door Rudolph Santarromana
Ik wil dat jullie dit weekend nieuwe muziek ervaren. Pak je Vinyl Me, Please album van de maand, je cocktail, en ga in een kamer met een raam zitten. Plaats die naald in de groef en luister naar een compleet album. Zet je telefoon in vliegtuigmodus en ontkoppel van de wereld.
We leven in een steeds digitaler wordende wereld. We zijn gewend om direct te krijgen wat we willen. Je kunt binnen enkele seconden alle informatie die je nodig hebt verkrijgen, en kinderen van tegenwoordig zullen nooit de moeite kennen om daadwerkelijk een woordenboek te bezitten of te moeten leren hoe iets te doen zonder een behulpzaam YouTube-video. Heb je ooit een liedje op gitaar of piano willen leren en de noten of akkoorden opgezocht zonder ooit te gaan zitten en te proberen het hele instrument te leren? Ik geef toe dat ik het eerder heb gedaan. We raken verstrikt in de val om zo gefocust te zijn op het einddoel dat we soms vergeten hoe belangrijk de reis of de ervaring als geheel is. Maar het is die reis die hedendaagse muzikale genieën creëert. Dit type holistische kijk op muziek is belichaamd in de Suzuki-methode van muziekonderwijs.
Wat is de Suzuki-methode, vraag je?
De Suzuki-methode is gebaseerd op de manier waarop we als baby onze eerste taal leren (het wordt ook wel de 'moedertaal'-methode genoemd). We hebben geen eerdere kennis van taal als basis, maar toch leren we taal begrijpen. Dit wordt gedaan door op jonge leeftijd te beginnen en het kind te omringen met de omgeving die het kan imiteren. We spreken tegen baby's en leren hen namen door keer op keer “mama” en “papa” tegen hen te zeggen totdat ze die geluiden nabootsen om “mama” en “papa” te produceren. In plaats van de baby te vertellen dat ze het fout hebben, leidt constante positieve bekrachtiging van die kleine overwinningen het kind ertoe om langzaam te verbeteren in hun vaardigheden, totdat uiteindelijk “mama” “moeder” wordt en “papa” “vader,” en dit alles gebeurt voordat ze zelfs leren lezen. Zodra er een basisbegrip is, begint het kind te lezen en schrijven. Er zijn geen tests, prestatieniveaus of meetinstrumenten van meesterschap in de manier waarop we taal leren en zo gaat de Suzuki-methode om met het aanleren van de 'taal van muziek'.
De in Chicago geboren Andrew Bird is een eigentijdse Suzuki-methode door wie het duidelijk wordt welk type musicus deze methode kan ontwikkelen. Hij begon op vierjarige leeftijd een versie van de viool te spelen die gemaakt was van een schoenendoos. Volgens Bird:
“Ik ben echt dankbaar dat de stijl van Suzuki waarmee ik ben opgegroeid heel trouw was aan het 'leren op gehoor' en het 'moedertaal'-concept. Dat heeft een enorme impact gehad op het soort muzikant dat ik ben.Als lezen de nadruk had gekregen, denk ik dat ik anders zou zijn geëindigd. De noten stonden voor ons, maar ze waren slechts een onderdeel van de ceremonie van het spelen. Het was puur op gehoor. Dan hadden we groepslessen en privélessen eens per week en het was heel sociaal. Mijn moeder was zeer betrokken. Ze kwam naar alles en ze begon zelfs (viool) te spelen met mij in het eerste jaar.
Ik ben meer dankbaar voor de Suzuki-methode dan voor welke muzikale kans dan ook die ik heb gehad.
Muzikaal gezien is het belangrijkste dat, aangezien ik niet meteen noten leerde lezen, ik een directe verbinding maakte met wat er in mijn hoofd zat. Dat maakt het mogelijk dat de muziek niet alleen in mijn oor gaat, maar ook uit mijn hoofd komt en op mijn instrument terechtkomt. En als schrijver, componist en improvisator—wanneer ik die sprong maakte van klassiek repertoire naar volksmuziek of jazz door de jaren heen, was het geen grote sprong. En ik zag andere muzikanten om me heen—mensen op het conservatorium—die niet naar links of rechts konden bewegen zonder de geschreven noten.”
