Kom binnen in de Lo-Fi carnaval van Caleb Landry Jones

In de afgelopen 14 jaar heeft Jones zijn groeiende catalogus dicht bij zijn hart gehouden terwijl hij beter bekend werd om zijn acteerwerk. Hij brak echt door in 2017 nadat hij de aandacht trok in kritisch bejubelde films zoals Get Out, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, en The Florida Project. Hoewel zijn reputatie verbonden is met onrustige personages zoals Get Out’s Jeremy Armitage of Twin Peaks’ Steven Burnett, kwam Jones zelf zonder twijfel ontwapenend over toen we een paar weken geleden spraken. Hij viel vaak in opgewonden stemmen terwijl hij verhalen vertelde, vergelijkbaar met de modulatie die hij gebruikt in The Mother Stone, en was bescheiden over zijn werk, waarbij hij de chaotische oorsprong van zijn nummers en hun rigoureuze naamgevingsconventies op de hak nam. Hij gebruikt niet alleen nog een flip phone, maar ons gesprek werd vertraagd terwijl zijn vader zijn lijn gebruikte.

Net als wij allemaal, zit Jones thuis terwijl we wachten op een wereldwijde pandemie. Misschien in tegenstelling tot velen van ons, brengt hij zijn zelfquarantaine door op de boerderij van zijn ouders in Collin County, Texas. Specifiek brengt hij een groot deel door in de schuur, de bescheiden plek waar hij het merendeel van zijn onuitgebrachte werken heeft opgenomen. Die schuur is iets geworden als Jones’ evenknie van Wilco’s Loft, een lanceerplatform voor zijn muziek, voortgekomen uit zowel het gemak dat het biedt als de mystieke creativiteit die het inspireert. Hij heeft de omgeving geïsoleerd gevonden van de schijnbare chaos van dit moment. "Nou, ik weet het niet, als je hierheen komt, ben je automatisch een soort in quarantaine," mijmert hij. "Ik bedoel, ik weet wat er gaande is, denk ik, omdat mijn vader de Wall Street Journal leest. Buiten dat lijkt het gewoon vrij normaal, behalve het feit dat je weet dat het geen normale tijd is."

Je hebt misschien eerder deze crisis een glimp van deze buitenpost opgevangen, toen hij een livestream hield vanaf de boerderij. Zoals hij in normale tijden doet, schrijft Jones consistent nieuwe muziek, en na hem rond te hebben geleid in zijn rommelige, gezellige opstelling, speelde hij een aantal van de nummers waaraan hij heeft gewerkt. Zoals hij zich herinnerde: "Mij werd verteld dat we dit een paar dagen van tevoren wilden doen, en ik dacht, god, het enige dat ik nu kan doen is waarschijnlijk wat ik in het moment maak, omdat ik weet dat ik die akkoorden ga onthouden." Het evenement was net zo informeel en eenvoudig als hij is — een afgeslankte, rommelige vertoning van zijn manische, expansieve tunes.

Hoewel deze periode van landelijk schuilen een unieke gelegenheid is voor muziekfans om hun favoriete artiesten off-the-cuff versies van hun nummers te zien spelen, voelde het bijzonder speciaal om Jones een lo-fi concert vanuit zijn schommelstoel te zien geven. Dit komt deels omdat hij nog geen live shows heeft gehouden voor dit aanstaande album, maar ook omdat de blote uitvoering in wezen het polar tegenovergestelde is van het daadwerkelijke geluid van het grandioze, carnavaleske The Mother Stone.

De meest onmiddellijk opvallende eigenschap van het album, dat op 1 mei uitkomt, is de ongegeneerde ambitie. The Mother Stone is het zeldzame hedendaagse rockalbum dat in gesprek wil zijn met Wish You Were Here of In The Court of the Crimson King. De verzameling is samengesteld uit multi-suite vignetten, een samenstelling van door elkaar gegooide bewegingen die het bereik bestrijken van languide, luchtige strummers tot opgevoerde riff-runners, meestal binnen hetzelfde nummer. Maar het album is ook zeer zijn eigen ding, en van zijn eigen moment. Er zijn zware knooppunten van Side B Abbey Road, maar ook de claustrofobische FM-rock van Alex Turner-achtige acts zoals Mini Mansions of Alexandra Savior.

Jones blijft nooit te lang op één idee hangen, en met meer dan een uur muziek dat veel te bieden heeft, op voorwaarde dat je snel kauwt. Het eerste nummer en de lead single "The Flag / The Mother Stone" is bijna een mini-album op zich, die naast een glinsterende orkestrale mars staat met een scherpe desert rock acid trip die zich uitstrekt tot zeven-en-een-halve minuut. Het volgende nummer, "You’re So Wonderful," is een theatrale uitbarsting, gevuld met overdreven vocale affectaties en dramatische ritmische schommelingen. Na 15 tracks kan het cumulatieve effect overweldigend zijn, muziek die heel erg op zijn eigen trommels slaat, wat je van de kaart leidt.

