Le robuste collaborazioni e le storie stratificate di 'Heavy Light'

“Penso solo che la retrospezione sia uno strumento che dovrebbe rimanere costantemente affilato,” dice a Vinyl Me, Please.

Ha anche riflettuto molto sulla sua storia artistica. Remy ha iniziato U.S. Girls nel 2007 e ha portato avanti il progetto come solista per circa un decennio, collaborando con altri musicisti e personale di studio per le sue registrazioni, ma esibendosi dal vivo principalmente da sola. Le cose sono cambiate radicalmente con In A Poem Unlimited, quando Remy ha coinvolto un team di 20 sessionisti per il disco e poi ha suonato i brani dal vivo con un ensemble di otto persone. I concerti di U.S. Girls sono passati da Remy sotto i riflettori a una festa esplosiva di assoli di chitarra selvaggi, cori potenti, sassofono sfrenato e una sezione ritmica ipnotica.

Non era più solo uno sforzo solista, ma una band a tutti gli effetti, e Remy voleva portare quella sensibilità dal vivo nel suo nuovo disco, Heavy Light. Mentre una canzone come “Time” di Poem sembra libera e spontanea, quell'album è stato in realtà registrato con nove persone in tre giorni e poi elaborato per mesi; tutti gli overdub, i cori, la produzione vocale e molti degli strumenti ausiliari sono stati registrati separatamente.

“Era un disco davvero lavorato,” dice Remy. “Sapevo che non volevo fare di nuovo qualcosa di simile; volevo davvero realizzare un album in cui tutto fosse registrato così com'è. . . Per questo in realtà abbiamo avuto 15 persone che registravano contemporaneamente. Abbiamo registrato il disco in otto giorni, quindi tutto ciò che è su quel disco è stato fatto in otto giorni da quelle persone.”

Pur spingendo il suo suono avanti in questo senso, voleva anche richiamare i primi giorni del progetto. Le canzoni “Overtime,” “State House,” e “Red Ford Radio” sono in realtà reinterpretazioni di vecchi brani di U.S. Girls, e uno dei co-sceneggiatori con cui Remy ha lavorato è stata la sua amica di lunga data Basia Bulat, con cui aveva sempre voluto collaborare. Il tema affronta molto l'infanzia di Remy e contiene innumerevoli riflessioni sull'invecchiamento, come si riferisce alla sua vita. Ma inizia con il travolgente brano disco “4 American Dollars,” una canzone che rifiuta ironicamente l'idea stessa di valuta di fronte a un'economia in crisi e un pianeta in fiamme. Non è una riflessione sulla storia esistente, ma una reazione di rivolta alla futilità del materialismo — un tentativo di influenzare positivamente le nostre storie future accettando la fugacità del tempo. Heavy Light è pieno di strati densi come questo.

Abbiamo chiacchierato con Remy sull'apprendere a lavorare con così tanti collaboratori, accennando al suo prolifico passato e ad alcune delle tracce più concettualmente interessanti del Heavy Light. La nostra conversazione è stata condensata per chiarezza:

Considerando che hai portato avanti questo progetto da sola per tanti anni, c'è stato un periodo di apprendimento per poter dirigere e gestire tutte queste persone?

Sì, non avrei mai potuto farlo dieci anni fa. Sarebbe stato al di fuori della mia portata, sarebbe stato impossibile. Una delle cose principali che mi ha permesso di fare questo sono state le lezioni di canto. Quando ho iniziato a farle, mi hanno davvero mostrato in cosa sono brava, quali sono i miei punti di forza. Ha anche davvero aumentato la mia fiducia, il che mi ha permesso di essere aperta a lavorare con altre persone.

I miei suoceri sono filmmaker e ho imparato molto da loro su come organizzare le persone. Come trattare bene le persone quando lavori con loro in modo che siano il più efficienti possibile. Ciò significa un programma di lavoro umano, significa cibo, significa pause. È solo un accumulo di acquisire più competenze, avere più esperienza e semplicemente invecchiare.

So che hai lavorato anche con due co-sceneggiatori su questo disco, Basia Bulet e Rich Morel. Perché hai scelto proprio questi due scrittori?

Beh, è interessante perché ho rivisitato anche canzoni più vecchie, quindi sono state scritte con altre persone. Ma i due principali co-sceneggiatori del disco, Basia Bulet e Rich Morel, erano una scelta ovvia per me. Ho scritto con Rich su Poem, ho scritto “Rosebud” e la canzone “Poem” con lui, e abbiamo un grande, molto facile rapporto di lavoro.

Con Basia, è la mia amica più cara e abbiamo sempre voluto fare un disco insieme e questo si è finalmente presentato come il momento giusto per farlo. E lei è stata inestimabile nel processo. Mi sono tolta dalle persone con cui avevo lavorato molto e fatto dischi negli ultimi anni. Mi sono volutamente detta, “Devo sfidare me stessa. Devo lavorare con un ingegnere del suono diverso. Non devo lavorare con mio marito su questo disco.” Perché quando diventi troppo comodo, puoi affidarti troppo agli altri, perché sai che si occuperanno di tutto.

