Margo Price non può essere messa in una scatola

Non che le cose fossero necessariamente grandiose all'inizio di quest'anno, quando è stato annunciato per la prima volta il terzo album di Price, That's How Rumors Get Started. Ma nel tempo che intercorre tra allora e ora, le cose sono andate di male in peggio. Ovviamente, non ci aspettavamo nulla di tutto ciò: né il tornado che ha devastato l'attuale città natale di Price, Nashville, né il virus che ha ucciso John Prine e ha costretto Price a mettere da parte suo marito, Jeremy Ivey, né il presente risveglio razziale in America.

È in mezzo a questo sfacelo che Price pubblica il suo attesissimo seguito di All American Made, del 2017, un album che amplia ulteriormente la sua tavolozza sonora per includere chitarre distorte, abbellimenti di batteria elettronica e cori di accompagnamento soul. Un rifugio luminoso e splendente che unisce country, rock classico e blues, rappresenta sia una capsula del tempo — con riferimenti a ben noti album come quelli di Fleetwood Mac, Tom Petty e Neil Young — che è un unicum attuale nella sua ecletticità e nella lirica precisa e senza fronzoli di Price.

Dove Midwest Farmer’s Daughter si concentrava sulla storia personale di Price e All American Made parlava di un country attualmente in rovina, That's How Rumours Get Started si trova a metà strada. Note di narrazione autobiografica abbondano, anche se parlano più del passato recente che di quello lontano, con brani come “Twinkle Twinkle”, “Gone to Stay” e “Prisoner of the Highway” che catturano le gioie, le frustrazioni e i dolori di muoversi nel mondo come una musicista in tour di successo in ascesa. Anche se nota non essere esplicitamente politica, l'album ha comunque i suoi momenti sottili che ricordano all'ascoltatore l'impegno senza paura di Price a dire la sua verità, costi quel che costi. “Non mi conosci. Non mi possiedi,” canta nel singolo principale “Stone Me,” fieramente indipendente come non lo è mai stata.

Dai nostri rispettivi periodi di quarantena, abbiamo parlato con Price riguardo il suo album più ambizioso fino a oggi, il suo rifiuto di rinchiudersi in una definizione e la sua voglia di creare in tempi di crisi in continua evoluzione.

Il suono e l'atmosfera di questo album rappresentano una vera evoluzione rispetto ai tuoi primi due. Cosa ha influenzato la decisione di esplorare un po' di più dal punto di vista sonoro con questo album?

Sapevo solo che non volevo continuare a fare lo stesso disco più e più volte. Ho suonato in band rock in passato e sapevo che era solo una questione di tempo prima di fare qualcosa di diverso che non fosse, insomma, solo legato al country. Inoltre, l'industria della musica country non è stata esattamente la più accogliente per le donne o le minoranze. Vorrei uscire da quel piccolo modo di pensare, capisci? Amo la musica country, ma non amo le organizzazioni che la gestiscono.

Penso che una delle cose che attira così tanti ascoltatori verso di te sia che non hai paura di dire le cose come stanno. I primi due singoli che hai pubblicato dall'album, “Stone Me” e “Twinkle Twinkle” — prendi degli spunti ben meritati sul settore e su come, anche quando diventi di successo, può comunque essere ingiusto.

Sì, è una sorta di insieme di problemi diversi. Voglio dire, ovviamente sono davvero grata per la mia carriera, ma ci sono molti ostacoli che la gente si aspetta che superi e tante aspettative e un sacco di cose su cui personalmente non sono disposta a compromettere o fare. È stato buono in molti modi, ma in altri sono solo pronta a espandermi musicalmente. Voglio esplorare altri generi — e l'ho sempre fatto. Negli ultimi 15-20 anni di chitarra e anche per molto più tempo con il piano, ho amato ogni tipo di musica e folk e blues e soul... gospel e punk rock e semplicemente rock and roll classico. Penso che non si possa essere davvero ben bilanciati se si resta solo su una cosa più e più volte.

L'album mi ricorda in un certo modo Southern Accents di Tom Petty e i Heartbreakers — c'è un filo del tuo suono che lo attraversa, ma è così eclettico. Ci sono delle canzoni con inclinazioni country, brani di rock classico, soul, new wave... Hai voluto consapevolmente che questo album fosse non solo più rock, ma anche più completo nel complesso, incorporando le tue diverse influenze?

Volevo sicuramente dipingere una tavolozza diversa. Avevo realizzato gli ultimi due album con pedal steel, violini e mandolino. Volevo fare più cose guidate da organo e pianoforte, e ci sono anche alcune synth. C'è una batteria elettronica in una canzone — ci sono anche delle batteria organiche — ma in “Heartless Mind,” è la mia prima volta che incorporo batteria elettroniche.

