Le deuxième album de Shura est une histoire d'amour queer et bleue

On peut entendre le sentiment animer sa voix, même au téléphone, lorsqu'elle parle de tomber amoureuse, ou du désir à distance qui a précédé cela. Bien que les fans précédents de la chanteuse britannique Shura soient plus que familiers avec l'amour non réciproque et les désirs compliqués qui ont dominé son premier album synthétique, Nothing’s Real, en 2016, son dernier travail apporte résolution et épanouissement dans des nuances de bleu profondément réconfortantes. Passant d'une palette de mélodies électroniques glaciales à une dominée par des R&B aux teintes chaleureuses et des paroles romantiques, son album suivant, forevher, est à des années-lumière de la baisse de régime souvent associée à un deuxième album.

Lorsque la musicienne basée à Londres est tombée amoureuse d'une femme vivant à Brooklyn, le déploiement éventuel de leurs sentiments — qui a conduit, nécessairement, à des vols internationaux — se joue dans la chanson qui a introduit l'album, « BKLYNLNDN. » Évoquant des artistes tels que Bon Iver, St. Vincent et Blood Orange sur un morceau de funk glacé et AutoTuned, Denton combine habilement l'imagerie religieuse avec la douce et spécifique sensualité des sentiments à distance, éclatant dans l'urgence du refrain : « Ce n'est pas de l'amour / c'est une urgence. »

En 2019, alors que des stars emblématiques telles que Janelle Monáe et Hayley Kiyoko sont fièrement sorties et queer dans leur musique et leur vie personnelle, raconter des récits queer est plus important que jamais, non seulement pour la représentation, mais aussi pour prouver que les audiences hétérosexuelles sont tout aussi capables de comprendre les sentiments contenus dans des récits explicitement gays et de s'y identifier, malgré le pronom ou le détail. Après tout, nous savons que c'est possible — le public gay le fait depuis des siècles. « Je pensais que ce serait intéressant de faire un album explicitement queer et de voir si des personnes qui ne sont pas queer pouvaient s'y identifier de la même manière que je peux absolument m'identifier à la musique faite par des personnes hétérosexuelles, » a expliqué Shura au téléphone un matin d'été. « Je suis plus explicitement queer sur cet album et je me pose cette question : est-ce que c'est, en fait, plus identifiable parce que je suis juste plus moi, plus de moi-même, plus honnête ? »

Faire vivre cette vérité signifie amener des allusions de la religion dans sa propre histoire d'amour queer d'une manière très directe. La pièce maîtresse de l'album, « religion (u can lay your hands on me), » est une interprétation ludique d'une pratique spirituelle, de la distance sous-jacente qui a caractérisé sa relation au début, et, bien sûr, du consentement sexuel. « La première chanson que j'ai écrite qui a constitué cet album était 'religion', et il me semble que j'avais toujours en tête que chaque chanson que je devais écrire pour cet album devait d'une manière ou d'une autre être liée à cela, » a expliqué Shura. « Je ne sais pas si tu connais The L Word et 'the chart', mais il me semblait qu'au milieu ça devait être 'religion', et toutes ces autres chansons pouvaient d'une manière ou d'une autre se relier au centre. »

Utilisant cette chanson comme point focal pour chaque autre morceau de l'album, Denton a pu créer un réseau interconnecté d'idées et de sentiments qui se sont unis pour former forevher, qui sort cette semaine via Secretly Canadian, et disponible avec une exclusivité de vinyle splatter ici. Dans une conversation expansive et étonnamment ouverte sur l'amour, la sexualité, la musique et la religion, Shura a levé le voile sur l'idéation et l'écriture de forevher et les changements sonores de cet album.

VMP : L'une des premières choses qui ressort de l'album est le contraste entre la sexualité et la religion. Pourquoi la dichotomie entre ces deux éléments en particulier vous a-t-elle frappée ?

Shura : Mon père est un athée convaincu et a réalisé de nombreux documentaires sur la religion et autres. Donc même si je n'ai pas grandi avec la foi, cela a absolument fait partie de mon éducation. Il me lisait des histoires bibliques non pas parce qu'il était religieux, mais parce qu'il pensait qu'il était important que nous les entendions, parce qu'elles sont essentiellement parmi les plus anciennes que nous avons. J'ai toujours été fascinée par la religion en général. Très tôt, je me souviens avoir eu la pensée que — notamment dans le christianisme — nous avons l'exemple de Marie en tant que femme parfaite, étant vierge et mère, et que cela pose vraiment problème pour les femmes.

Être intéressé par la religion, c'est un peu être intéressé par les êtres humains, et comment nous pouvons tordre n'importe quoi pour justifier ce que nous croyons déjà. C'est quelque chose qui se passe dans la foi et dans la politique. Et puis évidemment, vous avez cette riche histoire de la musique pop jouant avec la religion, et grandissant en étant une dévote de Madonna et ayant des souvenirs très vifs de la regarder grandir dans « Like A Prayer » et en étant émerveillée par cela. Donc oui, c'est en quelque sorte mon hommage, en partie, à l'histoire de la musique pop jouant avec des thèmes religieux. Mais c'est aussi quelque chose qui m'a fascinée la majeure partie de ma vie.

