La Semplicità Affettuosa E La Sincerità Di Goon Sax

Louis Forster stava guardando il film horror giapponese del 1977 House quando gli è venuta un'idea. Ispirato dai personaggi principali del film che erano nominati in base ai loro tratti caratteriali - una donna che si aggiusta costantemente il trucco è soprannominata Gorgeous, un'altra che ama la musica è chiamata Melody - Forster ha fatto lo stesso con i suoi compagni di band James Harrison e Riley Jones, che si esibiscono con lui come The Goon Sax. Forster ha battezzato Harrison come Lazy, Jones come Busy e se stesso come Bendy.

“Penso che James sia il ragazzo più rilassato,” dice Forster. “James non è rilassato, è James Horizontal Harrison.”

“Credo di essere un po' pigro,” risponde Harrison, la sua voce è una manifestazione sonora di un’alzata di spalle. “Ma credo che ci siano altre persone nella band che fanno cose altrettanto sciocche.”

Dal loro debutto del 2016, Up To Anything, il trio indie-pop di Brisbane ha navigato molti descrittori - “tanto intelligenti quanto tristi,” “autoironici ma mai melancolici,” “deliziosamente semplici” - anche se “sciocco” non sembra mai essere stato il termine principale. I Goon Sax, formatisi nel 2013 come duo di Harrison e Forster, che è il figlio di Robert Forster dei Go-Betweens (Jones si unì nel 2014 dopo solo pochi mesi di lezioni di batteria), hanno un talento per inquadrare piccoli momenti come ancora più piccoli. Up To Anything, pubblicato quando i membri della band avevano rispettivamente 16 e 17 anni, dettaglia con languore le intimità della vita adolescenziale, mescolate con un desiderio depressivo - “Voglio che la gente pensi a me,” canta Forster nella traccia principale dell'album.

Seppur solo un po' più grandi, i Goon Sax esplorano nuovi territori nel loro secondo lavoro, We’re Not Talking, disponibile ora: l'ansia. L'LP, a volte, ha toni frenetici, romantici, nostalgici, irritanti. In "Love Lost", una traccia guidata da Harrison che presenta archi e castagnette, egli lamenta: “Ho problemi con cui non so come affrontare / e ho questioni che non voglio essere visto con.” Altrove, Jones intona: “Mi mancherà la tristezza / è l'unica cosa che ho mai conosciuto” in “Strange Light,” un'ode a Brisbane e agli errori commessi lì.

In We’re Not Talking, tutti e tre i membri dei Goon Sax hanno contribuito alla composizione vocale e strumentale, una deviazione dalla principale scrittura di canzoni di Harrison e Forster su Up To Anything. Dal vivo, scambiano gli strumenti, con Jones che occasionalmente prende in mano la chitarra e Forster che sale alla batteria, ciascun membro un ingranaggio in una macchina continuamente in movimento, costantemente pronto all'impatto.

“Ci aspettiamo il peggio in ogni momento,” scherza Forster.

“Forse l'aereo non sta ancora precipitando,” risponde Jones, “ma c'è questa sensazione che potrebbe schiantarsi.”

VMP: Come è cambiata la dinamica della scrittura delle canzoni su We’re Not Talking?

Louis Forster: Non credo sia stata una scelta consapevole quella di lavorare in modo diverso. È semplicemente successo che Riley si sia sentito più a suo agio a cantare. Nel primo disco, ho scritto un po' più canzoni di James e questa volta James sta scrivendo molte canzoni molto rapidamente. Tutti noi abbiamo più input sulle canzoni degli altri.

Come funziona il processo di critica quando modificate il lavoro degli uni e degli altri?

Riley Jones: Non ci siamo veramente criticati a vicenda. Non credo di aver mai sentito il bisogno di farlo. Eravamo un po’ come, “Sì, bene. Abbiamo un'altra canzone. Fantastico,” il che è fortunato.

LF: Non penso fosse, “Mi piace questa canzone, ma cambia quel testo e togli questa parte, e poi sarà buona.” Non credo che una cosa del genere succeda mai. È stato avere più input sulla struttura delle canzoni degli uni e degli altri mentre stavamo provando, le cose non erano così concrete immediatamente quando iniziavamo a suonare una canzone e cambiavano molto. Alcune [delle canzoni] le stavamo suonando da due anni prima di registrarle. Nel frattempo, probabilmente erano abbastanza irriconoscibili rispetto allo stato originale.

È sempre divertente mappare la traiettoria di alcune canzoni: avevo questa sensazione una volta, ora è una cosa vivente completamente diversa.

RJ: È strano come diventi subito una cosa sua.

LF: Poi una volta che la registri, hai quasi la sensazione che venga mantenuta in uno stato permanente, cosa che odio. A volte non penso che la musica debba essere registrata perché continua a cambiare dopo. Tutte le canzoni stanno ancora cambiando per me perché le stiamo suonando in modo diverso, suonandole più velocemente o più lentamente o con persone diverse che cantano. Registrare qualcosa le dà quasi uno stato permanente falso.

RJ: Ma è solo un record. Solo un record di come suonava.