Volevo cambiare prima che il gioco cambiasse. Vedi questi generi che diventano davvero popolari — lo equate in qualche modo agli Alabama Shakes e all'esplosione soul che è avvenuta durante il loro tempo, dove tutti inseguivano quel suono e la gente voleva firmare band simili a loro ed è diventato molto trendy farlo — come, anche le persone bianche che facevano soul a occhi blu. Ma dopo un po', c'è qualcos'altro che diventa di moda. Penso sia importante espandersi, e avevo bisogno di farlo mentalmente. Dovevo fare un passo indietro e scrivere in modo diverso. Avevo fatto molto storytelling autobiografico, quindi è stato buono diventare un po' più astratta. Alcuni di essi, ovviamente, sono basati sulle mie esperienze personali, ma non penso sia così facile dire esattamente di cosa sto parlando in questo album.

In aggiunta a una narrazione più astratta, ci sono molte canzoni che sono più immediate rispetto ai tuoi album precedenti, documentando e prendendo atto dei modi in cui la tua vita è cambiata negli ultimi anni. Hai una preferenza tra scrivere di cose mentre stanno accadendo o scrivere di un passato lontano quando hai più spazio tra te e l'argomento?

Aiuta avere spazio e riflessione su ciò che stai facendo. Tipo, “Letting Me Down” è stata scritta per un mio vecchio amico del liceo, e mio marito ha scritto un verso per un vecchio amico del liceo suo. Era qualcosa a cui non avevo pensato da un po', ma è stato molto terapeutico. Anche ora, quando mi siedo per scrivere durante questo momento pazzo della storia — è difficile sapere cosa succederà. Di giorno in giorno, le cose cambiano così rapidamente e non sai davvero come si concluderà. Quindi, è un po' difficile scrivere di qualcosa quando sei proprio nel momento. Passano tre giorni e arriva qualche notizia nuova dal nulla e ciò che hai scritto non è nemmeno più pertinente.

Hai avuto una band di accompagnamento incredibile in questo album — Benmont Tench, James Gadson, Matt Sweeney, il Nashville Friends Gospel Choir, per nominarne alcuni. Com'è stato il processo di registrazione e come hanno influenzato la direzione che hanno preso le tue canzoni mentre eravate tutti in fase di registrazione?

Mi sono divertita così tanto a suonare con Matt Sweeney e, ovviamente, James Gadson è una leggenda completa, da Aretha Franklin e Bill Withers e ha suonato con D’Angelo. Era così professionale e così positivo e divertente lavorare con lui. Stava dietro al kit di batteria e non si alzava a meno che non andassimo a pranzo. Era lì, impegnato, a guidare il treno.

Ed è stato davvero divertente essere nello spazio degli East-West Studio perché sembrava che stessimo semplicemente suonando in una piccola stanza insieme. Ho avuto la sensazione che tutto si incollasse, anche se non avevano sentito le canzoni prima — non ho inviato loro molte demo o altro. Abbiamo fatto un po' di pre-produzione e c'erano un paio di cose, ma per lo più mi sedevo con una chitarra acustica nella sala di controllo e suonavo, e poi dicevo: “Questa canzone voglio che abbia un'atmosfera alla Springsteen.” O, “Questa canzone voglio che abbia un'atmosfera alla Fleetwood Mac o Neil Young” — qualunque fosse il riferimento. Poi loro la centravano completamente. Era davvero senza sforzo e il processo di registrazione è stato naturale.

Ci sono canzoni nell'album che sembrano omaggi a quelle band classiche. “Stone Me” ricorda “Won’t Back Down” di Tom Petty; “Prisoner of the Highway” sembra un aggiornamento di “Wildflowers” dei Trio — tutto attraverso il tuo obiettivo. Sei entrata in alcune tracce con l'intenzione di fare riferimento ad altri artisti, o hai semplicemente scritto e, mentre si sviluppavano, hai scoperto che assumevano forme simili?

Di solito scrivo tre o quattro tracce di riferimento. Non voglio semplicemente prendere una canzone e copiarla — anche se, buon orecchio su “Stone Me” e “Won’t Back Down.” Quella, in realtà, stavo suonando più pesante con la mia band e poi è uscita un po' più contenuta e io pensavo, “Non lo so...” La maggior parte dei brani è venuta come immaginavo, ma alcuni di essi sono venuti in modo molto diverso. “Heartless Mind” — pensavo avesse solo un'atmosfera da Heartbreakers guidata da chitarra. Quando abbiamo messo tutto insieme, ho pensato, “Oh, è tipo Blondie o The Pretenders.” Non era affatto ciò che mi aspettavo, ma mi è piaciuto davvero.

