De 10 Beste Latin Jazz Albums om op Vinyl te Bezitten

De ontwikkeling van Latin jazz door de jaren heen loopt parallel met de veranderingen in jazz in het algemeen, en omvat een breed scala aan stijlen, van traditionele songstructuren tot vrije vorm en fusie. Zelfs zo vroeg als het begin van de 20e eeuw in New Orleans, was Latijns-Amerikaanse muziek een belangrijke component in de ontwikkeling van jazz—de vroege jazzpionier Jelly Roll Morton noemde het de “Spaanse tint.” Terwijl jazz naar het noorden verspreidde en door het Caribisch gebied en Latijns-Amerika, werden muzikanten van verschillende achtergronden geïnspireerd, en integreerden ze vertrouwde melodieën en ritmes met improviserende jazz. Deze creaties inspireerden op hun beurt jazzgroepen in de VS en de populariteit van big band dan muziek in de jaren '30 en '40 betekende dat bands constant op zoek waren naar muziek die menigte zou aantrekken. Gewilde Latin muzikanten sloten zich aan bij bestaande bands of vormden hun eigen bands. Afro-Cubaanse, Afro-Caribische, mambo, salsa, charanga, boogaloo, son en bossa nova zijn slechts enkele van de vele stijlen van dit levendige muziekgenre. En er zijn veel te veel Latin jazz grootheden en essentiële albums om in te duiken. Het is een genre dat voortdurend evolueert met het werk van huidige muzikanten zoals Pedrito Martínez en Arturo O’Farrill die hun progressieve stempel drukken. Maar deze 10 albums kunnen je op weg helpen.

Machito: Kenya

Men kan niet over Latin jazz praten zonder een van de vaders ervan te noemen, Francisco Raúl Gutiérrez Grillo, beter bekend als Machito. Hij verhuisde van Cuba naar New York, en vormde uiteindelijk in 1940 zijn band de Afro-Cubanen die, met de hulp van muzikaal directeur Mario Bauzá, een van de eersten waren die traditionele jazzarrangementen combineerden met Afro-Cubaanse ritmes, vaak Amerikaanse jazzcomponisten inhuurden om Cubaanse liedjes te arrangeren. Kenya (1958) bevat voornamelijk originele nummers geschreven en gearrangeerd door A.K. Salim. Bij een eerste blik zou je kunnen denken dat het album vol staat met de glans van een big band met een luide blazerssectie die op de exotica-hype van de jaren '50 springt, maar als je dieper graaft, hoor je ook wat Machito onderscheidt van de imitaties. Het strakke muzikantschap, de complexe jazzarrangementen die snel overgaan van hoge impact naar subtiele soulvolle zinnen; er is geen manier waarop Kenya als een modealbum kan worden afgedaan. Het album bevat ook enkele geweldige jazzsolo's van de trompettist “Doc” Cheatham (“Holiday”), de altsaxofonist Cannonball Adderley (“Oyeme” en “Congo Mulence”) en anderen.

Tito Puente: Dance Mania

Tito Puente toonde een vroege interesse in muziek terwijl hij opgroeide in Spaans Harlem. Na zijn studie aan Juilliard, kreeg hij uiteindelijk een baan als percussionist in Machito’s band, waarbij de timbales zijn belangrijkste instrument waren. Toen hij in 1948 zijn eigen band oprichtte, nam hij aanwijzingen van de orkesten van Machito en Count Basie, waarbij hij de verfijning van big band jazz combineerde met Latijnse ritmes. Dance Mania (1958), zijn bestverkopende album, is absoluut vuur. De meeste nummers zijn originele composities van Puente, die verschillende stijlen zoals mambo, son, cha-cha-cha en bolero's omvatten. Wat opvalt is hoe gepolijst de uitvoeringen zijn, en toch voelt het nooit benauwd aan. Puente speelt behendig timbales en vibrafoon; de conga's, bongo's, saxofonen en schallende trompetten ondersteunen vaardig zanger Santitos Colón. Hoogtepunten zijn de mid-tempo opener “El Cayuco” die het muzikantschap van Puente’s orkest en zijn vaardigheid als arrangeur demonstreert (de blaasinstrumenten overweldigen de ritme nooit), de levendige “Mambo Gozón,” en de hete afsluiter van het album “Saca Tu Mujer,” een klassieker.

