mij heel verschillende dingen.
Degenen in macht — kunnen de labels zijn, kunnen de artiesten zijn, kunnen het publiek zijn. Hangt ervan af hoe je ernaar kijkt. Wat is macht? De mogelijkheid om carrières vorm te geven? Verhalen met muziek te vertellen? Mensen met muziek te inspireren? Uiteindelijk hoop ik dat het de artiesten zullen zijn die de blijvende kracht hebben om mensen ver in de toekomst te inspireren om naar buiten en naar binnen te reiken om verandering te creëren voor het betere.
Ashawnta Jackson is een schrijfster en platenverzamelaar die in Brooklyn woont. Haar werk is verschenen in NPR Music, Bandcamp, GRAMMY.com, Wax Poetics en Atlas Obscura, onder anderen.