Je vindt je weg na een paar luisterbeurten, wanneer je gemakkelijker individuele details kunt eruit halen. Een breed scala aan instrumenten vliegt in en uit, botsend en schrapend tegen elkaar terwijl ze strijden om ruimte in je hoofd — vintage Casio keyboards, versleten Yamahas, zijwaartse snaren. Het is een prachtig rommelige collage van geluiden. Een van de hoogtepunten is "No Where’s Where Nothing Died," dat sereen begint voordat het in vuur en vlam staat, als een vallende ster die uitbrandt in een grote explosie. Het is allemaal fetterende percussie en plompe melodieën die ontbranden in een massieve, koper-ondersteunde koor, die eigenlijk verder wordt uitgerekt voor de reprise aan het einde van het album. Andere nummers zoals "The Hodge-Podge Porridge Poke," echter, verspillen geen seconde om te beginnen met hun cathartische cacofonie vanaf het begin.

De enorme schaal van het album is niet het resultaat van methodische bedoelingen, maar eerder van ongegeneerde instincten. Jones’ songboek groeide zo snel door weinig tijd te geven aan tweede gedachten terwijl hij luidop de geluiden in zijn hoofd recreëerde. "De eerste bewegingen zijn de belangrijkste, ontdek ik," zegt hij. "Meer of minder hoor je het nummer op een bepaalde manier, zoals in een droom hoe je het van ver weg hoort, niet per se dichtbij. En hoe dichter je erbij komt, hoe dichter het bij jou komt." Hij lacht om de abstracte beschrijving die hij biedt, maar volbrengt de gedachte desondanks. "En je doet ofwel die dingen die dit plaatje aanvullen op die manier, of je vernietigt het en moet een beetje de boel opfrissen om het opnieuw te bewerken."

Wat The Mother Stone definieert als een afwijking van Jones’ eerdere muziek is de introductie van samenwerking in dit schrijfproces. Na vele jaren vrijwel volledig door en voor zichzelf op te nemen, bevond Jones zich in Los Angeles met voldoende geld tussen films door om zijn eerste echte tijd in een studio te boeken. Omdat hij niet snel terug kon naar de schuur van zijn ouders, was zijn doel simpelweg om de nummers die hij had geschreven tijdens het werken aan de films vast te leggen. De realisatie van een echt debuutalbum kwam pas nadat Jones in contact was gekomen met Nic Jodoin bij Valentine Recording Studios via zijn vriend Danny Lee Blackwell van de Seattle-band Night Beats.

"Ik vertelde hem maar een paar nummers omdat ik niet wist hoeveel het zou worden en hoe het zou uitpakken, aangezien we nog nooit eerder samen hadden gewerkt," herinnerde Jones zich. "Maar ik hoopte dat het een album zou worden, en dat bleek na een paar dagen het geval te zijn." Van daaruit bracht Jodoin Drew Harrison erbij, die de strijkers- en blazersstukken arrangeerde die over The Mother Stone pronken. Het uitgebreide geluid betekende meer muzikanten, en in totaal hebben meer dan 20 mensen aan het album gespeeld, van houtblazers tot tweede en derde gitaren. Hij geeft de kracht van de muziek krediet aan "het feit dat zoveel andere geweldige muzikanten mochten binnenkomen en een beetje hun ingewanden konden laten zien en vervolgens weer naar binnen komen en opnieuw een uitbarsting geven en weer teruggeven."

Het is passend dat het album waarin Jones de meeste mensen binnenlaat, het album zal zijn dat hij aan de meeste mensen aanbiedt — zijn eerste album voor openbaar gebruik, of in ieder geval zijn eerste dat niet via MySpace is uitgebracht. Terug in de tijd, op 17-jarige leeftijd, maakte Jones zich constant zorgen over de receptie, zich afvragend: "Oh, hoeveel mensen luisteren naar mij, hoeveel mensen keuren goed wat ik doe?!" Hij schudt nu zijn hoofd over dat gevoel. "Het was spannend om validatie te krijgen, maar tegelijkertijd werd het ook een beetje misselijkmakend," merkt hij op, terwijl hij lacht als hij toevoegt: "En ik was altijd aan het kijken of een ex het had beluisterd."

Hij herkent dat de verleiding voor onmiddellijke feedback nog steeds binnen hem is. "Je bent altijd nieuwsgierig of het iets heeft bewogen, ergens in de wereld," zegt hij. "Of dat het gewoon daar bleef zitten en niet, en vier ademhalingen nam en doodging." Maar in plaats van zijn kunst te valideren, is zijn verlangen dat mensen nu luisteren voornamelijk om de mogelijkheid te behouden om meer te publiceren. Omdat Jones altijd nieuwe muziek zal blijven schrijven; het verschil dat hij me nu vertelt, is dat hij deel uitmaakt van een team dat pleit dat het gehoord moet worden. En naarmate meer en meer mensen op de hoogte raken van zijn unieke muzikale perspectief, zal het moeilijker worden om die andere 685 nummers voor zichzelf te houden.