Cal Tjader: Soul Sauce

Cal Tjader, de koning van de vibrafoon, hielp Latin jazz te populariseren in de small group vorm, waarbij hij zich distantieerde van het big band geluid. Hoewel hij zelf geen Latijnse afkomst had, spreekt Tjader’s discografie en toewijding aan het idiom voor zich. Soul Sauce (1965) was een van zijn bestverkopende albums, een geweldige mix van mambo, boogaloo en zelfs wat bossa nova (de João Gilberto-geïnspireerde “João”). De soulvolle vibes verbazen met hun frequente uitbarstingen, maar Tjader laat ook zijn medemuzikanten schitteren. Lonnie Hewitt’s piano compenseert perfect de dromerige tonen en de percussiebijdragen van Willie Bobo, Armando Peraza en Alberto Valdes zijn de ankerpunten voor de verschillende Cubaanse en Caribisch-geïnfluenced ritmes. Tjader maakt moeiteloos ballades opnieuw zoals “Somewhere in the Night” en “Spring is Here,” de breezy vibes en piano doordringend in je botten. Een persoonlijke favoriet is de zelfgetitelde opener, een veel te korte bewerking van een Chano Pozo/Dizzy Gillespie compositie die gekenmerkt wordt door Bobo’s kreten. Een ander hoogtepunt is Tjader’s versie van Mongo Santamaría’s klassieker “Afro-Blue” waarbij de toevoegingen van Donald Byrd’s trompet, Jimmy Heath’s sax en Kenny Burrell’s gitaar het een spannende mix van jazz en door Afrika beïnvloede ritmes maken.

Antônio Carlos Jobim: Wave

Heb je een album nodig om de soundtrack van een dinerdate thuis te zijn en wil je warme briesjes en hete nachten oproepen? Zoek dan niet verder dan Antônio Carlos Jobim’s derde en meest succesvolle album, Wave (1967). Het belichaamt bossa nova (wat nieuwe trend of nieuwe golf betekent), een Braziliaanse muziekstijl die lijkt op een vertraagde samba gecombineerd met jazz. Jobim, een Braziliaanse componist en muzikant, was een van de pioniers ervan. Op Wave zijn er de typische ritmische gitaarstrum en zachte percussie maar ook fluit, trombone en strijkers. De hoes van een giraffe op een exotisch strand straalt ontsnapping en passie uit, wat matcht met de ontspannen verfijning van de muziek. Hoogtepunten zijn het zelfgetitelde nummer en “Look to the Sky,” waar de trombone eenzaam en verlangend is. “Triste” verleidt met een zachte piano maar de trombone snijdt kort in, echoënd de melodie met delicate aandrang. Het enige vocale nummer “Lamento” is ook een hoogtepunt, aangezien het Jobim zelf is die zingt, iets wat hij niet vaak deed. Doe jezelf en je partner een plezier en koop deze plaat.

