Dawn Richard brengt eer aan New Orleans

De singer-songwriter verklaart moedig "Ik ben het genre" op het inleidende nummer "King Creole," wat vooruitloopt op de progressieve sound van het album. Opmerkelijke nummers zijn onder andere de harmonieuze dansplaat "Boomerang," het dancehall-geïnspireerde nummer "Jacuzzi" en de uptempo hymne "Bussifame." In zijn geheel bevraagt Second Line traditionele ideeën over geluid, productie en visuele esthetiek. "Het is een album dat mensen keer op keer moeten draaien omdat ze moeten verwerken wat het is," vertelde Richard aan VMP.

Second Line is eenzelfverklaarde ode aan New Orleans. Dawn's moeder, een in Louisiana geboren, fungeert authentiek als verteller gedurende het project en geeft de overgangen en interludes een thuisgevoel. "Als solo-artiest, wie ik ben — ik ben het exacte voorbeeld van wat een New Orleans-artiest is. Mijn moeder is een voorbeeld daarvan. We zijn overlevingsdieren, omdat we in een stad zijn geweest die voortdurend vergeten is. Toch hebben we al deze cultuur. We hebben al deze schoonheid," zei Richard.

Met de titel ontleend aan een feestelijke New Orleans-traditie, belichaamt Second Line de stad echt, maar op een niet-traditionele manier. Historisch gezien is een Second Line wanneer toeschouwers zich bij de hoofdgroep van een wandelparade voegen, vaak om een overleden persoon te eren tijdens een jazzbegrafenis. "Via de dood vinden we positiviteit. Via verdriet vinden we licht. Dit album hoeft geen brassband te hebben om je te vertellen dat het New Orleans is," aldus Richard. "Het zou niet mijn bedoeling zijn om de hele dag over parades te zingen. Ik zou het op de manier doen waarop ik me in de kunst beweeg. En alles zou op andere manieren doelgericht zijn om te beïnvloeden wat het betekent om uit deze stad te komen."

De zuidelijke artiest beschrijft haar geboorteplaats als een smeltkroes, zowel muzikaal als cultureel — vergelijkbaar met haar nieuwe album. “[In New Orleans] hebben we Creools, blank, zwart, Cajun, Italiaans, Vietnamees. We hebben een zeer grote bevolking van diversiteit in de stad. Je loopt over Bourbon [Street] en hoort een rockclub, zydeco-club, bluesclub. Je krijgt acht verschillende muziekgenres op één blok. Dat is hier natuurlijk," legde Richard uit. "Hetzelfde geldt muzikaal voor dit album. Het is multi-genre, maar het is doelbewust gemixt met al deze mooie dingen om te omvatten wat ik ben opgevoed. Ik wilde dat verhaal vertellen.”

Richard sprak met VMP over het vieren van een nieuwe golf, het beëindigen van stereotypen, dozen en beperkingen in de muziek. Verder licht ze het electro-revival, Afrofuturisme en het doorbreken van glazen plafonds in verschillende genres toe.

Dit interview is ingekort en bewerkt voor de duidelijkheid.

VMP: Voordat we het album induiken, wat was de inspiratie achter de Second Line artwork?

Dawn Richard: Als je naar mijn covers kijkt, heb ik altijd een affiniteit gehad voor een zwarte vrouw die eruitziet als een krijger. Ik heb altijd gewild dat, als je kijkt vanaf Goldenheart tot nu, het belangrijk voor me is dat de zwarte vrouw — of het nu een zwarte vrouw is, of de zwarte queer gemeenschap, mensen die zichzelf anders beschouwen, zichzelf zien als royalty en koninklijk binnen de strijd.

En wat we hebben bedacht is King Creole, en dat is het pantser. In plaats van dat het pantser is wat ik normaal zou dragen zoals op Goldenheart — droeg ik een echt gepantserd stuk. In Blackheart, had ik de pantsergezicht dat eraf kwam. Of met New Breed, had ik de Mardi Gras indiaan hoofddeksel. Deze keer is haar huid het pantser. Het is dus een nieuwe kijk op wat ik zou zien als ik denk aan artiesten of mensen die altijd ondergewaardeerd zijn. Ik zie ze altijd als krijgers en King Creole, mezelf. Ik zie mezelf zo.

Interessant; wat is jouw persoonlijke favoriete nummer op het album en waarom?

Ik hou eigenlijk van het trio van "Le Petit Morte" naar "Radio Free" naar "The Potter." Die drie zijn krachtig voor mij omdat de tweede helft van het album de menselijke kant van het album is. Het is veel kwetsbaarder. Het is veel meer naakt. Terwijl de eerste helft van het album een progressief proces is, de Android-kant van het album. Dus je hebt meer dansplaten aan de eerste helft. Terwijl de tweede helft van het album meer van een downbeat is.

Die drie nummers spreken voor mij over wanneer je gecureerd bent voor de industrie of gewoon voor mensen. Dan bouwen ze je op als een product, en dan laten ze je achter. En je blijft op de plank staan. Hoe hou je van jezelf? En hoe houdt de wereld van je als je niet meer het populaire ding bent? Wanneer je niet meer het meest bekeken als mooi bent? Hoe overleef je dat of geneest je daarin? En die drie nummers resoneren echt voor mij de menselijke aspect van wat ik in deze muzikale reis heb meegemaakt.

In "Radio Free" was je openhartig over je ervaring in de muziekindustrie. Hoe navigeer je als solo-artiest, vooral als zwarte vrouw?

