Dawn Richard rende omaggio a New Orleans

La cantautrice dichiara audacemente "Io sono il genere" nel brano introduttivo "King Creole", preannunciando il suono progressivo dell'album. Canzoni degne di nota includono il brano di ballo armonioso "Boomerang", il brano ispirato al dancehall "Jacuzzi" e l'inno uptempo "Bussifame". Nell'insieme, Second Line mette in discussione le idee tradizionali di suono, produzione ed estetica visiva. “È un album che le persone devono ascoltare più e più volte perché devono digerire ciò che è,” ha detto Richard a VMP.

Second Line è un'autoproclamata ode a New Orleans. La madre di Dawn, originaria della Louisiana, autenticamente funge da narratrice in tutto il progetto, conferendo una sensazione di casa alle transizioni e agli interludi. “Come artista solista, chi incarno — sono l'esatto esempio di ciò che è un'artista di New Orleans. Mia madre è un esempio di ciò. Siamo creature della sopravvivenza, perché abbiamo vissuto in una città che è costantemente stata dimenticata. Eppure abbiamo tutta questa cultura. Abbiamo tutta questa bellezza,” ha detto Richard.

Intitolato a una tradizione celebrativa di New Orleans, Second Line incarna davvero la città ma in un modo non tradizionale. Storicamente, una Second Line è quando gli spettatori si uniscono alla linea principale di una parata a piedi, spesso per onorare una persona deceduta a un funerale jazz. “Attraverso la morte troviamo positività. Attraverso il dolore troviamo luce. Questo album non deve avere una brass band per dirti che è New Orleans,” ha detto Richard. “Non sarebbe stato me cantare di parate tutto il giorno. Stavo per farlo nel modo in cui mi sono mossa nell'arte. E tutto sarebbe stato intenzionale in altri modi per influenzare ciò che significa essere di questa città.”

L'artista di origine meridionale descrive la sua città natale come un crogiolo sia musicalmente che culturalmente — simile al suo nuovo album. “[A New Orleans] abbiamo Creolo, bianchi, neri, Cajun, italiani, vietnamiti. Abbiamo una popolazione molto ampia di sola diversità nella città. Cammini per Bourbon [Street] e senti un club rock, un club di zydeco, un club blues. Otterrai circa otto generi musicali diversi in un solo isolato. È naturale qui,” ha spiegato Richard. “Stessa cosa musicalmente con questo album. È multi-genere, ma è intenzionalmente mescolato con tutte queste cose meravigliose per riassumere ciò in cui sono cresciuta. Volevo raccontare quella storia.”

Richard ha parlato a VMP di celebrare una nuova ondata, mettendo fine agli stereotipi, alle scatole e alle limitazioni nella musica. Inoltre, spiega il revival elettronico, l'afrofuturismo e il rompere i soffitti di vetro tra i generi.

Questa intervista è stata condensata e modificata per chiarezza.

VMP: Prima di entrare nel merito dell'album, qual è stata l'ispirazione dietro l’artwork di Second Line?

Dawn Richard: Se guardi le mie copertine, ho sempre avuto un'affinità per una donna nera che sembra una guerriera. Ho sempre voluto questo, se guardi da Goldenheart in avanti. È importante per me che la donna nera — o anche se non è una donna nera, la comunità queer nera, persone che si considerano altre, si vedano come regali e regali nella lotta.

E ciò che abbiamo ideato è stato King Creole, e quella è l'armatura. Invece di essere l'armatura ciò che normalmente indosserei come in Goldenheart — indossavo un vero pezzo di armatura. In Blackheart, avevo il volto dell'armatura che si staccava. O con New Breed, avevo il copricapo da indiano Mardi Gras. Questa volta, la sua pelle è l’armatura. Quindi è una nuova visione di ciò che vedrei quando penso agli artisti o alle persone che sono sempre stati sottovalutati. Li vedo sempre come guerrieri e King Creole, me stessa. Mi vedo in quel modo.

Interessante; qual è il tuo brano preferito personale nell'album e perché?

Amo davvero il trio di “Le Petit Morte” in "Radio Free" in “The Potter." Questi tre sono potenti per me perché la seconda metà dell'album è il lato umano dell'album. È molto più vulnerabile. È molto più spogliato. Mentre la prima metà dell'album è un processo progressivo, il lato Android dell'album. Quindi hai più canzoni dance nella prima metà. Mentre la seconda metà dell'album è più di un ritmo lento.

Quelle tre canzoni, per me, parlano di quando vieni curato per l'industria o solo per le persone. Poi ti costruiscono come un prodotto, e poi ti lasciano. E rimani sullo scaffale. Come ti ami? E come ti ama il mondo quando non sei più la cosa popolare? Quando non sei la cosa che è più considerata bella? Come sopravvivi a questo, o guarisci attraverso di esso? E quei tre brani davvero, per me, risuonano l'aspetto umano di ciò che ho passato in questo viaggio musicale.

In “Radio Free” eri sincera riguardo alla tua esperienza nell'industria musicale. Come stai navigando come artista solista, particolarmente come donna nera?