Willie Bobo: Bobo Motion

Willie Bobo was een productieve percussionist en speelde met grootheden zoals Dizzy Gillespie, Tito Puente, Mongo Santamaría, Cal Tjader en meer. Als bandleider is Bobo het best bekend om het mengen van Latijnse ritmes met soul en popmuziek, en hij was een van de vroege innovators van boogaloo, soul-jazz en brown-eyed soul. Bobo Motion uit 1967 heeft een mix van instrumentale en vocale nummers (met Bobo op zang), maar ook Bobo die serieuzer wordt met jazz op standards zoals “Midnight Sun,” “Cute” en “Tuxedo Junction.” Popmuziek wordt vertegenwoordigd met een Latin jazz versie van “Up-Up & Away” en Joe Tex’s southern soul stomper “Show Me” die recht omhoog brandt met blazers en niet te stoppen timbales. De Mexicaanse traditionele “La Bamba” krijgt hier de Bobo-behandeling en “Ain’t That Right” is een fantastische boogaloo-nummmer, een percussie-zware cover van een Arthur Sterling nummer. Bobo’s gitarist, Sonny Henry, draagt twee composities bij: “I Don’t Know” en “Evil Ways,” waarvan de eerste opgenomen versie later populair werd gemaakt door Santana. Bobo Motion is een eclectische mix van jazz en complexe Latijnse ritmes, wat precies illustreert waarom DJ’s op zoek gaan naar zijn platen.

Astrud Gilberto: Beach Samba

De Braziliaanse zangeres Astrud Gilberto is misschien het best bekend voor haar bijdrage aan de hit “The Girl from Ipanema” van Getz/Gilberto, een samenwerking uit 1963 tussen Stan Getz, haar toenmalige echtgenoot João Gilberto en Antônio Carlos Jobim. Uiteindelijk kreeg ze haar eigen contract bij Verve, maar Gilberto’s soloalbums breken geen nieuwe grond, maar dat is precies de bedoeling; haar kracht en frisheid liggen in haar ontspannen vocale presentatie, die, samen met de weelderige instrumentatie, onmiddellijk sandy stranden en verfrissende cocktails oproept. Het draait allemaal om de sfeer, mensen. Het toepasselijk getitelde Beach Samba (1967) is een primair voorbeeld hiervan met zijn moeiteloze bossa nova/pop stijl. Terwijl het niet de “Ipanema”-achtige hit genereerde die Verve wenste, is het een solide album dat bij je blijft. De zachte “Misty Roses” verleidt, “The Face I Love” betoverd en er is ook het beste duet tussen moeder en zoon ooit op haar cover van The Lovin’ Spoonful’s “You Didn’t Have to Be So Nice.” Soms zijn het de eenvoudigste sfeer-makers die de albums zijn waar je het vaakst naar grijpt.

Eddie Palmieri: Superimposition

Pianist Eddie Palmieri speelde in verschillende bands, waaronder die van Tito Rodríguez in de jaren '50, voordat hij zijn eigen band vormde in 1961 en de charanga-stijl (een Cubaanse dans gekarakteriseerd door fluit en violen) vernieuwde door de violen te vervangen door twee trombones en zo salsa muziek te ontwikkelen en te populariseren. Superimposition (1970) was Palmieri’s derde album na het beëindigen van zijn band om zich te concentreren op meer experimentele stijlen van muziekcompositie. De eerste kant van het album bestaat uit drie hete salsa nummers. “La Malanga,” “Pa’ Huele” en “Bilongo” mixen Cubaanse ritmes, waarbij de twee trombones om elkaar heen dansen. De trompetsolo's van Alfredo Armenteros op “Pa’ Huele” en “Bilongo” zijn de prijs alleen al waard. Maar het is de instrumentale, improviserende jazz op de tweede kant die de dubbele blik verdient. De percussie zet losjes de ritme op “Que Lindo Eso, Eh!” en de piano verkent, zich nooit vasthoudend aan een melodie. “Chocolate Ice Cream” opent als een rechte cha-cha-cha maar de modale jazzpiano en trompet solo's maken het meer als een jam. Palmieri’s dissonante piano staat op de achtergrond bij de percussie sectie op het laatste nummer, toepasselijk getiteld “17.1,” wat de gemiddelde leeftijd is van de drie percussionisten.

