Les 10 meilleurs albums industriels à posséder en vinyle

Throbbing Gristle 20 Jazz Funk Greats

Throbbing Gristle a inventé la musique industrielle. En fait, ils ont inventé le terme — Industrial Records était leur label, et la phrase "musique industrielle pour les gens industriels" est devenue leur slogan, à commencer par le rapport annuel de 1977 The Second Annual Report. Bien qu'au début, ce que "industriel" signifiait n'était pas aussi bien défini. Se formant sous le nom de COUM Transmissions au Royaume-Uni au milieu des années 70, Genesis P. Orridge, Chris Carter, Cosey Fanni Tutti et Peter "Sleazy" Christopherson ont finalement adopté le nom Throbbing Gristle, réalisant des concerts provocateurs avec des images pornographiques ou violentes tout en créant une musique cacophonique, souvent accompagnée de spoken word, menant finalement à des chefs-d'œuvre d'horreur comme "Hamburger Lady" de 1978.

Leur chef-d'œuvre était 20 Jazz Funk Greats de 1979, un album qui représente Throbbing Gristle dans leur expression musicale la plus aboutie — bien que ce soit un terme relatif. La couverture de l'album montre le groupe souriant à Beachy Head, un endroit suicidaire notoire en Grande-Bretagne, un genre de mouvement de leurre qui visait à provoquer les auditeurs inattentifs feuilletant les bacs des magasins de disques. Pourtant, bien que cet album soit rude, il est aussi rythmique et souvent accessible par moments, offrant leurs interprétations d'exotica, de dub et de synth-punk minimal à la manière de Suicide. Il contient également "Hot on the Heels of Love", leur morceau disco le plus direct, empruntant largement au répertoire de tricks de Giorgio Moroder. Il y a des moments de calme relatif, même des refrains, mais chaque piste semble précaire et malaisée, chaque instant mélodique n'existant que pour créer un faux sentiment de confort — seulement pour que le groupe l'éveille une seconde plus tard.

Killing Joke: Killing Joke

Le groupe londonien de post-punk Killing Joke n’a probablement pas complètement franchi la transformation vers le metal industriel avant le début des années 90, lorsqu'ils ont sorti Extremities, Dirt and Various Repressed Emotions. Pourtant, la base de ces hymnes implacables et grinçants réside dans le stomp punk rock dur de leur album éponyme. L'album — tout en étant entièrement composé d'une formation traditionnelle de guitare, basse, batterie — est inondé de sons froids et métalliques et d'effets corrosifs. Le crépitement du synthétiseur qui introduit "Requiem" est quelque chose comme un modèle primitif pour les sons traités et séquencés que Ministry et Nine Inch Nails adopteraient plus tard, tandis que l'effet vocal désorientant et déformé de Jaz Coleman dans "Wardance" confère à la chanson un genre de terreur bizarre qui peut être rattachée à un industriel antérieur. En ce qui concerne le style industriel, le premier album de Killing Joke est plus crucial pour poser les bases que pour voir le son pleinement réalisé, mais c'est une pièce manquante essentielle.

Nurse With Wound: Homotopy to Marie

Stephen Stapleton n'est pas seulement une figure importante de la musique expérimentale, mais aussi un artiste hautement prolifique. Son catalogue compte plus de 60 albums studio, ainsi qu'une longue liste de collaborations avec des artistes de la musique industrielle (Current 93), des prototypes du genre (Faust) et ceux totalement extérieurs (Stereolab). Son chef-d'œuvre, Homotopy to Marie, est arrivé relativement tôt dans sa carrière, et est un collage sonore de 50 minutes qui associe l'esthétique de l'art de la performance duavant-gardisme de Throbbing Gristle à une sensibilité encore plus absurde et surréaliste. Peu de moments sur Homotopy to Marie ressemblent à de véritables mélodies, et ces moments viennent souvent après que l'auditeur soit conduit à travers des labyrinthes horrifiants de cymbales résonnantes, de dialogues trouvés, de portes qui grincent, de chiens aboyants et divers autres sons qui sont les plus troublants lorsque les lumières sont éteintes et que tout le reste est étrangement silencieux. Le fait qu'une si grande partie de l'album soit de l'espace vide ne fait qu'amplifier la terreur des bruits sur les boucles de bande de Stapleton. Bien que plus tard des artistes industriels fassent des motifs rythmiques de ces bruits durs et effets, Stapleton a trouvé son art dans une symphonie tordue de chaos.

