내성의 소리: Bicep이 그들의 새 앨범 'Isles'에 대해 이야기하다

그들의 두 번째 앨범 Isles는 Bicep의 전통을 이어받아, 그들의 레코드 탐색과 음악 재해석의 재능을 앞세우며, 엘리트 R&B와 섬세한 디스코 리듬을 샘플링하고 말라위의 가수들과 불가리아 국립텔레비전 여성 합창단과 함께합니다. Bicep의 사이키델릭한 질감과 멜로디 조작의 도움으로 이 희귀한 레코드의 신성함을 느낄 수 있습니다. 각 청취자마다 매번 다른 감정적 여정을 conjure해내며, 저에게 Isles는 유령이 스며든 황홀함처럼 들립니다.

VMP는 앨범 발매를 앞두고 이들과 만나 테크노와 그들의 창작 과정, 그리고 TikTok에서 입소문을 타는 이상한 경험에 대해 이야기했습니다.

VMP: Isles의 주제가 언제부터 시작되었나요?

McBriar: 앨범을 끝낸 후입니다. 그건 반성에서 비롯되었습니다. 우리를 영감을 주고 영향 준 것들을 논의한 후, 트랙들을 살펴보니 그것들이 우리가 살아온 섬들의 하이브리드라는 것을 깨달았습니다: 잉글랜드와 아일랜드. 이제 두 지역에 있는 지점으로 가고 있어서, 그 의미는 분명했습니다. 초기 아일랜드 클럽 음악의 영향을 보았고, 모든 테크노 클럽과 라디오에서 트랜스를 듣는 시간을 떠올렸습니다. 그런 다음 런던에 오면, 우리가 아일랜드에서 경험하지 못한 개러지, 드럼 & 베이스와 정글 음악이 있었습니다. 이 앨범은 확실히 두 스펙트럼의 영향을 반영합니다. Isles라고 언급하고 생각해 보니, 모든 것이 정말 잘 맞아떨어졌습니다.

아일랜드에서 테크노 음악이 유명했나요?

McBriar: 네, 엄청났습니다. 우리가 “엄청났다”고 말할 때, 그건 여전히 매우 언더그라운드였다는 뜻입니다. 벨파스트의 전설적인 클럽 중 하나인 Shine에서는 약 3,000명이 모이는 대규모 파티가 있었고, 그에 대한 수요는 정말 미쳤습니다. 아일랜드가 매우 보수적이고 강렬한 경험이 거의 일어나지 않는 반면, 그런 강렬함은 정말 대조적이었습니다.

Ferguson: 벨파스트는 많은 면에서 세계의 나머지 지역에 뒤처져 있었기 때문에, 우리에게는 이 미래 지향적인 테크노가 정말 미쳤습니다. 어렸을 때, 그것은 우리에게 큰 영향을 주었고 음악을 찾는 사랑을 시작하게 했습니다. DJ를 하게 되었고, 그로 인해 다른 종류의 음악을 발견했습니다. 그건 진정한 촉매제였습니다. 이전에는 둘 다 정말 록 음악을 좋아했습니다.

당시 아일랜드 사람들에게 테크노가 이렇게 매력적이었던 이유는 무엇이라고 생각하나요?

McBriar: 날씨 때문이죠 (웃음). 하지만 아니요, 저는 초월적이라는 생각이 듭니다. 어느 정도의 공격성을 발산할 수 있습니다. 정치적 혼란이 너무 많고 날씨도 좋지 않아요. 테크노는 머리를 꺼놓고 즐길 수 있는 음악입니다. 보컬이 없어서 그냥 다른 행성으로 가는 5시간이죠. 그래서 많은 사람들이 테크노를 좋아하는 이유는 정말로 연결이 끊길 기회를 제공하기 때문이죠. 그 시간에 아일랜드에서는 정말 잘 맞았습니다. 저는 어둠 속에서 수천 명 사람들이 머리를 숙인 방에 들어갔던 느낌을 기억합니다. 우리가 17세였을 때, 정말 놀라웠습니다.

북아일랜드에서 카톨릭과 프로테스탄트 간의 긴장감이 없던 다른 환경이 있었나요?

Ferguson: 아니요. 북아일랜드의 거의 모든 것은 정치화되어 있어서 정치적이지 않은 것을 찾는 게 매우 어렵습니다. 도시가 주로 한 종교와 다른 종교로 나뉘기 때문에 그것이 정말 컸습니다. 클럽에서 느낀 차이점은 미친 것이었죠. 우리는 그걸 특별히 찾고 있던 것은 아니었지만, 외부에서 일어나는 일들과는 상당히 대조적인 느낌이었습니다.

그렇다면 테크노만의 고유한 탈정치화 효과가 있을까요?

