Kom binnen in de lo-fi kermis van Caleb Landry Jones

Tijdens de tussenliggende 14 jaar heeft Jones zijn groeiende catalogus goed verborgen gehouden terwijl hij beter bekend werd als acteur. Hij brak in 2017 echt uit na het stelen van de show in kritisch geprezen films zoals Get Out, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, en The Florida Project. Hoewel zijn reputatie is verbonden aan ongemakkelijke karakters zoals Get Out’s Jeremy Armitage of Twin Peaks’ Steven Burnett, kwam Jones zelf onmiskenbaar ontwapenend over toen we enkele weken geleden spraken. Hij brak vaak in animerende stemmen uit tijdens het vertellen van verhalen, vergelijkbaar met de modulatie die hij throughout The Mother Stone gebruikt, en was bescheiden over zijn werk, terwijl hij grapjes maakte over de haphazard oorsprong van zijn nummers en hun losse benamingen. Niet alleen gebruikt hij nog steeds een flip phone, maar ons gesprek werd vertraagd omdat zijn vader zijn lijn gebruikte.

Net als wij allemaal is Jones thuis opgesloten terwijl we wachten op een wereldwijde pandemie. Misschien in tegenstelling tot velen van ons, brengt hij zijn zelfquarantaine door op de boerderij van zijn ouders in Collin County, Texas. Concreet besteedt hij veel tijd in de schuur, de onopvallende plek waar hij het grootste deel van zijn ongepubliceerde werken heeft opgenomen. Die schuur is iets als Jones’ equivalent van Wilco’s Loft, een lanceerplatform voor zijn muziek, voortkomend uit zowel het gemak dat het biedt als de mystieke creativiteit die het inspireert. Hij is de setting tegengekomen die hem beschermt van de schijnbare chaos van dit moment. "Nou, ik weet het niet, hier komen is een soort van automatisch in quarantaine", mijmert hij. "Ik bedoel, ik weet wat er aan de hand is, denk ik, omdat mijn vader de Wall Street Journal krijgt. Verder lijkt het gewoon behoorlijk normaal, behalve het feit dat je weet dat het geen normale tijd is."

Misschien heb je eerder in deze crisis een glimp van deze buitenpost opgevangen, toen hij een livestream vanuit de boerderij hield. Zoals hij in normale tijden doet, schrijft Jones voortdurend nieuwe muziek, en na het laten zien van zijn rommelige, gezellige opstelling, speelde hij een aantal van de dingen waar hij aan heeft gewerkt. Zoals hij zich herinnerde: "Ik kreeg te horen dat we dit enkele dagen van tevoren wilden doen, en ik dacht, gosh, nou, het enige wat ik op dit moment kan doen, is waarschijnlijk wat ik op dat moment maak, omdat ik wist dat ik die akkoorden zou onthouden." Het evenement was zo casual en ongecompliceerd als hij zelf is — een kale, rommelige weergave van zijn manische, expansieve deuntjes.

Hoewel deze periode van nationale onderdak-in-plaats een unieke gelegenheid is voor muziekliefhebbers om hun favoriete artiesten off-the-cuff versies van hun nummers te zien spelen, voelde het bijzonder speciaal om Jones een lo-fi concert vanuit zijn schommelstoel te zien geven. Dit komt deels omdat hij nog geen live shows heeft gehouden voor deze aanstaande plaat, maar ook omdat de blote uitvoering in wezen het tegenovergestelde was van het daadwerkelijke geluid van het grootse, carnavaleske The Mother Stone.

De meest opvallende kwaliteit van het album, dat op 1 mei uitkomt, is zijn ongeremde ambitie. The Mother Stone is het zeldzame hedendaagse rockalbum dat probeert mee te doen in het gesprek met Wish You Were Here of In The Court of the Crimson King. De collectie is samengevoegd uit multi-suite vignetten, een samengestelde mix van vergane bewegingen die de reikwijdte beslaan van slaperige, luchtige stokken tot opgezweepte riff lopers, doorgaans binnen hetzelfde nummer. Maar het album is ook heel erg zijn eigen ding, en van zijn eigen moment. Er zijn zware knopen van Side B Abbey Road, maar ook de claustrofobische FM rock van acts zoals Mini Mansions of Alexandra Savior die aan Alex Turner zijn gelinkt.

Jones blijft nooit te lang bij één idee hangen, en met meer dan een uur muziek laat dat veel te verwerken hier, mits je snel kauwt. Het eerste nummer en lead single “The Flag / The Mother Stone” is bijna een mini-album op zich, en plaatst een glinsterende orkestrale mars naast een scherpe desert rock acid trip die zich uitstrekt tot zeven-en-een-halve minuut. Het volgende nummer, “You’re So Wonderful,” is een theatrale romp, vol met overdreven vocale affectaties en dramatische ritmische schommelingen. Na 15 nummers kan het cumulatieve effect overweldigend zijn, muziek die heel duidelijk op zijn eigen trommels beat, en je van de kaart leidt.