Mongo Santamaría: Sofrito

Sofrito (1976) is dat kruispunt tussen troostvoer en complexe delicatesse. Het vervagen van lijnen is precies de genialiteit van Mongo Santamaría, de meester conguero, percussionist en bandleider. Geboren in Cuba voordat hij naar de VS emigreerde, nam Santamaría een stijl mee die sterk beïnvloed was door Afrikaanse ritmes en hij was een van de belangrijkste spelers in de popularisering van Afro-Cubaanse jazz in de jaren '40 en '50 zowel in solo werken als met Peréz Prado, Tito Puente en later Cal Tjader’s band. Aanvankelijk werd Sofrito bij zijn release afgedaan, maar het is eigenlijk zeer representatief voor de jazzbeweging in de jaren '70 en laat Santamaría in zijn 50s zien, die bereid is om een beetje te experimenteren, waarbij hij Latijnse ritmes mengt met funky beats en West-Afrikaanse beïnvloede grooves, samen met elektrische toetsen en synths. Luister naar het traditionele nummer “O Mi Shango” en wees gefascineerd. Het perfecte album voor zomeravonden met vrienden, “Iberia” waft door open exotische ramen, de chill is sterk op “Cruzan” en dan word je getransporteerd naar Cubaanse straten op “Spring Song” en mijn persoonlijke favoriet “Sofrito.”

Ray Barretto: La Cuna

Een van de grootste congueros die ooit de conga-skinned slapte, Ray Barretto deed zijn ervaring op in de New York jazzwereld in de jaren '50, en voegde zich uiteindelijk bij Tito Puente’s band toen Mongo Santamaría vertrok. Nadat hij in de jaren '60 zijn eigen band oprichtte, populariseerde Barretto zijn versie van charanga-, pachanga- en boogaloo-muziekstijlen, die hielpen de salsa-golf van de jaren '70 te leiden. Naast het verlichten van de dansvloeren, had hij ook een grote rivaliteit met Eddie Palmieri, hun reeks albums demonstreert een sterke wens om elkaar te overtreffen. In de midden jaren '70 liet Barretto salsa achter (dankzij het vertrek van zijn band) en keerde terug naar het samenvoegen van deze Latijnse invloeden met zijn eerste liefde, jazz. Op La Cuna uit 1979, voegt Barretto zich bij een sterrencast van muzikanten zoals Tito Puente, John Tropea, Charlie Palmieri, Steve Gadd en Joe Farrell, onder anderen. La Cuna is een les in vaardigheid en muzikantschap; het is een reis van elektrische funk en Latijnse ritmes. Hoogtepunten zijn “Doloroso,” Farrell’s hete sax op “Mambotango” en “The Old Castle,” waar Tropea’s gitaar het op blazen.

Arturo Sandoval: Flight to Freedom

Arturo Sandoval, een briljante trompettist, maakte zijn Amerikaanse debuut op Flight to Freedom (1991) nadat hij was gevlucht uit Cuba. Klassiek opgeleid en al jarenlang beïnvloed door jazzgrootheden zoals Charlie Parker en Dizzy Gillespie (die een vriend en collega werd na hun ontmoeting in 1977), worstelde Sandoval met de beperkingen die de Cubaanse overheid hem oplegde, die controleerde wanneer en waar hij toerde en welke muziek hij kon spelen. Als kunstenaar verlangde hij naar expressieve vrijheid. Dus toen hij in 1990 toestemming kreeg om met Gillespie door Europa te toeren, en zijn vrouw en zoon daarheen mochten op vakantie, maakte Sandoval gebruik van de gelegenheid, en vroeg Gillespie en de Amerikaanse ambassade om hem en zijn gezin naar de VS te krijgen, waar ze uiteindelijk in Miami vestigden. Flight to Freedom laat Sandoval's passie los, waar hij zijn virtuoze capaciteiten mag tonen op Afro-Cubaanse bop (het zelfgetitelde nummer en “Caribeno” zijn hoogtepunten), zachte samba (“Samba de Amore”), energieke nummers die zelfs enkele rockgitaar bevatten (“Tanga”) en langzaam opbouwende ballades zoals “Body and Soul.” Sandoval’s gepassioneerde trompet stijgt en smeult.