Ferguson: 문제가 되는 것은, 펑크와 록을 보면 그 많은 것이 정치적이라는 것입니다. 그러나 댄스 음악은 자신의 내러티브를 쓸 수 있습니다. 음악을 들을 때 자신의 세계에 들어갑니다. 나이트클럽에서의 경험은 아마 다른 곳에서의 경험과 매우 다를 것입니다. 댄스 음악에는 더 많은 내성적인 면이 있다고 생각합니다. 각 개인이 자신만의 방식으로 접하게 되기 때문에 많은 부분을 채워야 합니다.

당신이 음악에서 찾아보려고 하는 특별한 감정이 있나요?

Ferguson: 우리는 많은 지점을 커버 합니다. 하루에 한 사람은 화가 나거나, 행복하거나, 슬프거나 뭐든 괜찮습니다. 우리는 그것에 대해 논의하지 않고, 스튜디오에서 끊임없이 즉흥적으로 연주합니다. 그리고 나온 결과는 서로 다른 두 사람의 작품입니다. 종종 사람들은 우리의 음악이 행복하고 슬픈 것의 조합이라고 말합니다; 고양시키면서도 우울하다는 것이죠. 우리는 그 점을 강하게 느끼고 있습니다. 그건 저희가 적극적으로 추구하는 것은 아니지만 자연스럽게 나오는 것입니다. 그건 여전히 사람들이 그것을 각자의 방식으로 해석하고 그들과 함께 여정을 가도록 작성되었다는 것이죠. 과거의 소리들과 함께 미래 지향적인 장면이 있습니다. 80년대 신스에도 자연스러운 친화력을 가지고 있습니다.

McBriar: 우리는 완전히 달콤한 것이나 완전히 어두운 것을 제공하고 싶지 않습니다. 감정 사이의 긴장감입니다. 어떤 트랙이 그러한 방향으로 가고 있다고 느껴질 때마다, 우리는 반드시 다른 방향으로 이끌어갑니다. 앨범의 모든 트랙에는 약 4개 또는 5개의 버전이 있으며, 보통 첫 번째 버전은 꽤 기본적인 방향으로 갑니다. 그런 다음 우리는 시간을 두고 다른 각도에서 접근하여 다층적인 것을 조각내려고 합니다. 저희 둘이 함께해서 대화를 나누는 경우는 드물다고 자연스럽게 발생합니다.

음악을 만드는 동안 두 사람 간에 갈등이 있나요?

McBriar: 네, 갈등이라기보다 누군가가 특정 요소에 대해 너무 반대할 경우, 누군가가 듣고 있어도 반대할까봐 고려해야 하죠. 우리가 그 부분에 대해 둘 다 신념이 없다면, 그건 우리가 고수하고 싶어하는 아이디어가 아닙니다. 디자인 배경에서 두 사람이 작업하기 때문에 개인의 아이디어에 너무 집착하지 않도록 이해합니다. 어떤 부서에서 그것을 망쳐놓을 수도 있으니까요. 특정 아이디어나 비전에 너무 집착하면 그걸 너무 가까이 유지하게 되고 결과물에 영향을 줍니다. 우리는 지속적으로 조정하고 질문하며 적응합니다. 접근 방식은 협력적이어야 하며 이기적일 여지가 없습니다. 그건 음악의 정체성이기도 합니다. 우리는 모든 곳에서 영향을 받으려고 합니다. 그것은 개방적이고 외향적이어야 합니다. 우리 사이에도 같은 접근을 합니다. 우리는 편안하게 유지합니다. 다른 사람에게 자신의 주장을 전달하려고 강압하지 않습니다. 우리는 150개의 데모를 만들었고, 만약 두 사람 중 한 명이 트랙을 마음에 들어하지 않으면 그건 없던 일이 됩니다.

첫 앨범을 많이 투어 한 후, 이번 두 번째 앨범을 만드는 방식에 영향을 미쳤나요?

Ferguson: 네, 확실히. 라이브 쇼에서 우리는 어떤 것이 효과적이고 트랙에 긴 생명을 주기 위해 필요로 하는 것에 대해 많은 것을 배웠습니다. 어릴 때 많은 댄스 트랙을 쓸 때, 트랙을 분해하려고 하면, 그것은 부분의 합만큼의 가치 밖에 없었습니다. 우리의 트랙은 완전한 아이디어로서만 작동하는 거 같았고, 라이브 쇼를 할수록 부분이 전체와 마찬가지로 중요해야 한다는 것을 깨달았습니다. 멜로디는 분리될 수 있거나 다른 드럼 패턴과 맞춰져야 여전히 작동해야 했습니다.