Non mi ero resa conto fino a quando sono diventata un'artista solista che il mio colore avrebbe dettato il mio genere. Ho sempre amato l'alternative o il dance. Ho sempre amato quel suono. E ho iniziato con un gruppo pop di ragazze che era prevalentemente multirazziale con per lo più ragazze bianche. Quindi non ho avuto il trauma. Poi, quando sono andata a Dirty Money era estremamente nero. Ed era hip-hop. Quindi non era nulla che fosse fuori dal normale per chiunque perché era tradizionale. Non è stato fino a quando sono diventata un'artista solista che mi sono resa conto, “Oh cavolo, il mio colore mi sta limitando in questo momento.” E quello è stato l'inizio di tutto per me.

Ho dovuto sopravvivere quando tutti mi respingevano — quando non vedevano questo suono o sentivano il suono in una donna nera. Oppure nel momento in cui ho cercato di essere versatile e mostrare alla gente che posso fare tutti questi suoni diversi, e ha senso. Posso essere una produttrice; posso essere un'animatrice; posso fare una traiettoria diversa dagli artisti normali. Sono stata respinta da questo. Tuttavia, otto anni dopo, sono ancora qui cercando di ballare attraverso tutto questo.

Sonicamente, ogni canzone è un po' diversa. Era intenzionale quando stavi sequenziando il progetto?

Assolutamente! Il sequenziamento era importante per me, e non volevo il cliché. Tutti i miei altri album, avevo raccontato una storia che era così specifica riguardo all'industria musicale. Era come se ogni canzone, ogni pezzo, fosse apertamente riguardo al dolore e alla sofferenza. Mentre con questo album, volevo che l'album riflettesse ciò che New Orleans è per me. Quindi ogni canzone — anche se possono fondersi insieme — sono molto diverse.

Non voglio mai che un album sembri come l'altro. Voglio veramente che le persone amino epoche diverse. Potrebbero non amare questo, potrebbero preferire un Goldenheart. Le persone che mi stanno appena conoscendo, potrebbero preferire questo e dire che questo è il miglior album che abbiano mai sentito. Non voglio mai che la mia arte sia come, “Voglio essere migliore del prossimo.” Ma soprattutto, voglio creare opere d'arte diverse che dipingano tutte quadri diversi ma che possano essere suonate nel loro insieme. E quando lo ascolti, puoi totalmente sentire la storia. E puoi vedere il viaggio, e puoi seguirlo. Questo è tutto ciò che potrei chiedere come artista — è farti sentire. Potevi odiarlo, amarlo, basta sentire. Se riesco a farlo con questo, allora ho fatto il mio lavoro.

I video musicali condividono tutti un tema comune. Dalla visione artistica alla coreografia, in particolare “Bussifame” e “Jacuzzi.” Quale messaggio stavi cercando di trasmettere con i visual?

L'album è una New Orleans post-apocalittica. È il Blade Runner di New Orleans. Visivamente, stavo cercando di personificarlo al meglio delle mie possibilità con un budget indipendente. Il mio regista, coreografo e le ballerine tutte di New Orleans, applicando l'arte della danza. Perché qui [a New Orleans] le parate, i team di ballo e le majorette sono sempre presenti. È una cosa culturale qui. Quindi, combinando l'idea di avere più ragazze che ballano con me per creare l'estetica della tradizione di New Orleans è nei visual.

Tuttavia, il modo in cui sembriamo tutte uguali, creando il concetto che, dopo che questo mondo post-apocalittico accade, la prima persona che vedi sono donne nere. Quindi il mondo si cancella e la prima immagine che vedi sono queste ragazze nere. Stesso abbigliamento e stessi capelli per raccontare la storia dell'Android. Sarebbero tutte uguali, ballerebbero tutte nello stesso modo. Ma, esteticamente ci sarebbe un look scuro per loro, un look grunge per i visual. Quindi tutti i miei visual non sono puliti. Non è lucido come i miei altri visual sono stati. I nostri costumi non sono perfetti. Ci sono buchi, ci sono strappi. Il nostro trucco è muffo. È volutamente più grezzo dei miei visual normali. Perché siamo in un mondo che non è lucido. È grezzo.

È evidente nei crediti che sei stata molto coinvolta nell'intero progetto. Specialmente in termini di scrittura e produzione. Qual è stato questo processo questa volta?

Sono stata [lavorando dietro le quinte] per otto anni. Ho dovuto costruire il mio set per i miei spettacoli e smontarli dopo aver performato per due ore di fila. Ho avuto solo poche [persone per aiutare]. Sono stata fortunata e sono stata grata per i pochi che ho avuto che hanno creduto in me e nel mio processo. Quindi, molte volte ho dovuto imparare da sola. E vincere e perdere da sola, anche. Quindi non è diverso. Questo processo creativo non è diverso dagli altri cinque o sei album che ho dovuto fare prima. [Per davvero] mantenere il messaggio, mantenere l'arte.

Penso di essere stata intenzionale con questo album. Strategicamente, per lavorare con molte persone di colore. Lavorando con animatori dalla Nigeria, al mio coreografo e al mio regista che sono donne, donne nere, era importante per me. Poi avere gli artisti che hanno creato l'album essere di New Orleans; erano mosse intenzionali.