Shura's tweede album is een queer, blauwe liefdesverhaal

Je hoort de emotie in haar stem doorklinken, zelfs over de telefoon, wanneer ze praat over verliefd worden of het verlangen op afstand dat eraan voorafging. Terwijl eerdere fans van de Britse singer-songwriter Shura meer dan bekend zullen zijn met de onbeantwoorde liefde en gecompliceerde verlangens die haar synth-pop debuut Nothing’s Real uit 2016 domineerden, biedt haar nieuwste werk vervulling en tevredenheid in tinten van diep troostend blauw. Van een palet van ijzige elektronische melodieën naar warme R&B en romantische teksten, haar opvolgende album, forevher, is zo ver weg van een tweede-plaat-syndroom als een muzikant maar kan komen.

Toen de in Londen gevestigde muzikant verliefd werd op een vrouw die in Brooklyn woonde, speelden de evolutie van hun gevoelens - die noodgedwongen tot internationale vluchten leidde - zich af in het nummer dat het album introduceerde, “BKLYNLNDN.” Door middel van een glaciaal, AutoTuned stukje synth-funk, roept Denton de likes van Bon Iver, St. Vincent en Blood Orange op, en combineert ze religieuze beelden met de specifieke lust van gevoelens op afstand, uitmondend in de urgentie van het refrein: “Dit is geen liefde / dit is een noodsituatie.”

In 2019, wanneer grootheden als Janelle Monáe en Hayley Kiyoko trots openlijk queer zijn in hun muziek en persoonlijke levens, is het vertellen van queer verhalen belangrijker dan ooit, niet alleen voor representatie, maar ook om te bewijzen dat heteropubliek net zo goed in staat is de gevoelens binnen expliciet homonarratieven te begrijpen en ermee te resoneren, ondanks voornaamwoord of detail. Tenslotte, we weten dat het mogelijk is - homopubliek doet dit al eeuwenlang. “Ik dacht dat het interessant zou zijn om een expliciet queer record te maken en te zien of mensen die niet queer zijn zich er net zo goed in kunnen herkennen op dezelfde manier dat ik me absoluut kan identificeren met muziek gemaakt door hetero’s,” legde Shura deze vroege zomer ochtend via de telefoon uit. “Ik ben explicieter queer op dit album en stel die vraag: Is het eigenlijk meer herkenbaar omdat ik gewoon meer mijzelf ben, meer van mezelf, eerlijker?”

Een deel van die waarheid leven betekent verwijzingen uit religie in haar eigen queer liefdesverhaal brengen op een zeer directe manier. Het middelpunt van het album, “religion (u can lay your hands on me),” is een speels beeld van een spirituele praktijk, de onderliggende afstand die haar relatie in het begin kenmerkte, en, natuurlijk, seksuele toestemming. “Het eerste nummer dat ik schreef voor dit album was 'religion', en ik denk dat ik altijd in mijn hoofd had dat elk nummer dat ik voor dit album schreef op de een of andere manier moest verbinden met dat,” legde Shura uit. “Ik weet niet of je The L Word en ‘het schema’ kent, maar het voelde alsof in het midden ‘religion’ moest staan, en dat al deze andere nummers op de een of andere manier terug verbonden konden worden naar het midden.”

Door dit nummer te gebruiken als een hoofdpunt voor alle andere nummers op het album, kon Denton een verweven web van ideeën en gevoelens creëren die samenkomen om forevher te vormen, dat deze week uitkomt via Secretly Canadian, en beschikbaar is met exclusieve gevlekte vinyl hier. In een uitgebreid en verrassend open gesprek over liefde, seksualiteit, muziek en religie, wierp Shura het doek op over de ideeën en het schrijven van forevher en de sonische verschuivingen voor dit album.

VMP: Een van de eerste dingen die opvalt op het album is de juxtapositie van seksualiteit en religie. Waarom sprongen die twee elementen er voor jou uit?

Shura: Mijn vader is een overtuigde atheïst en heeft veel documentaires over religie en dergelijke gemaakt. Dus hoewel ik niet ben opgevoed met geloof, was het absoluut een onderdeel van mijn opvoeding. Hij las me Bijbelverhalen voor niet omdat hij religieus was, maar omdat hij dacht dat het belangrijk voor ons was om ze te horen, omdat het in wezen een van de oudst bekende verhalen is die we hebben. Ik ben altijd gefascineerd geweest door religie in het algemeen. Heel vroeg herinner ik me dat ik de gedachte had - vooral in het christendom - dat we het voorbeeld van Maria hebben als de perfecte vrouw, zijnde zowel een maagd als een moeder, wat echt problematisch is voor vrouwen.

Geïnteresseerd zijn in religie is eigenlijk gewoon geïnteresseerd zijn in mensen, en hoe we alles kunnen verdraaien om te ondersteunen wat we al geloven. Dat is iets wat gebeurt in geloof en in politiek. En dan heb je uiteraard deze rijke geschiedenis van popmuziek die speelt met religie, en opgroeien als een toegewijde fan van Madonna en zeer levendige herinneringen hebben aan het kijken naar “Like A Prayer” en er vol ontzag voor zijn. Dus ja, het is soort van mijn eerbetoon deels aan de geschiedenis van popmuziek die met religieuze thema’s speelt. Maar het is ook iets waar ik mijn hele leven al door gefascineerd ben.