McBriar: 지금은 트랙을 새로운 방식으로 재창조하려고 노력하지만 여전히 같은 노래처럼 들리게 하려고 합니다. 어떤 트랙은 제대로 분해되지 않았고, 반면 어떤 곡은 잘 분해되고 — 그런 것들이 우리가 목표로 하는 것들입니다. 우리가 정말로 분해할 수 있고 라이브로 연주할 수 있는 것들입니다. 우리는 트랙이 경직된 공식에 따르길 원하지 않으며, 유동적이고 개방적이길 원합니다. 트랙은 우리가 살아있게 공연할 때 두 번째 생명을 가지게 될 것입니다.

샘플링은 당신의 음악에서 얼마나 중요한가요?

McBriar: 초기 블로그 시절에도 우리는 힙합 트랙을 선별하고 샘플을 연구했습니다. 원래 샘플을 찾고 음악가가 그것을 어떻게 재해석했는지를 찾는 과정은 우리에게 큰 영감이 됩니다. 우리는 음악을 개방적으로 공유하는 것을 사랑합니다. 우리의 트랙은 샘플에 의존하지 않으며 숨길 것이 없습니다. 우리는 사람들이 원래 음악을 들을 수 있게 하고, 우리가 사용한 음악 샘플에 대해 투명하길 원합니다. 우리는 이번 앨범에서 사용한 모든 샘플에 대해 읽을 수 있는 웹사이트를 가지고 있습니다. 왜 이 음악이 우리에게 영향을 주었는지를 명확하게 하고 싶었습니다.

당신들이 언더그라운드를 대중에게 가져다 주고 있다고 생각하시나요?

McBriar: 우리는 우리가 하고 싶은 것만 할 뿐입니다. 우리는 확실히 더 언더그라운드 문화에서 왔으며, 더 상업적인 쪽으로는 가지 않습니다. 그런 수준에서 연결된다면 환상적이지만, 그것이 우리가 하는 이유는 아닙니다. 우리는 단지 우리가 하고 싶은 방식으로 음악을 만들고 싶습니다. Ninja Tune [Bicep의 레이블]과 함께 할 때, 그들은 당신의妥協를 강요하지 않습니다. 우리는 음악을 전달하고 그들은 "그래서 이게 통할 것입니다."라고 말합니다. 당신은 결코 상업적인 목표를 달성하기 위해 노력하고 있다고 느끼지 않으며, 그것이 결코 의도가 아닙니다. Spotify 같은 플랫폼을 통해 사람들은 더 실험적인 음악을 듣고 있으며, 알고리즘 덕분에 그 동안은 관심을 가지지 않았던 음악을 받아들이고 있습니다. 댄스 음악에 관심이 없거나, 레코드 가게에서 음악을 찾지 않던 사람들도 이제는 우리가 생각하는 더 언더그라운드 음악을 듣고 있습니다. 과거 몇 년 동안의 댄스 음악의 본질이죠. 그랜드 테프트 오토에는 언더그라운드 댄스 음악이 흐르고 있습니다. 만약 어린 시절에 그런 것을 말했다면, 저는 그것이 가장 상업적인 형태의 음악이라고 말할 것입니다 — 컴퓨터 게임에 클럽이 있는 것은 말이죠.

당신이 시작할 당시에는 언더그라운드 음악을 발견하는 뚜렷한 방법이 많지 않았습니다. 그래서 당신의 블로그가 그 역할을 했습니다. 지금 언더그라운드가 주류와 대화를 나누고 있다는 느낌은 어떤가요?

McBriar: 그것은 모두 소셜 미디어와 그 발전 때문입니다. 정말로 언더그라운드인 것이 뭔지 생각하기 어렵습니다. 세상은 너무 과잉 연결되어 있지만, 우리가 대학에서 블로그를 시작했을 당시에는 그 블로그가 인터넷의 작은 구석처럼 느껴졌습니다. 이제 라이브 쇼가 그렇게 중요한 이유도 여기에 있습니다. 우리의 머릿속에서는 사람들이 음악을 알고 있다는 것을 알고 있지만, 그들이 우리의 재해석을 경험하는 유일한 방법은 클럽이나 페스티벌 환경에서입니다. 우리는 그 방식으로 순간을 만들기를 원합니다. 적어도 모든 순간이 매일 경험할 수 있는 것이 아닙니다.

Ferguson: 모두가 지금 모든 것을 원합니다.

당신은 음악을 샅샅이 뒤지는 문화에서 자랐기 때문에 — 저는 그게 음악과 결속하는 정말 특별한 방법이라고 생각합니다 — 알고리즘적 방식으로 음악이 제공될 때 그 결속이 손상될까요?