L'un des singles principaux, « religion (you can lay your hands on me), » rend ces thèmes encore plus directs. Il y a aussi une certaine légèreté dans cette chanson et cette vidéo.

La première ligne que je dis, « c'est humain, c'est notre religion, » je joue avec l'idée que le sexe est une sorte de religion. De la manière où nous parlons souvent de l'amour et du sexe avec des termes similaires à ceux que nous utilisons autour de la religion, comme la dévotion, ou nous croyons en l'amour donc nous avons foi dans l'idée de l'amour, et le sexe est une sorte de rituel dans ce sens. Donc, je pense qu'une fois que j'ai eu cette ligne, et une fois que je jouais autour du refrain et de l'idée que quelqu'un me touche — et j'avais écrit cela, en partie, parce qu'à ce moment-là, la personne dont je parlais ne pouvait pas me toucher, parce qu'elle se trouvait à l'autre bout de la planète.

Donc c'était cette légèreté de, « Oh tu peux me toucher, mais je peux dire ça parce que je sais que tu ne peux pas. » Ce qui alimentait encore plus cette légèreté. Je voulais juste m'amuser, surtout quand je sais que je parle de relations queer. Non seulement nous parlons de sexe et de religion, mais particulièrement d'amour queer, et particulièrement d'amour queer entre deux femmes, car historiquement, la religion a un énorme problème avec l'idée que les femmes prennent du plaisir au sexe. Donc dans cette chanson, je voulais vraiment pousser cette idée aussi loin que je le pouvais et m'amuser avec l'absurdité de l'idée. Et j'ai aussi fait cela dans la vidéo, en créant cet autre monde absurde où je pouvais être une papesse en tant que femme et être en charge d'un couvent de nonnes lesbiennes.

À cause de l'oppression de la culture hétérosexuelle et patriarcale, il est rare qu'une œuvre d'art queer soit considérée comme universelle. Et pourquoi était-il important pour vous d'inclure cet élément d'universalité dans l'album ?

Toute ma vie, plus ou moins jusqu'à ces cinq ou six dernières années — à part Tegan et Sara — j'écoutais de la musique pop faite par des personnes hétérosexuelles sur des relations hétérosexuelles. Je tordais des choses dans ma tête pour m'identifier. Donc je changeais les pronoms, je ne les changeais pas nécessairement et je les chantais à voix haute, mais dans ma tête, même si je ne changeais jamais le pronom, dans mon esprit, si une personne chantait sur un homme, je l'imaginais en tant que femme, parce que c'est juste qui je suis. J'écoute Bon Iver et je pleure. Je ne l'écoute pas en me disant, « Eh bien, c'est un homme hétéro vivant dans une cabane dans les bois, je ne peux pas du tout m'identifier à cela. »

L'universalité est importante pour moi, et elle est importante pour toute la musique, car c'est comme cela que les gens s'y identifient. Si les gens ne peuvent pas s'identifier à quelque chose, alors quel en est le sens ? Mais je crois que parfois, ce qui est contre-intuitif est ce qui rend l'art identifiable. Certainement avec beaucoup de musique pop, les gens se disent, « OK eh bien, pour être identifiable, cela doit être très simple et non spécifique avec des paroles très basiques que n'importe qui pourrait chanter, donc peu importe. » Et je pense que parfois, être plus spécifique aide les gens à se connecter davantage. C'est quelque chose que j'ai fait dans toute ma musique, mais particulièrement sur cet album, je donne des détails extrêmement spécifiques. J'espère qu'en étant plus spécifique, les gens s'y identifieront davantage.

Votre premier album était plus synthétique et plus solitaire, pouvez-vous parler de ce changement sonore et comment cela a informé cet album ? Même le romantisme et la sexualité des formes funk et R&B présentes ici se démarquent immédiatement.

Lorsque j'ai commencé à faire l'album, je venais de tomber amoureuse, j'écoutais une musique très différente de celle que j'écoutais lorsque je faisais le premier album. J'écoutais beaucoup de musique soul, et de soul des années 70, de folk des années 70, je venais de redécouvrir Joni Mitchell de manière significative, toutes les chansons de Minnie Riperton que je n'avais pas réalisé qu'elles existaient. J'écoutais une musique très différente et j'étais vraiment excitée par cela. Je pense que c'est en partie parce que j'étais à Brooklyn et que je traînais à la radio Lot et qu'il y avait tellement de disco et de soul incroyables jouées. C'était juste un peu la bande-son de ma vie à ce moment-là.

