인도와 재즈의 관계에 대한 잃어버린 역사

(이미지 출처: Meridian)

1920년대는 유색 인종, 특히 미국의 흑인들에게 격동의 시기였습니다. 인종차별이 어디에나 만연한 세상을 헤쳐나가는 데 어려움을 겪던 아프리카계 미국인들은 환영받지 못하고 안전함을 느낄 수 없었습니다. 이 시기는 또한 화려함, 금주법, 새로운 부의 시대인 재즈 시대를 가져왔습니다. 이 시대와 이후 몇 년 동안, 루이 암스트롱, 듀크 엘링턴과 같은 상징적인 재즈 음악가들이 그들의 백 밴드를 이끌고 세계를 투어했습니다. 그들이 공연한 장소는 놀랍기 그지없었습니다. 아프가니스탄과 인도는 동양 재즈 팬들에게 떠오르는 핫스팟이었습니다. 불행히도 엘링턴의 아프가니스탄 공연 녹음은 탈레반에 의해 파괴되었지만, 그 잔재 속의 스윙과 투지의 정신은 여전히 뚜렷합니다.

특히 인도는 재즈에 대한 특별한 애정을 키웠고, 아프리카계 미국인 투어 음악가들은 이 무대에서 환영받았습니다. 미국에서 겪는 끊임없는 박해에서 벗어나기 위해 흑인 재즈 음악가들은 인도를 새로운 고향으로 삼기로 결심했고, 그들과 함께 인도와 아프리카계 미국인 음악 협력의 뿌리가 태어났습니다. 뭄바이의 악명 높은 고급 호텔, 타지 마할은 1935년 흑인 미네소타 출신의 바이올리니스트 리온 애비에게 9인조 상주 재즈 밴드를 결성하라고 요청하기도 했습니다. 그 이전에 애비는 파리의 재즈 무대에서 6개월 동안 활동했으며, 인도에서 재즈를 연주하는 최초의 전적으로 흑인 밴드를 결성했습니다. 그들은 타지의 화려하고 사치스러운 아르데코 무도회장에서 뭄바이의 엘리트 고객들을 위해 공연했습니다. 재즈 밴드의 공연을 관람하는 것은 특별한 이벤트였고, 커다란 기둥이 방을 장식하고 회전 무대는 타지 마할 호텔이 뭄바이에서 가장 화려한 뮤지션들의 집이 되도록 했습니다.

재즈는 또한 부분적으로 냉전으로 인해 인도로 유입되었습니다. 러시아와 미국은 인도에 자신들이 생각하는 최고의 예술을 소개하면서 그들의 충성을 얻으려 했습니다. 러시아는 키로프 발레단(현재 마리인스키 발레단)으로 전국 투어를 보냈고, 미국은 재즈를 인도의 사랑을 받는 대상으로 삼으려 했습니다. 데이브 브루벡은 CIA가 투어를 위해 선택한 최초의 음악가 중 한 명으로, 결과적으로 그는 많은 현지 음악가들과 즉흥 연주를 시작했습니다. 이는 전통적인 편안한 영역을 넘어서보지 않았던 인도인들이 그들이 이미 잘 알고 있는 개념인 즉흥 연주의 해석을 시도하게 만들었습니다. 브루벡의 가장 좋아하는 즉흥 연주자는 미키 코레아였으며, 그는 30년 이상 활동하며 성공적인 경력을 쌓았습니다. 이러한 준정치적 투어에 따른 아프리카계 미국인 음악가들도 마찬가지로 따랐고, 그들의 영향은 현대 인도 대중문화 전역에 스며들었습니다. 재즈는 포르투갈 식민지였던 인도에서 발견을 통해서도 퍼졌습니다. 로마 가톨릭 고안들은 서양 음악과 문화에 대한 이해 관심이 많아 재즈에 특히 수용적이었습니다. 고안 가톨릭들은 대개 유럽 이름을 가지고 있으며, 뭄바이 재즈 장면의 전설들, 프랭크 페르난드와 안소니 곤살베스와 같은 고안 음악가들이 나왔습니다. 곤살베스는 이로 인해 가정 이름이 되었으며, 1977년 코미디 아마르 아크바르 앤서니의 "내 이름은 앤서니 곤살베스입니다"라는 노래에서 언급되었습니다. 이는 이러한 재즈 음악가들의 엄청난 영향을 잘 보여줍니다.

