インドとジャズの関係の失われた歴史

(画像提供 Meridian)

1920年代は、有色人種、特にアメリカの黒人にとって動乱の時代でした。彼らはどこに行っても人種差別が蔓延する世界を切り抜ける苦闘を強いられ、アフリカ系アメリカ人は歓迎されず、安全も感じることができませんでした。この十年間はまた、ジャズ時代の到来を告げました—派手さ、禁酒法、そして新しいお金の時代です。この時代、そしてその後の年月にわたり、ルイ・アームストロングやダuke・エリントンのようなアイコニックなジャズミュージシャンが、バックバンドを連れて世界中をツアーしました。彼らが演奏した場所は驚くべきものでした。アフガニスタンやインドは、東洋のジャズファンにとって新たなホットスポットとなっていました。残念ながら、エリントンのアフガニスタンでの演奏の録音はタリバンによって破壊されてしまいましたが、そのスウィングと闘志の残骸は今でも鮮明です。

特にインドはジャズに特別な親しみを抱き、アフリカ系アメリカ人のツアーミュージシャンはこのシーンによって歓迎されました。アメリカでの常時迫害から逃れるために、黒人ジャズミュージシャンたちはインドを新たな故郷と決め、彼らと共にインドとアフリカ系アメリカ人音楽の協力関係の根が生まれました。ムンバイの悪名高い高級ホテル、タージ・マハルは、1935年に黒人ミネソタ州のバイオリン奏者レオン・エイビーに9人編成の常駐ジャズバンドの結成を依頼しました。それ以前のエイビーは、パリのジャズシーンで6ヶ月間活躍しており、インドでジャズを演奏する全黒人バンドを確立しました。彼らはタージの豪華で華やかなアールデコのボールルームで、ムンバイのエリートたちに演奏しました。ジャズバンドの演奏を観ることはイベントでした；巨大な柱が部屋にそびえ、回転するステージがタージ・マハル・ホテルをムンバイの最も陽気なミュージシャンの拠点にしました。

ジャズは冷戦の影響も受けてインドに広まりました。ロシアとアメリカは、インドの忠誠を勝ち取るために、彼らが自国の最高の芸術だと考えるものを提示しました。ロシアがキーロフ・バレエ（現在のマリインスキー・バレエ）を全国ツアーに送り出す一方で、アメリカはジャズをインドの関心の的にしようとしました。デイヴ・ブルーベックは、CIAによってツアーに選ばれた最初のミュージシャンの一人で、結果として多くの地元ミュージシャンと即興演奏を行うようになりました。これにより、伝統的な快適ゾーンを超えなかったかもしれないインディアンも、すでに知っている概念である即興演奏を試験的に行うようになりました。ブルーベックの好きな即興演奏者の一人はミッキー・コレアで、彼は30年以上の実りあるキャリアを送ることになりました。この準政治的ツアーに続くアフリカ系アメリカ人ミュージシャンたちも同様の道を歩み、彼らの影響は現代インドのポップカルチャーに刻まれています。また、ジャズは発見を通じてもインドに浸透しました。ポルトガルの植民地時代、ローマ・カトリックのゴア州出身者は、西洋音楽と文化に深い関心を持っていたため、ジャズに特に敏感でした。ゴアのカトリックは、しばしばヨーロッパの名前を持っており、ムンバイのジャズシーンで伝説とされたミュージシャンたちもゴア出身でした。たとえばフランク・ファーナンドやアンソニー・ゴンサルヴェスです。ゴンサルヴェスは、歌「私の名前はアンソニー・ゴンサルヴェス」で名が知られるようになり、1977年のコメディ アマル・アクバル・アンソニーに登場したことで家庭の名前となりました。このことは、これらのジャズミュージシャンの影響力を如実に物語っています。

インドでは、アフリカ系アメリカ人ジャズミュージシャンたちは温かく迎えられ、受け入れられました。それは、彼らが呼んでいた故郷では経験できなかったことです。そして、多くのアフリカ系アメリカ人ジャズミュージシャンがインドに定住し、現地のミュージシャンとコラボレーションする中で、インディアンジャズが育まれました。タージ・マハル・ホテルのもう一つの常駐バンドは、黒人、インディアン、白人のミュージシャンたちの共同作業で構成されており、バンドはテディ・ウェザーフォードがピアノを担当し、クリケット・スミスがコルネットを担当し、インディアンジャズはアメリカの伝統的なジャズを超えた独自のスタイルを発展させました。このジャンルの単純な概念は一見矛盾しているように思えるかもしれませんが、その作曲のルーツを評価し解読する際には、より理解しやすく、スムーズに整合します。古典インド音楽は本質的に即興的であり、自由なボーカルに依存し、きらめくシターと活気あるタブラが補完します。インディアン系のジャズアーティストたちは、即興演奏という彼らが熟知している概念を取り入れ、ラガ（インドの音階）ではなくペンタトニックスケールに適用し、シェンナイではなく木管楽器や金管楽器を演奏し、タブラやドールではなく西洋の打楽器を使用しました。この文化の融合により、インドのミュージシャンは音楽的なインスピレーションを多様化し拡大することができ、多くのインドミュージシャンにとってのキャリアが生まれました。

