음악을 감상하세요: 회로를 통한 더 나은 삶

이 칼럼을 위해 10년 이상 거슬러 올라간 적은 그렇게 자주 없었지만, 아니, 우리는 정말 더 자주 해야 한다고 생각합니다. 넷플릭스와 아마존이 그들이 손에 넣을 수 있는 모든 괜찮은 틈새 비판적 다큐멘터리 영화를 수집하고 있기 때문에 우리는 쉽게 록 다큐의 붐 시대에 살고 있다고 설명할 수 있습니다. 그러나 이러한 과잉은 매주 모든 릴리스의 화재 호스 홍수에 압도당하게 만들어 덜 알려진 작품을 놓치게 합니다. 그 당시에 사람들 모두가 휴대전화도 없었고, 스마트폰은 물론이고 블록버스터가 여전히 DVD를 대여하러 가는 곳이었을 때의 작품들입니다. 이런 향수는 1999년에 발매된 Better Living Through Circuitry라는, 테크노와 레이브 문화에 관한 에크스터시로 가득 찬 영화적 시간 캡슐로 우리를 안내합니다.

존 리스가 감독한 이 영화는, 트렌트 레즈너가 나인 인치 네일즈의 "Happiness in Slavery" 비디오를 위한 촬영 감독으로 그를 발탁하기 전에 “기계 성능 예술 그룹” 생존 연구소를 촬영한 경력을 가집니다. Better Living Through Circuitry는 당신이 예상하는 것보다 더 잘 유지되고 있습니다. 이 영화는 적어도 지금까지 몇 번의 큰 진화 주기를 거친 장면의 초기 출현을 기록하고 있으며, 대중 인지 속에서 오르내리기를 반복하고 있습니다. 예를 들어, 과도하게 몸값이 비싼 라스베가스 DJ들에 대한 생각 조각들과 대중 매체에 의한 스크릴렉스 설명서는 가장 최근의 버블을 표시하며 곧 터질 수밖에 없는 상황이기도 합니다. 그러나 이 영화는 이전으로 돌아가는 작품이며, 뮤지션들이 그들의 무대 세팅에 얼마나 미친 생각을 하고 싶어했는지에 따라 구겨진 12인치 댄스 믹스가 가득 찬 비행 케이스와 대형 CRT 모니터를 운반하던 시절을 떠올리게 합니다.

Better Living Through Circuitry에서 제가 얻은 가장 놀라운 것은 영화가 출시된 이후 댄스 음악 scene에서 얼마나 변화가 없는지를 알고 있었다는 것입니다. 파티에 대한 최고의 조언은? “수분을 유지하십시오.” 아날로그 신디사이저는 여전히 존재하며, 더 커졌습니다. 약물? 그들은 여전히 문화의 복잡한 부분으로 남아 있지만, 현재 우리는 DanceSafe와 같은 조직들이 존재하여 사람들에게 오늘날 새롭고 큰 약물의 위험과 기쁨 사이에서 가능한 가장 안전한 균형을 찾을 수 있도록 도움을 주고 있습니다. 기업 광고? 영화에 등장하는 파티 프로모터는 자사의 이익을 위해 즐겁게 로고를 리믹스하고 조합하고 있지만, 현재 Mad Decent 크루즈는 아마도 아이러니 없이 Grape Nuts 또는 Doritos 또는 Oscar Mayer와 같은 다국적 브랜드의 “프레젠테이션”일 것입니다. 그렇습니다, 변화가 일어나는 만큼 변하지 않는 것도 있습니다.

제가 지적할 수 있는 가장 큰 차이는 이제 전자 음악의 세계가 훨씬 더 계급화된 것 같습니다. 소규모의 베이퍼웨이브 아티스트들이 밴드캠프 페이지에서 한계를 pushing하고 있는 반면, Diplo와 Steve Aoki와 같은 대규모 아티스트들은 대체로 같은 깃발 아래에 있습니다. 영화에 출연한 몇몇 사람들은 레이브 문화가 이미 상대적으로 주류였다고 언급하지만, 그 이후로 수십 년 동안 그 문화는 예상보다 훨씬 커졌습니다.

예기치 않게, 이 영화에서 저에게 (의도치 않게) 가장 슬펐던 점은 여러 뮤지션이 부모의 레코드 컬렉션을 뒤적이며 음악에 대한 사랑을 어떻게 키웠는지를 이야기하는 부분이었습니다. 네, 이곳은 실제 레코드를 판매하는 회사의 사이트이니 독자들이 미래 세대를 영감을 주는 데 문제가 없다는 것은 확신합니다. 그러나 부모의 음악 라이브러리가 (아무리 멋지거나 평범하더라도) 스포티파이 재생 목록으로 존재하는 아이들의 모습에 대해 생각하면 눈에 눈물이 고입니다.

영화에 인터뷰된 모든 주제들 중, 산업의 선구자 Throbbing Gristle과 Psychic TV의 제네시스 P-Orridge는 EDM과 레이브 문화의 더 큰 의미에 대해 심오한 생각을 공유합니다: “펑크는 생산 수단을 차지하는 것이고, 테크노는 인식 수단을 차지하는 것”이라며 장르는 “현실의 유연성을 이해하도록 가르치고 장려합니다.” 전자 음악이 그런 특성을 고유하게 지니고 있다고는 믿지 않지만, 추상적으로는 그가 틀리지 않습니다. 힙합 DJ들은 70년대 초반부터 브레이크비트를 뒤집어 왔으며 (1940년대의 뮤지크 콘크레트 테이프 스플라이서에 관해서는 언급할 것도 없습니다), 하우스와 테크노 프로듀서 및 DJ들은 그들의 사운드에 독특하고 미래적인 변화를 주었습니다.

기타 인터뷰 대상에는 DJ Spooky, Roni Size, Electric Skychurch, Carl Cox 및 Frankie Bones가 포함됩니다. Crystal Method는 다행히도 홈 스튜디오를 세팅하는 팁을 제공하러 나오며, 그 팁의 기본은 “석고보드를 두 배로 하라”와 “너의 도시에 있는 가장 시끄러운 고속도로 옆에 살아라”입니다. 과거와 현재의 EDM 팬들은 아직 관람하지 않았다면 Better Living Through Circuitry를 확인해야 합니다.