인도에서는 아프리카계 미국인 재즈 음악가들이 따뜻함과 환영, 수용을 받았으며, 이는 그들이 집이라고 불렀던 곳에서는 경험하기 힘든 것이었습니다. 많은 아프리카계 미국인 재즈 음악가들이 인착하여 토착 음악가들과 협력하는 과정에서 인도 재즈가 태어났습니다. 타지 마할 호텔의 또 다른 상주 밴드는 흑인, 인도인, 백인이 협력하여 형성된 것으로, 테디 웨더포드가 피아노를 맡고, 크리켓 스미스가 코넷을 맡으며 인도 재즈가 전통적인 미국 재즈를 넘어 독자적인 스타일을 개발하게 되었습니다. 이 장르의 개념은 처음에는 이원적일 수 있지만, 그 작곡 뿌리를 평가하고 해석할 때 더욱 합리적이고 부드럽게 연결됩니다. 고전 인도 음악은 본질적으로 즉흥적이며, 자유형 보컬과 반짝이는 시타르, 활기찬 탁라의 조화를 지니고 있습니다. 인도 민족의 재즈 아티스트들은 그들이 잘 알고 있는 즉흥 연주 개념을 펜타토닉 스케일에 적용하고, 느바시스템으로 연주하는 것이 아니라 서양 타악기를 적용하며, 전통적인 타블라와 돌을 벗어나 작곡하였습니다. 이런 문화의 융합은 인도 음악가들이 음악적 영감을 다양화하고 확장할 수 있도록 하였고, 역사상 가장 상징적인 인도 음악가들 중 일부의 경력을 탄생시켰습니다.

인도 재즈는 불행하게도 인도의 중요한 일부임에도 불구하고 대부분 잊혀졌습니다. 재즈의 막대한 침투력은 뭄바이가 뉴욕과 동등한 다문화 및 글로벌 도시였음을 보여줍니다. 두 도시는 항구 도시로서 실용적이고 다양한 영향을 받을 수 있는 능력을 가졌습니다. 사실, 재즈는 현대 인도 정신에 그렇게 중요해서 1947년 8월 15일 인도가 영국으로부터 독립했을 때, 가장 부유한 사람들이 타지 마할에서 재즈 음악으로 축하했습니다. 독립 기념일은 애국적인 1882년 벵갈 시가 노래인 "반데 마타람"으로 기념되지만, 이 음악적 파트너십은 백인에 의해 억압받던 흑인과 갈색 음악가들에게 자유와 창의성을 상징했습니다. 불행히도 인도 재즈의 최장수 음악가 미키 코레아가 최근에 세상을 떠났고, 타지 마할 호텔 무도회장에서 직접 목격한 사람은 더 이상 남아 있지 않습니다. 더욱이 이러한 음악가들과의 인터뷰 또한 이루어지지 않았으며, 우리는 그들의 영향력 있는 대중문화에서 인도 재즈의 이야기를 탐구할 수밖에 없습니다.

볼리우드 프로듀서와 음악 감독들은 인도 엘리트들 사이의 재즈 트렌드를 감지했고, 다가오는 시대에 구식이 될 곡을 현대화할 수 있는 무언가, 혹은 구체적으로 누군가가 필요했습니다. 그 누군가는 아마도 인도 재즈와 동의어인 안토니오 자비에르 바즈, 더 잘 알려진 이름인 치크 초콜릿이었습니다. 아마도 당신이 들어본 적이 없는 가장 유명한 재즈 음악가인 치크는 고아 출신의 다중 악기 연주자로 많은 볼리우드 사운드트랙에서 트럼펫 연주로 큰 인기를 끌었습니다. 치크는 루이 암스트롱에게 깊은 영향을 받았으며, "봄베이의 루이 암스트롱"이라 불리기도 했고, 자신의 상징적인 손수건을 착용하며 육성의 거친 스타일로 노래했습니다.