インドのジャズシーンは、インドのオーラの重要な一部でありながら、残念ながらほとんど忘れ去られています。ジャズの広がりは、ムンバイがニューヨークに匹敵する多文化で真にグローバルな都市であったことを示しています。その類似点は、両者が港町であり、実用的で影響を受けやすいことにあります。実際、ジャズは現代インドの精神にとって非常に重要であり、インドが1947年8月15日にイギリスから独立を得た際、最も裕福な人々はタージでジャズ音楽と共に祝ったのです。独立記念日は、1882年のベンガルの詩を基にした歌「バンデー・マータラム」で記念されていますが、この音楽的パートナーシップは、白人に抑圧された黒人と褐色のミュージシャンにとって自由と創造性を象徴しました。残念なことに、最も長生きしたインディアンジャズミュージシャン、ミッキー・コレアは最近亡くなったため、誰もタージ・マハル・ホテルのボールルームでの目撃者の証言を伝えることはできなくなりました。さらに悪いことに、これらのミュージシャンとのインタビューも行われておらず、インディアンジャズの物語を探るためには、ポップカルチャーに記録された彼らの影響に頼らざるを得ません。

ボリウッドのプロデューサーや音楽ディレクターは、インドのエリートたちの間でのジャズのトレンドに気づき、すぐに古くなりそうなサウンドをモダンにする必要がありました。その誰かが、インディアンジャズの代名詞とも言える男、アントニオ・ザビエル・ヴァズ、通称チック・チョコレートでした。おそらく、あなたが聞いたことがない中で最も有名なジャズミュージシャンであるチックは、ゴア出身のマルチインストゥルメンタリストで、多くのボリウッドのサウンドトラックでトランペットを演奏することで大成功を収めました。チックはルイ・アームストロングに強い影響を受け、「ボンベイのルイ・アームストロング」とも呼ばれ、彼のトレードマークのハンカチを身に着け、そのがら声で歌ったことがありました。

彼はムンバイのタージ・マハル・ホテルで11人編成のバンドのリーダーとしてスタートしました。彼の仕事は多作で、その影響は永続的であり、彼の作曲とパフォーマンスの性質は、インディアンジャズが促進した文化の結婚の基礎を形成しました。チック・チョコレートの演奏を観ることは、単なるコンサート以上のものであり、彼は観客に決して忘れることのない体験を提供しました。彼は大きな声と魅力的な個性を持っており、初めての人や常連客の両方を魅了しました；彼はウィットに富んだ性格で観衆を楽しませ、パフォーマンスへの愛情が伝わってきました。彼は常連客との関係が非常に強く、彼らが部屋に入るとすぐに彼らのお気に入りの曲を演奏しました。この活気は彼の音楽にもしっかりと表れており、彼のソロ作品の古い録音を聴くと、彼のトランペット演奏に魅了されてしまいます。彼のトランペットは特に「コンテッサ」のトラックでこの荒々しさと力強さを持ち、それ自体が生きた個性を持ち、すべての人の注意を引きました。チックは25歳でトランペットを始め、比類のない水準の卓越性を達成しました。主にトランペッターとして知られていましたが、彼の器用さにより、サックス、バイオリン、そしていくつかのリズム楽器も演奏し、アレンジャーや指揮者にもなりました。

ジャズの影響は非常に響き渡り、ボリウッドにも広がりました。チック・チョコレートは、インドの音楽ディレクターに西洋音楽を紹介した功績で知られています。C・ランチャンドラという多作のボリウッド作曲家もジャズに特に影響を受け、その要素を作品に組み込みたいと考えました。ランチャンドラはチックと非常に密接に協力してスタイルを磨き、とてもインディアンな方法でジャズに敬意を表しました。エリートたちと高級ホテルの間での広がりと同様に、ジャズがボリウッド—実質的にインドのポップミュージックに通じるもの—と融合することで、すべての階級やカーストに関わらず、アクセスしやすいものとなりました。1951年に公開されたボリウッド映画 アルベラ はチック・チョコレートへのソフトな導入でした。サウンドトラックは非常に甘く、柔らかく、現代的ですが、チック・チョコレートのトランペットが、他は非常にインディアンなトラックの中で舞い上がる様は、ジャズへの扉を開くものでした。そのようなトラックは1957年の映画 アーシャにある「イーナ・メーナ・ディーカ」であり、この曲は国際的なコマーシャルに登場するほど有名になりました。この曲では、ランチャンドラがジャズを明確にインディアンな方法で解釈しつつ、伝統的にアフリカ系アメリカンジャズのように聞かせる方法を探求しているのが見受けられました。歌詞の「マカ・ナカ」はコンカニ語で「欲しくない」という意味であり、ゴア、ポルトガル、およびアフリカ系アメリカンの影響が融合した独特な音の経験が表れました。最終的にこれは、チックの生き生きとした精神を体現した楽しく無邪気な曲であり、彼が手がけたすべての曲に見られるように、彼の音楽的および地理的なジャンルを超えた実用主義を完璧に示しています。ボリウッド音楽は長年にわたり、トレンドを取り込み、伝統的なインディアン要素と組み合わせる歴史があります。特にバッピ・ラヒリのディスコの解釈によるものが際立っています。

残念ながら、60年代—ジャズの人気の頂点を示す十年—には、その魅力が薄れ始めていました。作曲家デュオのラクシュミカント・ピャレラルが、西洋からのサイケデリアの再生でボリウッドに波を起こし始め、より重い電子楽器やロックンロールが優先されるようになったため、40年間にわたる二世代の統治を経て、ジャズはもはやクールではなくなりました。インディアンジャズの重要性は、最終製品だけでなく、白人に差別された二つの有色人種グループの人々の間に芽生えた人種的連帯感と協力に存在しています。インディアは植民地主義によるもので、アフリカ系アメリカ人は奴隷制によって土地と音楽をお互いに貸しあい、非常に特異な何かを創造したのです。これが馴染みのない人々にとっては、ほとんど想像できない文化の衝突に見えるかもしれませんが、実際には音楽の柔軟性が美しさと特異な才能を生む方法への洞察に満ちた探求です。