Ik realiseerde me niet totdat ik solo-artiest werd dat mijn kleur mijn genre zou bepalen. Ik heb altijd van alternatieve of dance-muziek gehouden. Ik heb altijd van dat geluid gehouden. En ik begon met een popgroep die voornamelijk multicultureel was met vooral blanke meisjes. Dus ik kreeg niet de schok. Toen, toen ik bij Dirty Money ging, was het sterk zwart. En het was hiphop. Dus het was niets wat ongewoon was voor iemand omdat dat traditioneel was. Pas toen ik solo-artiest werd, realiseerde ik me: "Oh shit, mijn kleur beperkt me nu." En dat was het begin daarvan voor mij.

Ik heb moeten overleven toen iedereen me afwees — toen ze deze sound niet zagen of hoorden van een zwarte vrouw. Of het moment dat ik probeerde veelzijdig te zijn en mensen te laten zien dat ik al deze verschillende geluiden kan maken, en dat het logisch is. Ik kan een producer zijn; ik kan een animator zijn; ik kan een andere koers varen dan de normale artiesten. Ik werd daar door afgewezen. Echter, acht jaar later, ben ik er nog steeds en probeer ik door alles heen te dansen.

Sonisch gezien is elk nummer een beetje anders. Was dat opzettelijk toen je het project sequenced?

Absoluut! Sequencing was belangrijk voor mij, en ik wilde niet de cliché. Al mijn andere albums had ik een verhaal verteld dat zo specifiek was over de muziekindustrie. Het was alsof elk nummer, elk stuk, over de hartzeer en de pijn ging. Terwijl ik met dit album het album wilde laten reflecteren wat New Orleans voor mij is. Dus elk nummer — ook al kunnen ze samensmelten — ze zijn heel anders.

Ik wil nooit dat het ene album klinkt als het andere. Ik wil echt dat mensen verschillende tijdperken waarderen. Ze houden misschien niet van deze, ze geven misschien de voorkeur aan Goldenheart. De mensen die me net ontmoeten, kunnen dit misschien liever vinden en zeggen dat dit het beste album is dat ze ooit gehoord hebben. Ik wil nooit dat mijn kunst zo is van: “Ik wil beter zijn dan de volgende.” Maar meer dan wat dan ook wil ik diverse kunstwerken maken die allemaal verschillende beelden schilderen maar als geheel gespeeld kunnen worden. En wanneer je het afspeelt, kun je het verhaal volledig horen. En je kunt de reis zien, en je kunt ermee meegaan. Dat is het enige wat ik als artiest kan vragen — is dat je voelt. Je kunt het haten, ervan houden, gewoon voelen. Als ik dat met dit kan doen, dan heb ik mijn werk gedaan.

De muziekvideo's delen ook een gemeenschappelijk thema. Van de artistieke visie tot de choreografie, specifiek "Bussifame" en "Jacuzzi." Welke boodschap probeerde je over te brengen met de visuals?

Het album is een post-apocalyptisch New Orleans. Het is de Blade Runner van New Orleans. Visueel probeerde ik dat zo goed mogelijk te personifiëren met een onafhankelijk budget. Mijn regisseur, choreograaf en dansers komen allemaal uit New Orleans, waarbij de kunst van dans wordt toegepast. Omdat hier [in New Orleans] parades, dansgroepen en majorettes alomtegenwoordig zijn. Het is hier een culturele zaak. Dus, het combineren van het idee van meerdere meisjes die met mij dansen om de esthetiek van de New Orleans-traditie in de visuals te creëren.

Echter, de manier waarop we er hetzelfde uitzien, creëert het concept dat, na deze post-apocalyptische wereld, de eerste persoon die je ziet zwarte vrouwen zijn. Dus de wereld veegt weg en het eerste beeld dat je ziet zijn deze zwarte meisjes. Zelfde outfit en zelfde haar om het verhaal van de Android te vertellen. Ze zouden er allemaal hetzelfde uitzien, ze zouden hetzelfde dansen. Maar, esthetisch zou er een duistere uitstraling aan hen zijn, een grunge-uiterlijk aan de visuals. Dus al mijn visuals zijn niet schoon. Het is niet gepolijst zoals mijn andere visuals zijn geweest. Onze kostuums zijn niet perfect. Er zijn gaten, er zijn scheuren. Onze make-up is gemold. Het moet rauwer zijn dan mijn normale visuals. Omdat we in een wereld zijn die niet gepolijst is. Het is rauw.

Het is duidelijk in de credits dat je zeer betrokken was bij het hele project. Vooral qua schrijven en produceren. Hoe was dat proces deze keer?

Ik ben al acht jaar [achter de schermen aan het werk]. Ik moest mijn eigen set bouwen voor mijn shows en die afbreken na twee uur optreden. Ik heb altijd maar een paar [mensen om me heen gehad]. Ik ben gelukkig geweest en ben dankbaar voor de weinigen die in mij en mijn proces geloofden. Dus, vaak moest ik op mijn eigen leren. En winnen en verliezen op mijn eigen manier ook. Dus het is niet anders. Dit creatieve proces is niet anders dan de andere vijf of zes albums die ik eerder moest maken. [Om de boodschap echt door te geven, om de kunst te blijven bewegen.

Ik denk dat ik doelgericht was met dit album. Strategisch, om met veel mensen van kleur samen te werken. Samenwerken met animatoren uit Nigeria, tot mijn choreograaf en mijn regisseur die vrouwen zijn, zwarte vrouwen, dat was belangrijk voor mij. Daarnaast hebben de artiesten die het album maakten ook uit New Orleans; dat waren doelbewuste bewegingen.