Ma, sì, pensavo a pochi come riferimento per loro su ciò che stavo cercando. Ho sentito che era utile dare qualche tipo di spunto, “Ok, questo è come voglio che suoni.” Spero di non risultare troppo derivativa. È stata una cosa positiva anche avere Sturgill e Bryan David R. Ferguson, per dire che questo suono sta assomigliando un po' troppo a questo e cambiavamo le cose, solo per assicurarci che nulla fosse troppo retrò o troppo derivativo.

Hai suonato con Sturgill prima, ma com'è stato averlo come produttore dell'album?

È stato fantastico. Avevo un po' di trepidazione all'inizio. Non sapevo se avrebbe rovinato la nostra amicizia perché posso essere piuttosto opinativa e ho una visione molto chiara di ciò che voglio fare. Ma Sturgill continuava a dire: “Fammi produrre un tuo album. Prometto che sarà la cosa migliore. Sarà il miglior suono che tu abbia mai fatto.” Era così desideroso di farlo ed è stato fantastico lavorare con lui in studio. Ha portato con sé David R. Ferguson, un ingegnere che era buon amico di Johnny Cash e Jack Clement. Ci siamo divertiti molto, parlando di tutto e ridendo e mangiando tanto cibo, perché ero incinta. È stato davvero bello entrare nella stanza e dare un po' di spazio, dare loro le redini, in modo da dire, “Ehi, e se scrivessimo un piccolo bridge qui?” o, “Hai bisogno di otto versi per questa canzone?” E a volte la risposta è sì, ma altre volte pensavo, “Ok, credo che possiamo renderlo un po' più conciso.”

Hai parlato un po' prima di come il processo di registrazione mentre eri incinta sia stata un'esperienza così diversa, specialmente in termini di avere una visione molto chiara.

Non mi aspettavo affatto di rimanere incinta. È successo proprio quando stavamo discutendo di entrare in studio. Ne avevamo parlato per un po', ma appena ho avuto realmente la decisione di entrarci e di mettermi completamente all'opera, è stato quando ho scoperto che io e mio marito stavamo aspettando un bambino. Ero stata sobria per un paio di mesi solo perché lo volevo; mio marito ha compiuto 40 anni e abbiamo detto: “Sai, dovremmo prendere una pausa e chiarirci le idee per un po'.” Quindi ero stata sobria per due mesi, e poi ho scoperto di essere incinta. Già stavo vivendo questa nuova cosa con la mente molto chiara. E poi, ovviamente, la gravidanza ha amplificato tutto questo.

Sentivo che c'era una grande connessione tra il processo creativo della registrazione di un album e il portare un bambino. Il processo richiede così tanto tempo, inizia piccolo e poi tutto cresce e si sviluppa fino a diventare il tuo capolavoro quando è finito, si spera. È stato fantastico. Non ho avuto problemi a cantare. Ovviamente, alla fine, quando ero oltre i nove mesi di gravidanza, stavo avendo un po' di difficoltà a prendere un buon respiro, ma avevo solo tempo. L'abbiamo semplicemente lavorato. Non c'era nessuna scadenza, e sentivo di poter rendere tutto perfetto. È un po' come fare il nido, anche, essere piuttosto specifici riguardo ai mix e tutto il resto.

La tua musica è sempre stata politica, specialmente nel delineare i modi in cui il personale è politico. Con lo stato del mondo così com'è ora, dove vedi il ruolo dell'arte e della musica come mezzo per apportare cambiamenti per il meglio, o almeno come un rifugio per le persone?

Sicuramente ho ascoltato molta musica, quindi posso relazionarmi come ascoltatrice e come fan della musica che allevia lo stress in tempi davvero incerti. Diventa difficile pensare a come devo condividere e promuovere questo disco in questo momento, quando ci sono così tante altre cose di cui parlare. Ma allo stesso tempo, so che più persone stanno ascoltando musica ora di quanto non abbiano mai fatto per molto tempo. Penso che non abbiamo nemmeno avuto lo spazio per farlo. Sai, tutti erano così distratti, vivendo in questo mondo di 15 minuti. È bello sapere che le arti stanno aiutando le persone. Spero solo che la gente si renda conto che gli artisti hanno bisogno del loro aiuto ora perché è difficile guadagnarsi da vivere quando tutti possono vedere i tuoi media gratuitamente. Ci vuole un sacco di soldi e dobbiamo prenderci cura dei nostri artisti in questa epoca, sicuramente.

Foto di Bobbi Rich