Met een loopbord, meerdere instrumenten en een vermogen om elke denkbare melodie te fluiten, is hij echt een eenmansorkest die inspiratie haalt uit alles wat met muziek te maken heeft. Bird legt in zijn TED talk uit hoe zelfs dingen zoals ‘zelfdestructieve’ feedback loops die optreden wanneer een microfoon en een luidspreker te dicht bij elkaar staan, hem kunnen inspireren, zoals in het nummer “Eyeoneye.” In zijn woorden gaat het nummer over “de persoon die zo succesvol is geweest in het beschermen van zichzelf tegen liefdesverdriet dat ze uiteindelijk zelf de daad plegen.” Naast het schrijven van liedjes besteedt hij speciale aandacht aan detail met betrekking tot zijn live-optredens. Akoestisch gezien heeft elke locatie nuances in het geproduceerde geluid, en voor muzikanten zoals Andrew Bird, spelen deze nuances een rol bij elk optreden. Volgens Bird, “Nu, wanneer ik op tournee ben en elke avond in een ander theater speel, ‘stemmen’ we de ruimte, waarbij we de basvallen en staande golven opsporen om de luisteraar het meest evenwichtige en brede spectrum van geluid te geven. Er zijn bepaalde frequenties die resoneren terwijl andere levenloos zijn. Soms wil de ruimte niet meewerken en moet ik overwegen andere nummers te spelen die in die ruimte zullen werken” (www.AndrewBird.net). Andrew Bird gaat dit voorjaar op wereldtournee tour, en als hij bij jou in de buurt komt, raad ik ten zeerste aan om te gaan.
Deze winter hervatte Andrew Bird zijn intieme “Gezelligheid” optredens (Nederlands woord dat ruwweg vertaalt naar ‘gezellig’ of ‘knus’) op vier opeenvolgende avonden in de Fourth Presbyterian Church in Chicago en ik was erbij. Dit was niet de eerste keer dat ik hem live zag, maar ik zou zeggen dat het mijn favoriete optreden was. Voordat de deuren opengingen, ging de beveiliging langs de rij en vroeg iedereen hun telefoon niet te gebruiken voor foto's, video's, opnames van welke soort dan ook, of welk gebruik dan ook—het was tenslotte in een kerk. En eerlijk gezegd zou een opname geen recht doen aan de ervaring. Het zou zijn als het vertellen van een verhaal en het zien van de ongeïnteresseerde blik op je publiek (ook al kan ik jullie gezichten nu niet zien) en eindigen met, “je moest er zijn,” wat ik zeker weten allemaal eerder hebben gedaan, dus ik zal mezelf ervan weerhouden die weg in te slaan. Wat ik zal zeggen, is dat de aandacht voor detail duidelijk was, zowel akoestisch als visueel, en ze kwamen goed samen met de intieme sfeer van het evenement. Uiteindelijk heeft elke show een verhaal dat die de algehele ervaring omvat.
Met het idee van je omgeving in gedachten, “A new ongoing project of [Bird’s] called Echolocations is an extension of Gezelligheid where [he] 'plays to the room', whether it be a canyon in Utah or an 18th century aqueduct in Lisbon.” The first in the ‘Echolocations’ series was released earlier this year. Echolocations: Canyon was recorded in the Coyote Gulch canyons of Utah. Luister goed en je kunt de echo op de stenen canyons muur horen en wat klinkt als een stroom water op de grond in deze ambient compositie. Toekomstige geplande afleveringen van Echolocations zijn: Rivier, Stad, Meer en Bos.
Making of Echolocations: Canyon
Soundcloud of Echolocations: Canyon
Andrew Bird blijft muziek maken en opnemen en is een groot voorstander van muzikale deelname van jongeren als gevolg van de positieve ervaringen die hij als kind had. Bird speelde eind 2015 bij The Hideout aan het einde van zijn Gezelligheid-reeks in Chicago en alle opbrengsten gingen naar de Andrew Bird Scholarship die is opgezet om muzieklessen te betalen voor studenten van de Chicago High School for the Arts. Hij zegt, “Muziek maakt je leven rijker… Het creëert andere mensen met andere waarden. Waarden die dieper gaan dan de jacht op geld en materiële zaken.”
Dus de volgende keer dat je ergens probeert te komen, overweeg dan je reis en de voordelen die de ervaring kan opleveren. Betrek al je zintuigen en wees aanwezig in het moment. Die ervaringen kunnen leiden tot iets wat vollediger is dan wat je oorspronkelijk had bedoeld. Voor Andrew Bird is muziek meer dan de juiste combinatie van geluiden en instrumenten—het weerspiegelt ook je omgeving. Muziek is tenslotte een ervaring, toch? Daarom houden we van vinylplaten. Het gewicht van de plaat in onze handen, het waarderen van de grote albumhoes, de schoonheid van de zwarte, roze, paarse, rode of doorzichtige plaat zelf, en het horen van die eerste paar krakende geluiden terwijl de naald zijn groef vindt, laten je weten dat het echt is. Een digitaal telefoonscherm kan zo'n ervaring niet bieden.
Word lid van de club!
Word nu lid, te beginnen vanaf $44
