Digital/Divide: La musica elettronica di settembre recensita

Qualcosa nella stanza cambia quando senti Loraine James’ “Glitch Bitch.” L’elettricità crepita nell’aria e la gravità sembra decisamente più pesante mentre il impulso in avanti della canzone e il suo mantra volgare fanno sembrare qualsiasi altra cosa che ascoltavi prima leggero o antiquato. Questo è l'inizio di una incoronazione, l'arrivo di un'artista che opera a un livello superiore di arte.

Non da quando il Untrue di Burial ha catturato e incapsulato una Londra personale nascosta come ** For You & I (Hyperdub)**, l'incredibile debutto di James per l’impronta essenziale di Kode9. La struttura qui si divide in due, affrontando la sua queerità in una patria volatile e potenzialmente ostile mentre si confronta con il suo trascorso nell'area di Enfield a Nord di Londra. Bass, grime e forme di genere meno definite conferiscono peso agli eventi qui, con emozioni e idee che si mescolano nell'etere di “Hand Drops” e nel plink-plonk da videogioco della traccia principale.

Su mash-up amen e loop ondeggianti, James mormora strofe ripetute piene di paura in “So Scared” che si espandono nel tempo nel loro significato poetico. Frequentemente, però, opta per lasciare che altri parlino per lei, o almeno forniscano contesto ai mondi che naviga. Il rapper Le3 BLACK si fa sentire attraverso la follia schiacciante di “London Ting / Dark As Fuck,” mentre il cantante Theo fluttua con i nervi vibranti di “Sensual.” “My Future” stuzzica la cultura club, la sua esitazione si rivela un diversivo che porta al ritorno di Le3 e a una riflessione relazionale più pensierosa. (Notoriamente, la ragazza di James fa il pezzo in “Glitch Bitch.”)

Orgoglio, preoccupazione, amore e lutto fluiscono throughout For You & I, la sua unicità e onestà velata ben si adattano all’anima tremolante e al dripp meditativo del materiale. Il modo sciolto e liberatorio in cui James mette insieme questi brani espone la visione di un autore, qualcosa che non è facilmente decifrabile né digeribile in un solo ascolto. Ricompensante a ogni rewind, la complessità dell'umanità e della macchina intrecciate qui ha poco a che fare con i tropi distopici della fiction, ma piuttosto con le realtà non edulcorate della sua vita.

Cashmere Cat: Princess Catgirl (Mad Love / Interscope)

In un'epoca di avatar proprietari da animoji a bitmoji, il felino cartoon antropomorfico di Princess Catgirl dovrebbe segnare l'arrivo tanto atteso e spesso temuto della pop star virtuale. Arrivando due anni dopo il trionfante sforzo di danza R&B 9, il progetto più recente di Cashmere Cat si crogiola nell'inafferrabile valle degli uncanny, gioiosamente esoterico e pesantemente glassato con una vernice gluosa. Oltre all'estetica del videogioco di realtà virtuale dell'arte e della sua corrispondente persona concettuale, questo disco spensierato emana delizia per default. Un produttore dietro il successo attuale “Señorita" di Shawn Mendes e Camila Cabello, mantiene quell'orecchio attento alla prontezza radiofonica mentre lo trasforma in qualcosa di innaturalmente invitante e contagioso. Con l'aiuto di collaboratori come Benny Blanco e Sophie, canzoni come “Back For You” e il deepfake di Christina Aguilera “Watergirl” volano in uno spazio dove clubland e candyland si scontrano. Un sogno febbrile peloso fino alla fine, Princess Catgirl si chiude con quello che può essere descritto solo come un tema per l'eroina titolare.

Hide: Hell Is Here (Dais)

Richiamando il radicalismo del Digital Hardcore dell'inizio del secolo così come la scena dell'elettronica di potere dello stesso periodo, Hell Is Here rende il messaggio di questo duo di Chicago il più scomodo possibile. Non facendo tempo per le cortesie, l'introduzione caustica “Chainsaw” ri-enact un crudeltà tuttavia disturbantemente normalizzata su trame abrasive. A differenza dei ritorni dell'industria techno e dell'EBM che contrassegnano principalmente questa scena, le elettroniche di Hide hanno più un effetto punk rock, dando alla voce urlante di Heather Gabel una base genuinamente ribelle su cui rimbombare. Il risultato di questa miscela confrontativa porta rapidamente alla furia della pistola “SSSD” e al picchiettare cupo di “Everyone’s Dead.” E mentre coloro che sperano di ballare tutta la notte non troveranno molto su cui muovere i piedi su Hell Is Here, salva forse per il thump catartico sottostante a “Grief,” chiunque affronti questo bombardamento della verità brutale ne uscirà migliorato per averlo sperimentato.

patten: Flex (555-5555)

Ridimensionato da duo a solo, patten ritorna con un album che è meglio descritto come un modo di viaggiare nel tempo. L'apertura “Flame” scivola con il classico feel di Artificial Intelligence, l'iterazione cruciale della techno che ha prima messo il progetto su mappa con l'etichetta Warp Records. Da lì, però, Flex gira rapidamente nel non troppo lontano futuro con il trap stutter di “Night Vision” e i ritagli garage di “Slipstream,” prima di scivolare di nuovo nel junglism modificato su “Chimera.” Una volontà di saltare quantisticamente attraverso molteplici suoni club definisce questo disco, il miglior risultato dal suo debutto più di un decennio fa. Anche se il ritmo è incline a cambiare radicalmente da traccia a traccia, passando attraverso ritmi bassi decomposti con energie simultaneamente devote e distruttive, riesce a tenere tutto insieme a livello sonoro. Molto di ciò ha a che fare con il modo in cui patten tende a trattare la voce qui, con frammenti di discorso e canto tagliati e loopati che uniscono i mondi disparati rappresentati in “Infrared” e “Shadowcast.”

Wolfram: Amadeus (DFA)

Quando i Daft Punk rilasciarono il splendido Discovery nel 2001, i cacciatori di dischi e punti di riferimento furono rapidi a citare le sue fonti. Mentre alcune di esse sembravano una shaming delle sample progettata per smontare i suoni dietro i singoli caratteristici come “One More Time” e “Harder, Better, Faster, Stronger,” ciò che il duo fece con il materiale sorgente alla fine superò le chiacchiere. Una simile ossessione da maestra dominò inizialmente me mentre suonavo “What Is It Like” di Wolfram, che ruba il suo vibe etno-techno interamente dal classico perso del 1995 di Peter Gabriel e Deep Forest “While The Earth Sleeps.” Tuttavia, non molto dopo il mio secondo ascolto, mi sono allentato abbastanza per rendermi conto di quanto poco importasse su un album così audace da essere chiamato Amadeus. Indipendentemente da quanto o quanto poco il produttore con sede a Vienna abbia effettivamente prodotto qui, l'album ha obiettivi altruistici nel celebrare il ormai fuori moda genere Eurodance. Ulteriormente a suo credito, ospiti come Egyptian Lover e Haddaway partecipano liberamente, quest’ultimo prestando la sua voce per la house guidata dal pianoforte di “My Love Is For Real.”