McBriar: 바라보는 여러 가지 방법이 있습니다. 지금 더 많은 사람들이 더 많은 음악에 접근할 수 있게 되었다는 것은 아마 좋은 일입니다. 40년 전에는 상위 10곡과 주요 라디오만 듣는 사람들이 있었지만, 이제 더 많은 사람들이 이런 음악을 듣고 있습니다. 그러나 언더그라운드와 희귀성에 대한 강조가 더 필요합니다. 스트리밍이 어디로 갈지, 얼마나 오래 지속될지, 아티스트가 얼마나 오랫동안 음악을 유지할지 모르지만, 아티스트는 이러한 플랫폼에서 더 많은 것을 얻어야 한다는 것을 알고 있습니다.

당신의 트랙 "Glue"가 플랫폼에서 입소문이 나면서 TikTok이 당신에게 어떻게 영향을 미쳤는지 궁금합니다.

McBriar: 우리는 TikTok에 대해 들었지만, 둘 다 그걸 사용하지 않거나 그것에 대해 아는 것이 없습니다. 우리는 그 트랙이 폭발했다는 것을 알고 있어서 최근에 배웠습니다. 무언가가 바이럴이라는 개념이 정말 흥미롭습니다. 원래 바이럴 비디오는 많은 사람들에게 많이 공유되지만 비디오는 변화가 없었습니다. 그러나 실제 바이러스는 변이를 일으키죠. TikTok에서는 음악이 재해석되어 서로 다른 비주얼로 매번 다시 포스팅됩니다. 그건 언제나 변화하기 때문에 실제 바이럴의 정의에 더 가깝습니다. 우리에게는 많은 사람들이 우리의 음악을 재해석했다는 것을 생각하지 않을 수 없습니다. 그 플랫폼은 그걸 위한 것이고, 그 때문에 그 모든 것이 자신만의 삶을 가지게 됩니다.

**여러 해석에도 불구하고, 제가 TikTok에서 본 모든 영상은 모두 같은 분위기를 따릅니다. 일종의 고통스러운 향수입니다.**

Ferguson: 재미있습니다. 사람들은 팬데믹 동안 텅 빈 거리의 사운드트랙으로 그 노래를 사용했고, 그것은 사람들에게 더욱 강렬한 향수를 불러일으켰습니다 — 사람들이 그리워하는 것과 잃어버린 것들. 완전한 감정적입니다. 하지만 우리는 "Glue"와 그렇게 강한 감정을 연관시키지 않았습니다. 우리가 그것을 썼을 때, 우리는 그것을 더 행복한 쪽에 두었습니다. 우리에게는 그것이 인스트루멘탈 음악의 아름다움, 사람들이 자신만의 의미를 찾을 수 있게 된다는 것입니다.

봉쇄 기간 동안 Bicep 블로그를 다시 다루고 싶었는데, 그 이유는 무엇인가요?

McBriar: 우리는 그것에 대해 우리의 매니저 중 한 명인 올리와 이야기하고 있었지만, 이번에는 매우 다르게 느껴졌습니다. 사람들을 블로그에 가게 만드는 것이 끊임없이 싸워야 할 문제입니다. 기술이 사람들이 그것으로 향하도록 너무 의존하게 되어 이제는 이해가 되지 않습니다. 과거에는 블로그 집계기들의 목적지 같은 것처럼 되었기 때문에 그런 것에 대해 사람이 지나치게 노력할 필요가 없었습니다. 이제는 게시물을 읽기 위해 사람들에게 끌어들이는 것이 많은 것처럼 느껴집니다. 우리가 인스타그램에 무언가를 게시했다면, 훨씬 더 많은 상호작용이 있었을 것입니다. 블로그는 이제 구식 기술처럼 느껴지며, 그것은 슬프게도 우리가 항상 음악에 대해 글을 쓰는 것을 좋아하고, 그것에 대한 맥락을 제공하고, 그 음악을 쓴 아티스트는 어떤 사람인지 상상하려고 하는 것입니다. 그것은 진실과는 멀리 떨어질 수 있지만, 블로그는 항상 그 그림을 그릴 수 있는 좋은 장소처럼 느껴졌습니다. 그것은 우리에게 팬진처럼 느껴졌습니다. 그것은 인터넷과 소셜 미디어 문화에서 잃어버린 것입니다.

앨범 발매를 계획하는 것이 세상의 상황이 어떤지 모른 채로 얼마나 기분이 좋은가요?

Ferguson: 솔직히, 날짜를 정하는 것이 좋았습니다. 그게 아니라면 끝이 없었을 수도 있거든요. 음악은 여전히 우리에게 신선하게 느껴져야 하며, 발매를 지연하는 것은 우리가 그것에 대해 이야기하거나 라이브로 공연하기에 해로울 수 있습니다. 너무 많은 시간이 지나면 그 음악과 연결되어 있지 않았을 수도 있습니다.