Je vindt je weg na een paar luisterbeurten, wanneer je gemakkelijker individuele details kunt uitpikken. Een grote verscheidenheid aan instrumenten komt in en uit, botsend en schurend tegen elkaar terwijl ze strijden om de ruimte — vintage Casio keyboards, versleten Yamaha's, zijwaarts van stemmen. Het is een magnifiek rommelige collage van geluiden. Onder de hoogtepunten bevindt zich “No Where’s Where Nothing Died,” dat sereen begint voordat het in vuur en vlam schiet, als een vallende ster die uitbrandt in een Big Bang. Het is allemaal fettering percussie en plumerende melodieën die in een enorme met brass ondersteunde koor zingen, eentje die nog verder wordt uitgedrukt voor de reprise aan het einde van het album. Andere nummers zoals “The Hodge-Podge Porridge Poke,” daarentegen, verspillen geen seconde om van het begin af aan in hun cathartische cacophonieën te duiken.

De grote schaal van het album is niet het resultaat van methodische intentie, maar eerder van onbelemmerde instinct. Jones' songboek wist zo snel te groeien door weinig tijd te geven aan tweede gedachten terwijl hij de geluiden in zijn hoofd hard opnam. "De eerste bewegingen zijn het belangrijkst, ontdek ik," zegt hij. "In meer of mindere mate hoor je het nummer op een manier, zoals in een droom hoe je het ver weg hoort, niet per se van dichtbij. En dan hoe dichter je erbij komt, hoe dichter het bij jou komt." Hij lacht om de abstracte beschrijving die hij geeft, maar maakt de gedachte toch af. "En je doet of die dingen die dit plaatje op die manier aanvullen, of je vernietigt en moet even het bord schoonvegen om het opnieuw te bewerken."

Wat The Mother Stone definieert als een afwijking van Jones' eerdere muziek is de introductie van samenwerking in dit songwritingproces. Na veel jaren bijna volledig door en voor zichzelf op te nemen, bevond Jones zich in Los Angeles met genoeg geld tussen films door om zijn eerste echte tijd in een studio te boeken. Niet in staat om snel terug te keren naar de schuur van zijn ouders, was zijn doel simpelweg de nummers op te nemen die hij had geschreven terwijl hij aan de films werkte. De realisatie van een echt debuutalbum kwam pas nadat Jones in contact was gebracht met Nic Jodoin bij Valentine Recording Studios via zijn vriend Danny Lee Blackwell van de Seattle band Night Beats.

"Ik vertelde hem slechts een paar nummers omdat ik niet wist hoeveel het zou zijn en hoe het zou uitwerken, aangezien we nog nooit samen hadden gewerkt," herinnerde Jones zich. "Maar ik hoopte dat het een album zou zijn, en inderdaad, na een paar dagen gingen we gewoon door." Van daaruit bracht Jodoin Drew Harrison in het spel, die de strijk- en hoornstukken arrangeerde die door The Mother Stone heen zwijgen. Het uitgebreide geluid vereiste meer muzikanten, en in totaal speelden meer dan 20 mensen op het album, van houtblazers tot tweede en daarna derde gitaren. Hij schrijft de kracht van de muziek toe aan "het feit dat zoveel andere geweldige muzikanten naar binnen konden komen en hun ingewanden een beetje konden laten zien en dan weer naar buiten gingen, en dan weer terugkomen en weer een nieuwe uitspatting konden geven."

Het is passend dat het album waarin Jones de meeste mensen binnenlaat, degene zal zijn die hij naar de meeste mensen zal laten horen — zijn eerste album voor publiek, of in ieder geval zijn eerste dat niet via MySpace is uitgebracht. Toen, op 17-jarige leeftijd, bezorgde Jones zich voortdurend over de reactie, zich afvragend: "Oh, hoeveel mensen luisteren naar mij, hoeveel mensen keuren goed wat ik doe?!" Hij schudt nu zijn hoofd over dat gevoel. "Het was spannend om bevestiging te krijgen, maar tegelijkertijd werd het ook een beetje vervelend," merkt hij op, terwijl hij grijnst en toevoegt: "En ik checkte altijd of een ex het luisterde."

Hij erkent dat die verleiding voor onmiddellijke feedback nog steeds in hem zit. "Je bent altijd nieuwsgierig of het iets heeft beïnvloed, ergens in de wereld," zegt hij. "Of zit het daar gewoon stil en stierf het na vier ademhalingen?" Maar in plaats van zijn kunst te valideren, is zijn verlangen voor mensen om nu te luisteren, voornamelijk om de kans te behouden om meer uit te brengen. Omdat Jones altijd nieuwe muziek zal schrijven; het verschil dat hij me nu vertelt, is dat hij deel uitmaakt van een team dat pleit dat het gehoord moet worden. En naarmate steeds meer mensen wind krijgen van zijn unieke muzikale perspectief, zal het moeilijker worden om die andere 685 nummers voor zichzelf te houden.