Cabaret Voltaire: 2x45

Cabaret Voltaire de Sheffield a commencé comme Throbbing Gristle, à travers des spectacles d'art de la performance et des expérimentations de boucles de bande. Pourtant, le groupe — nommé d'après un club de Zurich au cœur du mouvement dadaïste au début du XXe siècle — a évolué à travers différentes phases de sa carrière, faisant une première impression avec des singles synth-punk comme “Nag Nag Nag” avant d'incorporer des sons plus sombres et plus durs qui ressemblent de plus près à l'approche intense de ce que nous connaissons aujourd'hui comme "industriel". Leur quatrième album 2x45, sorti après leurs premiers disques plus durs et le matériel plus dansant de leur période de musique corporelle électronique (EBM), est la sortie la plus créative de Cabaret Voltaire, fusionnant le punk dansant, le no wave et le militarisme lourd en électronique des premiers industriels. C'est l'un de leurs albums les plus amusants, nourri par les grooves de points forts tels que le morceau d'ouverture "Breathe Deep" et "Protection", mais c'est aussi l'un de leurs enregistrements les plus étranges et sinistres. Les voix tordues et la densité chaotique de "War of Nerves" sont un peu comme un Godflesh funky. C'est l'un des albums les plus accessibles du groupe, malgré des éléments parfois durs et, il est révélateur, a été le premier à entrer dans le classement des albums au Royaume-Uni.

Einstürzende Neubauten: Halber Mensch

Le nom d'Einstürzende Neubauten se traduit par "bâtiments nouveaux en effondrement", ce qui résume essentiellement l'éthique du groupe allemand. Ils ont pris l'idée de l'industriel à son extrême littéral, créant des sons à partir de morceaux de métal et de matériel, les bruits durs qu'ils produisaient s'alignant souvent plus avec la musique concrète qu'avec l'écriture de chansons réelle. Halber Mensch (traduction : homme à moitié) représentait une percée pour le groupe dans la mesure où leurs compositions devenaient beaucoup plus musicales, plus humaines même, même si c'était encore assez terrifiant. Le morceau titre de l'album est une pièce chorale, par exemple, mais c'est la matière des cauchemars — un septuor de voix chantant comme s'ils participaient à un rituel sectaire. "Yü-Gung", aussi abrasif qu'il puisse être, est toujours entraîné par un rythme régulier 4/4 et les aboiements vocaux rythmiques de Blixa Bargeld. Il y a même une beauté particulière dans les points forts "Seele Brennt" et "Sensucht". Dans les années à venir, le groupe embrasserait des mélodies plus conventionnelles, leurs vidéos apparaissant même une ou deux fois sur 120 Minutes de MTV, mais aucun album n'a fusionné aussi fluidement la cacophonie de leur instrumentation en métal récupéré avec de véritables chansons que celui-ci.

Foetus: Nail

J.G. Thirlwell a accumulé presque autant d'alias qu'il a d'enregistrements au fil des ans — You've Got Foetus On Your Breath, Scraping Foetus Off the Wheel, Steroid Maximus et Clint Ruin, pour n'en nommer que quelques-uns. Mais l'évolution de ses nombreux noms témoigne de sa constante créativité en tant que scientifique musical australien. Nail, son quatrième album studio sous le nom de Foetus (Scraping Foetus Off the Wheel, pour ceux qui suivent), est à la fois son plus accessible et son ensemble de musique le plus infiniment créatif. Une fusion des sons percutants et métalliques de l'industriel avec le blues, le jazz, le post-punk et même des airs de comédies musicales, l'album semble parfois être les musiques de cartoon de Raymond Scott interprétées par des robots maléfiques.

Les points de référence de Thirlwell sont nombreux et divers, empruntant à Shakespeare dans le stomp punk-blues "Throne of Agony", tandis que "Enter the Exterminator" incorpore des éléments de "In the Hall of the Mountain King" de Grieg et "DI-1-9026" fait référence à Timothy Leary. Au moment où l'album atteint la dernière piste "Anything (Viva!)", Thirlwell s'écrie : "Je peux faire n'importe quoi, bordel !" En effet.