Een van de belangrijkste singles, “religion (you can lay your hands on me),” maakt die thema’s nog directer. Er zit ook een speelsheid in dat nummer en die video.

De eerste regel die ik zeg, “it’s human, it’s our religion,” speel ik met het idee van seks als een soort religie. In de manier waarop we vaak praten over liefde en seks met vergelijkbare termen die we gebruiken rond religie zoals devotie, of we geloven in liefde dus we hebben geloof in het idee van liefde, en seks is een soort ritueel in die zin. Dus ik denk dat zodra ik die regel had, en bezig was met het refrein en het idee van iemand die hun handen op mij legt - en ik had dat gedeeltelijk geschreven omdat op dat moment, de persoon over wie ik het had me niet kon aanraken, omdat ze aan de andere kant van de planeet was.

Dus het was die speelsheid van, “Oh je kunt me aanraken, maar ik kan dat zeggen omdat ik weet dat je dat niet kunt.” Wat die speelsheid verder aanwakkerde. Ik wilde gewoon plezier hebben, vooral als ik weet dat ik het heb over queer relaties. Niet alleen praten we over seks en religie, maar vooral queer liefde, en vooral queer liefde tussen twee vrouwen, omdat religie historisch gezien een groot probleem heeft met het idee van vrouwen die plezier hebben in seks. Dus in dit nummer wilde ik dat idee echt zo ver als ik kon nemen en absoluut plezier hebben met de absurditeit van het idee. En dat deed ik ook in de video, met deze absurde andere wereld waar ik een paus als vrouw kon zijn en de leiding kon hebben over een klooster van lesbische nonnen.

Vanwege de onderdrukking door heteroseksuele en patriarchale cultuur, is het zeldzaam dat een werk van queer kunst als universeel wordt gezien. En waarom was het belangrijk voor je om dat element van universaliteit toe te voegen aan het album?

Mijn hele leven, meer of minder tot de laatste vijf of zes jaar - afgezien van Tegan en Sara - luisterde ik naar popmuziek gemaakt door hetero’s over heterorelaties. Ik draaide dingen in mijn hoofd om aan mij te relateren. Dus ik zou voornaamwoorden veranderen, ik zou ze niet noodzakelijkerwijs wijzigen en hardop zingen, maar in mijn hoofd, zelfs als ik het voornaamwoord nooit veranderde, als een persoon zong over een man, zou ik het me voorstellen als een vrouw, omdat dat gewoon is wie ik ben. Ik luister naar Bon Iver en ik huil. Ik luister niet naar hem en zeg: “Nou, dit is een hetero-man die in een hut in het bos woont, ik kan me hier absoluut niet in herkennen.”

Universaliteit is belangrijk voor mij, en het is belangrijk voor alle muziek, omdat dat is hoe mensen zich verbinden. Als mensen zich niet ergens in kunnen herkennen, wat heeft het dan voor zin in zekere zin? Maar ik geloof wel dat soms het contra-intuïtieve is wat kunst herkenbaar maakt. Zeker bij veel popmuziek zeggen mensen, “OK, nou om herkenbaar te zijn moet het heel eenvoudig en onspecifiek zijn met zeer basale teksten die iedereen mee kan zingen, zodat het niet uitmaakt.” En ik ben van mening dat soms specifieker zijn mensen meer helpt zich ermee te verbinden. Dat is iets wat ik in al mijn muziek heb gedaan, maar vooral op dit album geef ik buitengewoon specifieke details. Ik hoop dat door meer specifiek te zijn, mensen zich er meer mee herkennen.

Je debuut was meer synth-georiënteerd en meer eenzaam, kun je praten over de sonische verschuiving en hoe dat dit album informeerde? Zelfs de romantiek en seksualiteit van de meer funky en R&B-vormen vallen meteen op.

Toen ik begon met het maken van het album, was ik net verliefd geworden, en luisterde ik naar heel andere muziek dan wat ik luisterde toen ik het eerste album maakte. Ik luisterde naar veel soulmuziek, en ‘70s soul, ‘70s folk, ik had Joni Mitchell op een grote manier herontdekt, al die Minnie Riperton-nummers waarvan ik niet had gerealiseerd dat ze bestonden. Ik luisterde naar heel andere muziek en was er echt enthousiast over. Ik denk deels, deels door in Brooklyn te zijn en rond te hangen bij de Lot-radio waar zoveel geweldige disco en soul gedraaid werd. Het was gewoon een soort soundtrack van mijn leven op dat moment.

