アンドリュー・バーズは自分の問題をひっくり返す

この試みのプロセスは、Birdが内部と外部の違いについて持ち続けている魅力を反映しており、アイデアを一方からもう一方へ移すしきい値を示しています。その概念は、 Inside ProblemsというBirdの最新のレコードの基盤を形成しました。このレコードは、パンデミックの最中にツアーに出ることができず、主に多楽器奏者が屋内に閉じ込められている間に生まれました。「私たちの多くが抱えていた不眠症の期間に、私はそれらの個人的な悪魔を利用していました」とBirdは思い出しました。「ただ横たわりながら、たとえば『Underlands』のメロディーを思い出して、それを頭の中で再生しました。そして、頭の中のすべての雑音は、何か前向きな目的に使われました。」

その結果、疑問が答えよりも多いレコードが生まれました。「あんたはどうしてそんなことを知ってるの？知ってるのは知らないことだけなのに？」Birdは、勢いのあるがロマンティックな、Lou Reedに触発されたトラック「The Night Before Your Birthday」で尋ねます。Mike Violaのプロデュースによるライブ録音で、フォークロック音楽家のMadison Cunninghamの追加ボーカルと共に、Inside Problemsは、常に進化する内面的な自己を称え、その表面下に隠されているかもしれない非常に多くのことを理解できないかもしれないという安心感を見出します。VMPは、Birdに電話でインタビューし、Inside Problemsの制作過程について、Joan Didionについて、そして彼がライブで演奏することを非常に楽しみにしている曲について語りました。

このインタビューは、明瞭性のために要約され、編集されています。

VMP: 新しいアルバムについて、執筆はいつ始まり、何から始まりましたか？

Andrew Bird: 執筆はおそらく3年近く前、主にパンデミックの間に始まりました。昨年の1月から作業を始めました。プロデューサーの友人Mike Violaに電話して、彼は私がやったJimbo [Mathus]のアルバムを手がけました。彼の倫理観は私のものとフィットしています。ライブ録音、アナログテープ。私たちは前制作に多くの時間をかけました。だから、1月から5月の間、毎週会ってバンドをたくさん練習しました。そして、ハリウッドのUnited Bルームに入ったのですが、これは40年代、50年代の古いクラシックルームです。シナトラやディーン・マーチンなど、多くの素晴らしいレコードがここで作られました。高い天井の部屋です。私たちは4人で向かい合ってプレイし、ボーカルもライブで行えました。ドラムセットを私の前の5フィートのところに置いても、ヘッドフォンなしで自分の歌声が聞こえました。私たちはそのレコードを5月に10日間で録音しました。

プロセス全体を始めた最初の曲は何だったか、覚えていますか？

「Underlands」がそのアルバムのテンプレートのように感じました。それは、私が最初にギターで書いたメロディーだと思っています。そして、「これは映画のスコアとして素晴らしいものになるだろう」と思いました。True DetectiveでT Bone Burnettと一緒に作業していたとき、それを彼に演奏したことを覚えています。彼も同じことを言いました。

私はただ沢山の時間がありました。当然ですが、私は旅行していませんでした。パンデミックの間に私を正常に保っていたルーチンは、過去25年間の私の古い楽曲のカタログを見て、1つの曲のライブパフォーマンスを録音することでした。そして、それを様々にスクラップしたソロバージョンにしてInstagramに投稿し、それで1日を始めるのです。その後、様々なことをして、ギターを取って新しい曲に取り組むことで1日を終えていました。作曲やこれらの曲を持つことは、私のメンタルヘルスにとって非常に重要でした。

パンデミック中に古い曲を演奏していたとき、それが新しい曲を書く際にどのように影響しましたか？かつてやっていたことを思い出したことはありますか？

昔の曲を演奏するなかで、物事を振り返る観点を持つことは難しいです。時には、新しいことを学んだり挑戦したりする必要がありますが、今回が本当に物事を破壊する時期だとは感じませんでした。これまでの何年もの間、私は特定の表現方法に気づくようになりました。つまり、フレーズの作り方や、独自のパフォーマーとして自分を特定する傾向などがです。

私は何年も前にAllen Toussaintと一緒にショーをしたことを覚えています。ショーの前に話していて、彼はとても親切でした。「君は自分自身のことを持っている。君には自分のサウンドがある」と言ってくれました。そして、彼は舞台に上がり、エメラルドグリーンのスーツを着た状態でピアノに座り、すぐに彼自身の姿になりました。彼は本当にアレン・トゥーサンそのもので、誰にもなれませんでした。その瞬間が私に響きました。「ああ、それが全てだ。容易に自分自身を舞台上で表現したい」と思いました。これらの曲は、私は舞台に立つときにただ楽に存在できるように設計されました。

それはあなた自身として、パフォーマーとしての感覚ですか？

はい。そして、この時期にライブパフォーマンスができないのは難しいです。アルバムを作りながらライブパフォーマンスをすることは通常、プロセスの一部でした。なぜなら、それは私が誰であるか、そして自然に聞こえる音を思い出させてくれるからです。ステージ上では、自己表現に関してはほとんど前提がありません。だから、決定を下すのではなく、パフォーマンスの10日間のクリエイティブなバンダーでアルバムを作るのが好きです。ボーカルにどの種のリバーブをかけるかのような決定がありません。私は、決定の連続に聞こえるアルバムが好きではありません。それはパフォーマンスであるべきです。