Quindi volevo davvero sradicarmi e Basia vive a Montreal e aveva lavorato in questo studio e mi aveva raccomandato questo ingegnere ed è stato un modo fresco e molto nuovo di lavorare ma anche con qualcuno che conosco e di cui mi fido e con cui mi sento al sicuro. Quindi non avrei potuto sradicarmi e andare in uno studio a caso con un gruppo di persone che non conoscevo. Avevo bisogno di qualcuno che mi conoscesse e soprattutto che conoscesse il mio lavoro precedente, come quello pre-4AD.

Mi piacciono davvero gli intermezzi su questo disco, i collage di parola parlata. Vorrei sapere da dove vengono queste idee e perché volevi includerli nell'album?

Faccio sempre scenette o intermezzi, mi piace solo quella forma e penso che possano spesso essere una sorta di detergente per il palato per la musica. Ma c'è così tanto di me in questo disco, sono così presente in esso; volevo davvero lasciare un po' di spazio ad altre persone per parlare. E anche per segnalare davvero alle persone che dobbiamo ascoltare di più gli altri, anche se è difficile. C'è una cacofonia di persone che parlano e dovremmo cercare di ascoltare.

Ho stilato un elenco di domande o stimoli per queste persone da rispondere. E le ho passate con ogni persona e le ho registrate e le ho portate a casa e ho costruito quei collage, e avrei potuto fare un intero disco solo di quello. C'era tanto materiale lì, materiale così bello e davvero grezzo. Così ho scelto i tre che pensavo fossero i più shockanti, i più efficaci, quelli che si adattavano al resto del disco. E sono anche domande a cui la gente ha risposto in modo simile, il che trovavo interessante.

So che le persone con cui parli in quelli sono altri musicisti che hanno contribuito al disco. Ma avevi avuto conversazioni intime con loro prima di quelle sessioni?

No. Voglio dire, con alcuni di loro, perché alcune di quelle persone sono i miei cari amici. Ma ho solo fatto l'elenco delle domande, tutti si sono riuniti nella sala principale e poi una persona alla volta è entrata nella cabina vocale — io ero nella cabina di controllo — e ho chiesto attraverso il talkback le domande. E poi quando la persona ha finito, doveva uscire e andare nella sala di riposo in modo da non contaminare le persone che non erano ancora passate.

Quindi nessuno sapeva cosa avrei chiesto; non sapevano quanto approfondite o superficiali sarebbero state le domande. Ed è stato affascinante vedere le persone che avevano subito risposte, le persone che impiegavano un po' a rispondere, le persone che erano molto resistenti e non volevano farlo ed erano ovviamente a disagio e volevano solo finire. C'erano alcune persone che sono state in quella stanza per 20 minuti, si è trasformata in una confessione, erano molto coinvolte. E c'erano persone che sono state lì per due minuti. Hanno semplicemente detto, “No. Non lo so. Non ricordo.” È stato molto rivelatore, è stato un esperimento davvero interessante.

La mia canzone preferita del disco è “Woodstock 99,” che include una interpolazione della canzone di Jimmy Webb “MacArthur Park.” Mi chiedo perché volessi inserire un pezzo di quella canzone lì dentro?

Beh, la canzone parla del mio amico che vive a MacArthur Park. Quindi ogni volta che andavo a casa sua, era sempre molto romantico. E non intendo in senso sessuale, è solo un posto molto romantico in cui trovarsi quando conosci così bene quella canzone come me, e pensi “Wow, sono qui, questo è un posto reale.” Immaginavo sempre com'era negli anni '60.

La canzone parla di lui, di una conversazione che abbiamo avuto una volta quando ero in visita da lui e parla delle nostre vite. Siamo nati a pochi mesi di distanza e abbiamo avuto infanzie simili, siamo entrambi musicisti, ma tipi di musicisti molto diversi. Stavamo solo confrontando e confrontando le nostre vite e Woodstock '99 è venuto fuori, e io l'avevo guardato su MTV e lui l'aveva guardato su pay-per-view.

Ed è stata davvero una conversazione affascinante. È stata una cosa davvero aperta e profonda per me. E non è stata pesante, eravamo in un diner. Eravamo solo seduti lì, stavo per prendere il volo da L.A. Ma è stato come se il tempo si fosse fermato durante questa conversazione e ho sentito che conoscevo lui e conoscevo me stessa meglio e mi ha segnalato qualcosa sugli artefatti culturali che consumiamo e su quanto influenzano noi. E ho scritto la canzone sull'aereo tornando a casa.

E alla fine canto di MacArthur Park: “C'è davvero qualcosa in MacArthur Park.” Quindi quando ho portato la canzone alla mia amica Basia per lavorare sugli accordi, era come, “Non possiamo non mettere quella canzone originale lì dentro. Lo sta chiedendo, lo sta letteralmente chiedendo.” E quella canzone è stata scritta quando è avvenuto il Woodstock originale. Funzionava a tutti questi livelli, e quando abbiamo inserito quella piccola parte di quella canzone lì dentro, è sbocciata e ha creato una struttura per una canzone che non avevo mai sentito molte volte, che è questa sorta di chiusura con la canzone di qualcun altro dentro la tua canzone.