Muziek in films en de ruimte die ze helpen vertegenwoordigen

Er is een esoterische emotie bij het rijden over een lege snelweg met de ramen open terwijl de geur van de schemering je auto binnendringt en de zon naast je ondergaat, of zittend op een zomerse dag op een groen grasveld je omgeving observeren, terwijl je naar een nummer luistert dat de stemming gelukkig maakt. Er zijn films die erin slagen deze meditatieve momenten op het scherm over te brengen, waardoor ze tastbaar aanvoelen. Ze maken vaak gebruik van lange takes en dimensionaliteit die ons in staat stellen te genieten van de kleuren, compositie, verlichting en geluiden. Wanneer deze films scores of soundtracks hebben die aansluiten bij de ruimte die in de compositie wordt getoond, worden alle vijf zintuigen gewekt door zich slechts op twee te concentreren, en dat is wanneer we vergeten dat we in een donkere kamer vol vreemden zitten en hun werelden beginnen te verkennen.

Spatialisme, een kunstbeweging opgericht door de kunstenaar Lucio Fontana, probeerde kleur, geluid, ruimte, beweging en tijd te synthetiseren tot een nieuw soort kunst. Fontana zei: "Ik wil geen schilderij maken; ik wil ruimte openen, een nieuwe dimensie creëren, het heelal verbinden, terwijl het eindeloos uitbreidt voorbij het begrenzende vlak van het schilderij." Sommige kunstenaars kunnen alleen buiten de cinema proberen al deze te synthetiseren. Toch is er nog steeds geen groter gevoel dan volledig opgaan in een goede film.

De volgende films maken gebruik van de ruimte door muziek en beelden te harmoniseren om ons dieper in hun verhaal te trekken. In Robert Irwin's boek, A Conditional Art, zegt hij: "Elke dag ervaar ik een reeks dingen die elke kunst die ik ken overtreffen. Ze zijn niet gebonden aan een bepaalde zijn, en soms — in feite, meestal — duren ze maar een moment. Hun voortzetting ligt in het feit dat ik over een tijdje weer iets vergelijkbaars zal ervaren. Elk van deze perceptie-fenomenen is niet gemaakt van één ding, maar eerder een gecompliceerde overlapping, interactieve geheel — soms de convergente delen van vele afzonderlijke gehelen." Deze films maken gebruik van een muzikale soundtrack om ons te herinneren aan kortstondige, mooie momenten.

Paris, Texas

"De sensatie van het combineren van muziek en beelden dreef me echt om door te gaan met het verhalende proces," zei regisseur Wim Wenders. Wenders perfectioneerde deze combinatie in zijn film uit 1984, Paris, Texas. De film opent met de uitgestrektheid van bruine en blauwe luchten in de woestijnen van Texas met de protagonist, Travis, zwervend door het landschap in een rode honkbalpet, helemaal alleen met een gallon water. Begeleid door het uitgestrekte land is "Paris, Texas" van Ry Cooder, een minimalistisch blues slide gitaar nummer. Elke noot is verspreid, vibrerend door de ruimte ertussen en resoneren door het landschap dat we zien, echoot Travis' eenzaamheid. Beide, Cooder en Wenders maken duidelijk, we zijn hier niet om te ontsnappen aan de realiteit van ons dagelijks leven en emoties, maar juist om erin te duiken.

Voor de eerste 26 minuten van de film blijft Travis stil; de hartverscheurende gitaarmuziek die zich samenvoegt met het gezicht van Harry Dean Stanton vertelt ons een eigen verhaal. Door de hele film heen is er een overvloed aan stilte. De bluesgitaar komt langzaam binnen wanneer de stemming goed voelt, zonder op te vallen trekt het ons dieper het ervaren van Travis' emoties in terwijl hij verdwaald is en op zoek is naar iets waarvan hij niet helemaal zeker weet wat het is wat hij zoekt. De beelden zijn gevuld met blauwen en roden in lege westelijke landschappen en echoën het gevoel van verlies en frustratie van de muziek.