アルバムに付随する短編映画を観ました。それを作ろうと思った理由は何ですか？

歌を口ずさんでいるだけの従来の音楽ビデオのフォーマットをいじるのは良いことです。私は常に台本から外れたいと思っていました。人々はあなたの言うことに耳を傾けています。多くの場合、歌をやめてただ話すと、人々に強い影響を与えることができます。私はレナード・コーエンの最後のツアーをラジオシティ・ミュージックホールで観たとき、長い長い歌の後、彼は立ち止まり詩を読み上げました。それがショー全体で最も感動的な部分でした。まるで、あなたの3年生の先生が突然シラバスから離れ、自分の個人的な話を話し始めるようなもので、皆が夢中になるのです。

映画の中で多く触れた「間の瞬間」というアイデアを探求するインスピレーションはどこから来ましたか？

州境を越えるたびに「ケンタッキーへようこそ」とかの看板を見ると、私は震えるように感じます。「ああ、私は次の州に入った」と。子供の頃に遊んでいたゲームに戻り、ポータルを通って異なる次元に入るような話です。通り抜けて永遠に変わるというアイデア。それが私にとっての恒常的な執着のようになっています。内部の世界との満足感、空港で自分自身を楽しませることができることへの満足感。他の人がビデオゲームをしたり時間を埋めるためにすることをする代わりに、ゾーンアウトできて頭の中のファイルを引き出し、それらをいじる瞬間に戻ることができます。私が一人で納屋に住んでいて、音楽を日々作っていた頃に戻ると、誰にも話すことなく運転してツアーに出て、ステージに立つことがありました。それは、内部の世界を直接聴衆に伝える極端で鮮明な例でした。

このアルバムには少なくとも2つのJoan Didionへの言及があります。「Atomized」の実際の言葉へのもの、そして「Lone Didion」は単に言葉遊びだと思います。彼女の作品との関係はどのようなもので、なぜこのアルバム制作に共鳴したのですか？

過去3年間の私のナイトスタンドに置かれていた本は、私の作品に何らかの影響を与えることになります。「Lone Didion」という曲は、確かに言葉遊びから始まりました。メロディーがあり、最初は[歌い出して]ポンセ・デ・レオンを思い浮かべました。私は「ポンセ・デ・レオンの曲を書きたくないな」と思いました。「The Year of Magical Thinking」を読んでいるときに、ああJoan Didionだと思いました。私はそれを成立させるために母音を引き延ばす必要がありました。同時に、友人の話を思い出しました。友人はニューヨークのあるレストランのマエストロだったのですが、そこにJoan Didionと彼女の夫が毎週土曜日の夜にやってきて、非常に特定のものや飲み物を注文しました。その彼女は、[Didion]が夫を亡くし、後に娘も亡くしたときにそこで働いていました。彼女は5週間ほど来なくて、そして一度だけ一人で来て、同じものを注文しました。その話は、私がその時の彼女の体験を読んでいる際に、非常に印象的でした。誰かが見聞きした話をもとにすると、あなたがやっていることにそれを言及せざるを得ないでしょう。2年から3年の間にアルバムを作るとき、自分のメロディーや衝撃を受けたことを取り入れ、それらの最も重要なことを曲の形に整理しているのです。時にはそれほど単純です。

このアルバムから、ライブで最も演奏したい曲は何ですか？

「Make a Picture」をライブで演奏するのが本当に楽しみです。それは過去の「Roma Fade」の要素を含んでいます。「Atomized」はジャムで、様々な形になる可能性があります。アルバムにあるときとは異なる生命を持つことになるでしょう。最も明示的でない曲は、コードが最も少なく、ライブで最も興味深いものとなる傾向があります。なぜなら、あまり設計図がないからです。それでも、20年以上前の「Why？」という曲が今でも大好きです。なぜなら、それは32小節のグルーヴィーなジャズバラードだからです。それは非常に弾力性があり、その時々の気持ちに応じて調整できます。それが私の言う明示性です。あまり多くの指示がついてこないのです。

過去には、St. VincentやFiona Appleとの素晴らしいデュエットを行ってきました。今回はMadison Cunninghamだと思いますが、どのように繋がりましたか？

彼女にはおそらく5、6年前に会いました。Chris ThileがLive From Hereを引き継いでから、彼女のことを聞き始めました。彼女の声は素晴らしいです。彼女は素晴らしいギタリストでもあり、しばらくの間、彼女は私のバンドのギタリストとしていました。それは私が今まで持っていた最も素晴らしいバンドだったと思います。そのツアーの大部分は、Madisonがオープニングを務め、彼女が私のバンドで演奏していました。あのような音楽性とボーカルのコントロールは本当に稀なものです。

最後のオリジナル作品のタイトルはMy Finest Work Yetでしたが、今回のアルバムにはそのタイトルが付いていません。これはあなたの最高の作品だと考えますか？

私はそれに関してコメントする視点を持っていませんが、そのタイトルをつけるべきだったと言ってくれる人がいました。「Yet」はキーワードです。過去3枚のアルバムのタイトルは、少なくとも私にとっては、自分自身をからかう内容です。知っていますか、Are You Serious、Inside Problems...これだけのアルバムを出すと、その態度を取らなければならないのです。人々は「これがあなたの定義的な作品ですか？」と尋ねていました。それが、私はそのタイトルを真剣に受け取らないことにした理由です。

タイトルInside Problemsは具体的に何をからかっていますか？

すべてのことは、内部問題と外部問題の問題に単純に煮詰めることができます。それは私には面白いと思えました。私にとっては、「あなたはどうしたの？」と聞かれたら、「ああ、私は内部問題を抱えています」と答えるようなものです。それは、明確に内部での問題です。私は、おそらくこれが私のひねくれたユーモアです。