Ik raakte echt geïntreseerd in het idee van het gebruik van alle instrumenten waar ik een allergie voor had toen ik het eerste album maakte. Ik was erg enthousiast over het idee om nummers voornamelijk op piano te schrijven en uit te zoeken hoe ik nog steeds synths kon gebruiken, maar met de piano als kern, en het uitgangspunt voor deze nummers. En ik wilde ervoor zorgen dat zo veel mogelijk live werd gespeeld. Omdat het proces van het maken van het eerste album ongelooflijk eenzaam was. Het was ik en Joel, Joel Pott, met wie ik de meeste nummers schreef, in een kamer samen in Zuidoost-Londen. Zelfs in de manier waarop we werkten, werkten we aan één nummer, en gingen we vervolgens door naar het volgende nummer, van begin tot eind. Dus zelfs het proces van het werken aan de nummers was eenzaam, omdat we aan één nummer tegelijk werkten.

Terwijl ik voor dit album met dezelfde bassist en drummer voor het hele proces werkte. En ik had de nummers al geschreven. Ik zei, “Oké, dit zijn de nummers, en dit is min of meer hoe ik zie dat ze gaan, maar ik wil dat jullie samen spelen en op elkaar reageren op de manier dat het echt menselijk kan zijn.” Dus we namen alle drums en bas samen op. Ik wilde dat het groovier en menselijker aanvoelde, omdat het verhaal van dit album ging over menselijke connectie in plaats van isolatie. Het eerste album was heel volgens het schema en zo perfect als ik het fysiek maar kon maken. Deze wilde ik los en vrij, en groovy. Het was zeker een keuze om deze aanpak op een andere, meer vloeiende manier te benaderen, met een ander palet qua geluid. Gedeeltelijk omdat ik emotioneel en geografisch op een heel andere plaats was.

Wat was het eerste nummer toen je een idee begon te krijgen van hoe het tweede album zou zijn?

Het eerste nummer dat ik schreef voor dit album was “religion,” en het was altijd in mijn hoofd dat elk nummer dat ik voor dit album schreef op de een of andere manier moest verbinden met dat. Of het nu via een ander nummer was. Voor mij, waarschijnlijk, het nummer of het moment waar ik het meest trots op ben en het meeste van houd en dat ik het gevoel heb dat het echt het hart en de ziel is van deze hele reis is “princess leia,” dat waarschijnlijk het meest afwijkende nummer is van het album ten opzichte van alles wat ik eerder heb gedaan. En een van de weinige nummers die niet echt over liefde gaan. Maar [het] gaat over de dood, en ik denk dat de reden waarom de dood een beetje voorkomt, is omdat als je van iemand houdt, of dat nu je familie is of romantische liefde voor een partner, het je banger maakt om dingen kwijt te raken. En ik voelde dat hoewel dit, naar ik hoop, een vreugdevol album is, er een iets donkerdere kant is, waar ik ook nog steeds aan het flippen ben. Het is een beetje alsof er de echte ik is, die zegt: “Ik weet dat je echt gelukkig bent, maar je gaat dood.” Ik denk dat dat nummer voor mij een echt speciaal moment was in het schrijven en opnemen.

Ik denk dat die dualiteiten, zo diep verliefd zijn en inzien dat verlies onvermijdelijk zal komen, iets is waar ik me in Bluets mee verbonden voelde. Toen ik zag dat het werd genoemd als onderdeel van je raamwerk in het schrijven van het album, maakte het veel zin. Waarom denk je dat het gebruik van een kleur zich zo goed leent voor het praten over deze tedere gevoelens van liefde?

De beste manier om te beginnen met het beantwoorden van die vraag is te praten over wat blauw voor mij betekent. Het is een woord dat ik eerder gebruikte, er is een verlangen in de kleur blauw, en een verlangen naar het eeuwige, en ik denk dat dat deels is in de associatie met religie. Maar het is absoluut dit diepe, rijke blauw waarover ik praat, een soort van zowel warm als er is ook een verdriet daar. En het gaat terug naar die dualiteit, deze warmte van de liefde, van voelen en verliefd worden, en dit lichte verdriet dat het niet voor altijd kan duren, zelfs als je die persoon je hele leven lief zou hebben, en als je bij elkaar zou zijn voor de rest van je leven, er is een verdriet dat het op een dag zal eindigen, en het zal eindigen of omdat zij sterven of jij sterft.

Heeft uit de kast komen iets veranderd voor jou als het gaat om het maken van muziek?

Ik denk niet dat het dingen veranderde in de manier waarop ik muziek maak, omdat zelfs als mensen het vanaf het begin niet wisten dat ik homo was, ik heel openlijk uit de kast was in mijn leven en bij mijn platenlabel. Dus ik denk niet dat het de manier waarop ik schreef veranderde. Ik voel me zeker wel op dit album — en waarschijnlijk gewoon als resultaat van verliefd zijn en een liefdesverhaal om over te praten — voelde ik me gesterkt om specifieker of explicieter queer te zijn. Maar het is dat ding als je verliefd bent en je wilt het iedereen vertellen. Het is meer gewoon een product van verliefd zijn dat de manier waarop ik schrijf veranderde dan openlijk queer zijn. In zekere zin heeft je seksualiteit heel weinig te maken met seks.