Je me suis vraiment intéressée à l'idée d'utiliser tous les instruments auxquels j'aurais été allergique lorsque j'ai fait le premier album. J'étais très excitée par l'idée d'écrire des chansons principalement au piano, et de comprendre comment utiliser encore les synthétiseurs, mais le piano serait le noyau et le point de départ de ces chansons. Et je voulais m'assurer que le maximum d'entre elles soit joué en direct. Parce que le processus de création du premier album était incroyablement solitaire. C'était moi et Joel, Joel Pott, avec qui j'ai écrit la plupart des chansons, dans une pièce ensemble dans le sud-est de Londres. Même dans la façon dont nous travaillions, nous travaillions sur une chanson, puis passions à la chanson suivante, du début à la fin. Donc même le processus de travail sur les chansons était solitaire, car nous travaillions sur une à la fois.

Tandis que sur cet album, j'ai travaillé avec le même bassiste et batteur pour l'ensemble du projet. Et j'avais déjà écrit les chansons. J'ai dit : « OK, ce sont les chansons, et c'est un peu vaguement ainsi que je vois les chansons, mais je veux que vous jouiez ensemble et que vous vous répondiez mutuellement de manière à ce que cela puisse être vraiment humain. » Donc nous avons enregistré toutes les batteries et basses ensemble. Je voulais que cela se sente plus groovy et plus humain, car l'histoire de cet album parlait de connexion humaine plutôt que d'isolement. Le premier album était très précis et aussi parfait que je pouvais le rendre. Celui-ci, je voulais qu'il soit libre et fluide, et groovy. C'était définitivement un choix d'aborder cela d'une manière différente et plus fluide, en utilisant une palette sonore différente. En partie parce que j'étais dans une situation très différente émotionnellement et géographiquement.

Quelle a été la première chanson lorsque vous avez commencé à sentir à quoi ressemblerait le deuxième album ?

La première chanson que j'ai écrite pour cet album était « religion », et il a toujours été dans mon esprit que chaque chanson que j'écrivais pour cet album devait d'une manière ou d'une autre se reconnecter à cela. Que ce soit à travers une autre chanson. Pour moi, probablement, la chanson ou le moment dont je suis le plus fière et que j'aime le plus et que je considère comme étant vraiment le cœur et l'âme de ce parcours entier est « princess leia », qui est probablement la chanson la plus différente de l'album par rapport à tout ce que j'ai fait auparavant. Et l'une des rares chansons qui ne parle pas vraiment d'amour. Mais [elle] parle de la mort, et je suppose que la raison pour laquelle la mort apparaît un peu, c'est parce que quand on aime quelqu'un, que ce soit l'amour familial ou romantique pour un partenaire, cela vous rend plus craintif de perdre des choses. Et j'ai ressenti que même si c'est, je l'espère, un album joyeux, il y a un côté légèrement plus sombre, où je suis aussi encore en train d'exploser. C'est un peu comme si le vrai moi était là, disant : « Je sais que tu es vraiment heureuse, mais tu vas mourir. » Je pense que cette chanson pour moi a été un moment vraiment spécial dans l'écriture et l'enregistrement.

Je pense que ces dualités, être plongée dans l'amour et réaliser que la perte va survenir peu importe ce qui se passe, sont quelque chose auquel je me suis connectée dans Bluets. Lorsque je l'ai vu mentionné comme partie de votre cadre d'écriture pour l'album, cela avait beaucoup de sens. Pourquoi pensez-vous qu'utiliser une couleur se prête si bien à parler de ces sentiments tendres d'amour ?

La meilleure façon de commencer à essayer de répondre à cette question est de parler de ce que le bleu signifie pour moi. C'est un mot que j'ai utilisé plus tôt, il y a un désir dans la couleur bleue, et un désir d'éternité, et je pense que cela est en partie dû à son association avec la religion. Mais il s'agit absolument de ce bleu profond et riche dont je parle, à la fois chaleureux et il y a aussi une tristesse là-dedans. Et cela renvoie à cette dualité, cette chaleur provenant de l'amour, de ces sentiments et de tomber amoureux, et cette légère tristesse que cela ne peut pas être pour toujours, même si vous deviez aimer cette personne toute votre vie, et que vous deviez être ensemble pour le reste de votre vie, il y a une tristesse qu'un jour cela prendra fin, et cela prendra fin soit parce qu'elle meurt, soit parce que vous mourrez.

Le fait de sortir du placard a-t-il changé les choses pour vous en ce qui concerne la création de musique ?

Je ne pense pas que cela ait changé les choses concernant la façon dont je fais de la musique, car même si les gens ne savaient pas au départ que j'étais gay, j'étais très ouverte dans ma vie et à mon label. Donc je ne pense pas que cela ait changé la façon dont j'ai écrit. Je sens définitivement que sur cet album — et probablement juste en conséquence d'être amoureuse et d'avoir une histoire d'amour à raconter — je me suis sentie encouragée à être spécifique ou plus explicitement queer. Mais c'est ce sentiment lorsque vous êtes amoureuse et que vous voulez en parler à tous. C'est davantage un produit d'être amoureuse qui a changé la façon dont j'écris que d'être publiquement queer. En un sens, votre sexualité a très peu à voir avec le sexe.