Woman In The Dunes

Een andere film die je omhult in frustratie is de Japanse regisseur Hiroshi Teshigahara's existentiële filmhervertelling van de Sisyphus-mythe, Woman in the Dunes, gescoord door de Japanse componist Toru Takemitsu. Niki, een entomoloog, vindt zichzelf gevangen met een vrouw in een gigantisch gat binnen zandduinen in Japan nadat hij een plek om te overnachten werd aangeboden door enkele dorpelingen die hem met een touwladder naar beneden leidden. De vrouw voedt hem en gaat dan zand uitgraven na een vriendelijk gesprek. Ze graaft, vult zakken met zand en stuurt het naar boven naar de dorpelingen tot de ochtend.

De volgende ochtend wordt hij wakker en merkt dat de ladder plotseling weg is en een snerpende akkoorden hits. Pogingen om de zand te beklimmen leiden alleen maar tot het naar beneden brengen van meer. De muziek maakt de ruimte waarin de hoofdpersoon zich bevindt voelbaar veel krapper en legt het gewicht van de noodzaak om te ontsnappen op de kijker.

Het grootste deel van de twee en een half uur durende film is stil; de muziek speelt slechts misschien een collectieve 20 minuten. Elke keer dat het zand onvoorspelbaar neerstort met mooie close-up textuur shots van de gelaagde zand, speelt de muziek en de vervormde geluiden van drones, strijkinstrumenten, fluiten en harpen lagen en vullen de beelden aan, wat zorgt voor een opbouw van spanning.

Call Me By Your Name

Ruimte vertegenwoordigt zoveel meer dan alleen een locatie in alle films van Luca Guadagnino - het is vooral duidelijk in "Call Me By Your Name": de ruimte tussen de personages, de ruimte waarin ze zich bevinden, de ruimte die ze nodig hebben en de ruimte die wij als kijkers krijgen. De film plaatst ons in een noord-Italiaans landschap getuige van de geheime romance tussen Oliver en Elio. We kunnen niet spreken. We kunnen niet oordelen. We kunnen alleen maar zitten en het gevoel waarderen van verliefd worden op een ander.

"Ik denk dat ruimte een karakter is in mijn film. Of het nu Italië is of een andere plek. Ik zorg ervoor dat jij als kijker de reis van een personage fysiek kunt ervaren en niet alleen in zijn emotionele reis. Hoe begrijp je iemand als je de figuur niet in context kunt plaatsen tegenover het landschap?" zei Guadagnino heeft gezegd. De muziek van Sufjan Stevens is ook een extra personage in de film. Het plaatst het gewicht van de emoties die Elio ervoer gedurende zijn zomer op het publiek tijdens de laatste scène van de film waarin Elio voor de open haard huilt. Timothée Chalamet luisterde naar Stevens' "Visions of Gideon" door een oortje terwijl de scène werd gefilmd.

De melancholische muziek is een groot deel van de representatie van de ruimte die we zien tussen Oliver en Elio door de compositie van de camera. "Later," zegt Oliver terwijl hij wegrijdt en Elio alleen achterlaat na hem een rondleiding door Crema te hebben gegeven. Op dat moment horen we voor het eerst Andre Laplante's "Une Barque Sur L'océan from Miroirs"; vanaf hier speelt het elke keer dat ze apart zijn terwijl we verlangen naar Oliver en Elio samen. De vloeiende noten vullen de afstand en creëren een subtiel verlangen naar Oliver binnen het publiek.

De muziek in "Call Me By Your Name" versterkt het gevoel van het plukken van een rijpe perzik en erin bijten, het zien van het briesje dat de bladeren van een boom raakt, het springen in een koude rivier midden in de nacht, allemaal terwijl je verliefd wordt. Wanneer het leven spannend aanvoelt en tijd irrelevant lijkt.

Er zijn nog zoveel meer films die we zouden kunnen bespreken met componisten zoals Brian Eno, Ryuichi Sakamoto en Angelo Badalamenti, die scores hebben gecreëerd die bewijzen dat cinema de macht heeft om twee zintuigen te nemen en alle vijf te activeren. Zoals Sakamoto heeft gezegd: "Waarom wil ik veel langzamer spelen dan voorheen? Omdat ik de resonantie wilde horen. Ik wil minder noten en meer ruimtes. Ruimtes, geen stilte. Ruimte is resonant, blijft nog steeds klinken. Ik wil die resonantie genieten, het horen groeien, dan kan het volgende geluid, en de volgende noot of harmonie komen. Dat is precies wat ik wil."