그는 뭄바이에서 타지 마할 호텔의 11인조 밴드를 이끌며 경력을 시작했습니다. 그의 작업은 다산적이었고, 그의 영향력은 영원하며, 그의 작곡 및 공연의 성격은 인도 재즈가 발전시킨 문화의 혼합을 형성하는 기초를 구성합니다. 치크 초콜릿의 공연을 관람하는 것은 단순한 콘서트를 넘어섰으며, 그는 청중들에게 잊지 못할 경험을 선사했습니다. 그는 귀여운 성격으로 이방인과 단골 모두를 매료시키며, 관객을 사로잡는 매력이 있었습니다. 그는 단골들과의 관계가 매우 강해 그들이 방에 들어오면 그들이 가장 좋아하는 곡을 연주하곤 했습니다. 이러한 생동감은 그의 음악에서도 확연히 나타나며, 그의 솔로 작업의 오래된 녹음을 들으면 그의 트럼펫 연주에 매료됩니다. 그의 트럼펫 연주는 "컨테사" 트랙에서 특히 거칠고 찰진 사운드를 자아내어, 마치 그것만의 개성과 생명이 있는 듯 모든 이의 주목을 받았습니다. 치크는 25세부터 트럼펫을 연주했으며 비할 데 없는 수준의 기교를 이뤘습니다. 그는 주로 트럼펫 연주자로 알려져 있었지만, 그의 다재다능함 덕분에 색소폰, 바이올린, 여러 리듬 악기를 연주했으며 편곡자 및 지휘자 역할도 했습니다.

재즈의 영향력은 매우 강렬하여 볼리우드에도 스며들었고 치크 초콜릿은 서양 음악을 인도 음악 감독들에게 소개한 사람으로 크레딧을 받았습니다. C. 람찬드라라는 다작의 볼리우드 작곡가는 특히 재즈에 영향받았고, 이를 그의 작업에 포함시키려 했습니다. 람찬드라는 치크와 긴밀히 협력하여 스타일을 수립하고 인도의 방식으로 재즈에 경의를 표했습니다. 재즈는 엘리트와 호화로운 호텔 속에서 침투하여 존재했음에도 불구하고, 볼리우드와의 융합—즉 인도 대중 음악에 대한 응답—은 사회적 계급이나 카스트에 상관없이 모두가 접근할 수 있도록 하였습니다. 1951년에 개봉된 볼리우드 영화 알벨라는 치크 초콜릿에게 부드럽게 소개된 작품이었습니다. 그 사운드트랙의 핵심은 매우 달콤하고 부드러우며 현대적이었지만, 다른 매우 인도적인 곡들 사이로 치크 초콜릿의 트럼펫 선율이 재즈에 대한 관문이 되었습니다. 1957년 영화 아샤의 "이너 미너 디카"와 같은 곡은 국제 광고에 등장할 정도로 유명해졌습니다. 이 노래는 람찬드라가 재즈를 독특하게 인도 방식으로 해석하는 방법을 보여주었으며, 전통적으로 아프리카계 미국인 재즈처럼 들리도록 하였고, 가사 "maka naka"는 콘카니어로 "나는 원하지 않는다"라는 의미입니다. 우리는 고안, 포르투갈, 아프리카계 미국인의 영향력이 혼합된 독특한 음향 경험을 보게 되었습니다. 궁극적으로 이것은 치크의 생동감 있는 정신을 구현한 즐겁고 터무니없는 곡이었으며, 그가 기여한 모든 곡들처럼 그의 음악적이고 지리적으로 장르를 넘는 실용성을 완벽하게 보여줍니다. 볼리우드 음악은 오래전부터 트렌드를 가져와 전통적인 인도 요소와 접목시키는 역사를 가지고 있으며, 특히 바피 라히리의 디스코 해석에서 두드러집니다.

불행히도 60년대, 재즈의 인기가 절정에 달하던 시기까지 장르의 매력은 시들어가기 시작했습니다. 작곡 듀오 락스미칸트-파리알이 서양의 사이키델리아를 재구성해 볼리우드에서 주목받기 시작하였고, 전자 악기와 록이 우선시되기 시작하면서, 40년 가까이 두 세대를 아우르는 재즈는 더 이상 쿨하지 않았습니다. 그러나 인도 재즈의 중요성은 단순히 그 최종 제품에 있지 않고, 두 차별받는 유색인종 그룹—인도는 식민지 시대, 아프리카계 미국인은 노예제로 인한—이 서로의 땅과 음악을 빌려주며 태어난 인종 연대와 협력의 본질에 있다. 외부에서 바라보면 거의 이해할 수 없는 문화의 충돌 같지만, 사실 음악의 몰입성이 어떻게 아름다움과 특이한 재능을 만들어 내는지를 탐구하는 통찰력 있는 방식으로 해석될 수 있습니다.