Parliamo con Big Scary di 'Animal', dell'indie rock australiano e del tentativo di essere inquietanti

I Big Scary hanno creato un album concettuale sulla dualità degli esseri umani come creature riflessive e amorose e come mostri degradati nello stesso istante.

Animal, il terzo LP del gruppo, ruota attorno a un'idea elevata e amorfa e la sminuzza con un pop snello e angolare. Tom Iansek riempie canzoni come “Organism” con staccati di organo e skronks di sassofono mentre Joanna Syme tiene un tempo impeccabile con una batteria inventiva. La coppia sembra meno giocosa mentre lascia tracce come “Heaven on Earth” soffrire in simmer, ma non meno concentrati nel far condividere spazio ai loro strumenti invece di competere per room.

Iansek afferma che Animal è intenzionalmente più scarso rispetto al lavoro precedente della band. Volevano fare un salto considerevole rispetto a quanto fatto con Not Art, il loro album precedente che ha vinto il Premio della Musica Australiana. Ma quel riconoscimento non ha messo pressione aggiuntiva sulla band. Iansek lo definisce una benedizione che la band sia stata notata ma non al punto di sentirsi obbligati ad aderire a un certo sound. Dice che questo lo fa sentire più incoraggiato a provare di più con il progetto.

Abbastanza persone devono ancora scoprire la band che, dato l'arte di copertina leggermente omicida per Animal e un nome di band come Big Scary, Iansek ammette che a volte le persone possono aspettarsi qualcosa di diverso.

“Ho sempre desiderato che fossimo una band con un tema più coerente, che le persone potessero afferrare meglio,” dice Iansek. “Ma è stato un peso rimosso quando ci siamo resi conto che dovevamo solo essere noi stessi e questo è il punto in cui le cose iniziano a diventare più interessanti.”

In vista dell'uscita di Animal--è disponibile ora nel nostro negozio per membri-- abbiamo parlato con Iansek di fare musica scomoda, nerdismo extra per gli ascoltatori di vinile, e quanto Courtney Barnett abbia significato per la musica australiana.

Hai definito questo album impegnativo. Intendi dire che si tratta di spingere la band, l'ascoltatore o magari entrambi fuori dalle zone di comfort?

Tutte le precedenti. Ci sono parti di esso che erano scomode per noi da ascoltare, almeno inizialmente. E pensavamo che a meno che non lo sentissimo noi, non potevamo realmente aspettarci che i nostri ascoltatori lo sentissero. Credo di aver guidato l'assalto su questo e non è stato facile far capire questa idea, perché vuoi presentarti in un modo presentabile.

Spesso, molti artisti mirano a compiacere. E noi abbiamo sicuramente fatto questo. Volevamo scardinare un po' questa situazione. Perché l'ascoltatore deve aspettarsi di essere in questa bolla di comfort ogni volta che mette su un album? Ci penso spesso. Le persone vanno in una galleria d'arte e guardano qualcosa che non gli piace ma si siedono lì e si chiedono, perché? Perché questo mi fa sentire in quel modo? Con la musica, sento che le persone siano molto più giudicanti. Perché la musica non dovrebbe suscitare la stessa risposta?

Sì. Nel tuo nuovo album, la prima traccia “Oxygen,” i testi mi hanno fatto sentire a disagio.

Quella canzone parla di più di quel disagio. Liricamente, quella canzone parla di asfissia erotica. È stata scritta su una storia che un amico mi ha raccontato, e c'è qualcosa di molto scomodo in questo per me. Penso che parli davvero del tema dell'album. Questo gruppo di canzoni non sarebbe potuto stare in piedi senza un forte concetto e molto di questo era questo passaggio dal buio alla luce, o dal buio a un buio meno intenso.

Quel concetto di passaggio dal buio alla luce ha portato a dividere l'album in quattro parti. Puoi parlare della logica?

La struttura principale è questo tema dal buio alla luce. Ma al suo interno, volevamo suddividerlo e giocare con l'idea della struttura dell'album. Quindi, poiché ci sono quattro lati di vinile, perché non suddividerlo in piccoli sottogruppi? E perché il vinile deve essere etichettato come disco uno, lato A? Spesso riponi il vinile e dimentichi quale lato hai messo dentro e poi quando lo tiri fuori la prossima volta, non sei sicuro di quale disco hai in mano. Quindi abbiamo pensato, perché non può essere lo stile dell'album, il primo disco che tiri fuori, lo metti giù e ascolti?

Assolutamente. Le persone possono sempre scoprire l'ordine cronologico e riprodurlo in quel modo. E riguarda solo il vinile. Abbiamo pensato che gli ascoltatori di vinile avrebbero gradito un po' di nerdismo extra.

Le prime ascoltate, pensavo che questo disco fosse piuttosto minimalista. Si sente in questo modo a causa del modo in cui utilizzi lo spazio vuoto, ma poi ha anche un suono molto grande.

Ascolti molto attentamente. È interessante che tu lo noti. C'è molto meno che succede rispetto a quanto facciamo di solito. In termini di arrangiamenti, cerchiamo di far lavorare tutte queste cose intorno l'una all'altra piuttosto che sopra l'una all'altra. Quando c'è un vuoto nella parte del basso, potrebbe esserci un colpo di sassofono o il sintetizzatore che entra, quindi tutti i vuoti si riempiono, dando l'impressione che sia molto più grande di quanto non sia.

State facendo cose interessanti. Sembra che ci sia un ottimo movimento musicale in Australia al momento. C'è un recente boom dell'indie rock o è solo una percezione errata che hanno gli americani?

Penso che si avvicini a una percezione errata. Le persone qui amano fare musica e amano la musica tanto quanto in qualsiasi altro posto. Non c'è carenza di persone che dedicano la loro vita alla musica qui e creano cose incredibili. È un momento straordinario per la musica qui, specialmente con il paese che sta cambiando così tanto.

Sì, non è nuovo per le persone al di fuori dell'Australia apprezzare la musica australiana, ma forse ora le persone sono più consapevoli da dove provengono le band e la musica.

È straordinario vedere come, con Courtney Barnett, abbia fatto ciò che ha fatto. Il suo successo si diffonde di nuovo qui in altre parti del mondo. C'è qualcosa di molto australiano in ciò che fa, nel modo in cui canta e come racconta storie. E c'è anche qualcosa di molto melbournese. Vedere chi torna indietro ai giovani artisti e vedere loro dire, “Va bene cantare con un accento australiano e raccontare storie sulla città da cui provengo.”

Crescendo e confrontando la musica australiana con, poniamo, la musica americana; Una cosa su cui molti artisti australiani si interrogano è come gli artisti americani cantano così liberamente sui loro luoghi, sulla loro città e sul loro paese e mettono così tanti riferimenti. Ma quando cerchi di farlo qui, c'è qualcosa di strano in questo.