Ma qualcuno potrebbe aprire Spotify e quello è l'unico contesto che ha per le canzoni rispetto a qualcuno che ti vede suonare dal vivo spesso.

LF: Penso che se lo suoni in modo diverso rispetto a come è registrato, sembrerà che tu l'abbia cambiato.

NPR ha menzionato qualcosa di acuto quando hanno scritto che molte canzoni mancano di sincerità quando si tratta di amore. Pensi di avere quella sincerità? Cosa ci vuole per essere veramente sinceri nella musica?

LF: Penso che sia sincero. È divertente guardare indietro a quelle canzoni ora che le abbiamo registrate e scritte un bel po' di tempo fa. Sono completamente sicuro che ogni singola cosa che abbiamo detto è sincera e vera. Questo è sicuramente qualcosa in cui non posso [trovare] difetti.

Quali sono quei momenti che ti ispirano a scrivere?

LF: Spesso sento che non scrivo necessariamente di cose mentre accadono. Scrivo sempre di cose che sono accadute un po' dopo. Sono solo eventi e sentimenti che vengono ridotti in testi. Osservazioni su cose. C'era questa canzone che ho scritto per cercare di ricordare dove sono cresciuto prima di andarmene perché volevo ricordare specificamente quello. Era quasi una nota mentale.

Quale canzone era quella?

LF: Alcune parti di “Strange Light.” Riley ha scritto molte di quelle liriche, anche. Originariamente aveva un sacco di altre liriche, ma quella era la motivazione originale di quelle canzoni.

Quanto incide il tempo e il luogo nel modo in cui scrivi i testi?

James Harrison: Forse il tempo e il luogo giocano un grande ruolo perché quando scrivo, è successo qualcosa e torno a casa e forse bevo un po’. Mi piacciono molte band di Brisbane e alcune di esse fanno suonare la mia musica come altre band di Brisbane.

LF: Penso che questo album sia molto legato al tempo e al luogo per me. Brisbane nel 2015, 2016, inizio 2017. Penso molto in termini di anni.

Cosa stava succedendo nelle vostre vite a Brisbane nel 2015?

LF: Ero in undicesima, Riley e James sarebbero dovuti essere in dodicesima. Era un periodo emotivamente confuso. Per me, era riguardo all'essere innamorato per la prima volta ed essere così sopraffatto da ciò.

JH: Ero in dodicesima ed era confuso e un po' da innamorato.

LF: Per me, questo album parla molto di ansia. Il disco precedente, il primo, ricordo di aver pensato che suonasse davvero depresso e questo suona più ansioso che depresso.

State attraversando tutte le emozioni.

JH: Penso che l'ansia sia un grande fattore.

LF: Devi concentrarti su una certa cosa. In questo momento, sto scrivendo soprattutto di paura e [quando] cambi quegli argomenti o quelle motivazioni, quali sentimenti si trasformano in scrittura? Senti ancora tutte le altre cose, ma quale punto del tuo pensiero va in una canzone?

Anche il modo in cui è uscito il disco, sonoramente, è un po' più vivace. Si traduce in un suono più ansioso.

RJ: È rapido e stavo solo pensando ai ritmi e cercando di rendere i ritmi più interessanti in questo. Spero che il nostro prossimo disco non suoni come ansia.

Cosa speri che suoni?

RJ: Solo un po' più cosmico.

JH: Essere cosmico sarebbe molto meglio.

RJ: Chissà se è possibile non fare qualcosa come prodotto di negatività o ansia. Potrebbe non essere possibile. Forse è possibile ma non ci piacerà.

Perché c'è questa nozione che dal dolore nasca una grande arte.

RJ: Potrebbe derivare dai primi musicisti blues che scrivono la musica più dolorosa, straziante e bella. Forse dobbiamo diventare più dolorosi o qualcosa del genere. Forse non è abbastanza.

JH: Non penso che sia abbastanza.

LF: Penso che le canzoni possano nascere anche da un gran bel momento. Molta buona musica nasce da una sensazione fantastica. Forse è più un'idea che proviene dal dolore perché molte volte, quando le persone si sentono davvero bene, sono troppo immerse in quello da voler scrivere.

Scrivere ti avvicina alla chiarezza sulle cose di cui scrivi?

LF: Fino a un certo punto. A volte non lo fa affatto. Rende quasi tutto più confuso e frustrante perché la musica e quello che ci fai sono limitati. È difficile trasformare qualcosa in un paio di suoni e parole.

RJ: Penso che con questo disco pensassimo di poterlo fare. Per me, sembrava che potessimo farlo essendo il più onesti possibile. Ascoltavamo così tanta musica che non sembrava onesta e davvero la apprezzavamo quando lo era. Non so se avrei lo stesso approccio ora. Sicuramente mi piacerebbe rimanere sempre onesto, ma mi piacerebbe anche essere più giocoso con essa.

LF: Penso che inizi a realizzare che, semplicemente esponendo esattamente come sono accadute le cose, non darai alle persone la sensazione che hai avuto. È stata una cosa strana per me realizzare. Non puoi comunicare quelle cose.