Coil: Horse Rotorvator

La couverture de Horse Rotorvator de Coil, une image simple mais étrange d'un gazebo vide avec ses ombres s'étendant sur un champ vide, est imprimée d'une courte narration à propos d'un "immense engin de terrassement" fabriqué à partir des mâchoires des chevaux des Quatre Chevaliers de l'Apocalypse. Cela donne une bonne indication des horreurs ominieuses qui attendent l'auditeur sur l'album. Là où un artiste comme Nurse With Wound est terrifiant à cause de l'incompréhensibilité totale de ce qui se passe, Coil crée un genre de terreur similaire à partir de quelque chose de beaucoup plus accessible, voire joli. John Balance, Stephen Thrower et l'ancien membre de Throbbing Gristle Peter Christopherson trouvent de la beauté dans la dépravation et vice versa, montrant un côté horriblement tendre sur la ballade "Ostia (The Death of Pasolini)", une lamentation proto-neofolk sur le meurtre brutal du réalisateur Pier Paolo Pasolini en 1975. Il y a aussi le stomp martial punitif d'EBM sur "Penetralia" et l'atonalité glaçante dans "Blood From the Air". Une voix familière aux auditeurs de la new wave apparaît également sur le point fort de la death-blues "Slur", à savoir Marc Almond de Soft Cell, crédité sous le nom de Raoul Revere. En fait, deux ans plus tôt, Coil avait fait leur propre reprise de "Tainted Love", que Soft Cell avait rendu célèbre, avec Almond apparaissant dans la vidéo symbolisant l'Ange de la Mort.

Ministry: The Land of Rape and Honey

Les premières années de Ministry ont été consacrées à essayer à peu près tout et à voir ce qui tenait (synth-pop, nouveau romantique, goth rock), et les deux dernières décennies les ont vus s'installer dans un metal industriel lourd de politique et de punchlines. Mais au milieu des années 80, Al Jourgensen et sa bande ont trouvé leur rythme, créant essentiellement le modèle pour le rock industriel. L'industriel a historiquement eu un pied dans l'espace artistique et l'autre sur la piste de danse, mais Ministry a toujours préféré la seconde, leurs sons chargés d'échantillons créant une collision de rythmes électroniques et de guitares heavy metal.

The Land of Rape and Honey n'est en aucun cas leur album le plus épuré, mais c'est de loin leur meilleur, une explosion créative de menace d'une atmosphère sombre et de pur volume. Avec "Stigmata", ils ont créé un hymne de club pour rivaliser avec leur précédent single plus kitsch "Every Day Is Halloween", tandis que "The Missing" les a poussés davantage dans l'esthétique metal et "Golden Dawn" a évoqué une atmosphère apocalyptique et cinématographique qui évoque des images de bâtiments en ruine et de panaches de fumée. Bien que Ministry soit loin d'être le groupe le plus sérieux de l'histoire de l'industriel, ils ont été les premiers à le maîtriser comme une production à grande échelle, adaptée au grand public.

Godflesh: Streetcleaner

Justin Broadrick n'avait que 19 ans lorsqu'il a fait ses débuts emblématiques dans le metal industriel avec Godflesh, Streetcleaner de 1989. C'est un fait remarquable étant donné que cela ne ressemble pas au travail d'un adulte à peine formé — c'est le genre de son que vous vous attendrez à entendre venant d'êtres maléfiques et immortels vivant sous la surface de la terre. Là où les racines du metal industriel provenaient principalement d'artistes qui ont évolué à partir des racines post-punk précoces de l'industriel — comme Killing Joke ou Ministry — le personnel de Godflesh était déjà établi dans le metal lui-même, Broadrick ayant brièvement joué dans Napalm Death avant de ralentir le tempo et d'engager une boîte à rythmes. Streetcleaner, en conséquence, n'est en aucun cas un album de danse — c'est une série sévère de cris primaux modifiés en hauteur, de riffs de guitare éreintants et de coups de basse Roland. C'est le son d'une dystopie particulièrement sadique.

Nine Inch Nails: The Downward Spiral

Pour la grande majorité des groupes industriels pionniers, l'acceptation grand public n'était pas un facteur, et dans le cas de Throbbing Gristle, le succès crossover allait tout à fait à l'encontre de leur sensibilité provocatrice. Pourtant, pour Trent Reznor, un artiste qui a effectivement collaboré avec des membres de Throbbing Gristle, la pop et l'industriel n'étaient pas des contradictions. Rolling Stone a décrit le premier album de Nine Inch Nails Pretty Hate Machine comme "le premier album industriel de chanteur/auteur", et avec son suivi de 1994, The Downward Spiral, Reznor s'est servi de ce premier modèle pour construire un album d'art rock conceptuel cohérent, utilisant les outils de l'industriel pour façonner son son à grande échelle.

À sa sortie, The Downward Spiral a été une percée sans précédent pour la musique industrielle, mettant en avant à la fois les extrêmes maniaques du metal industriel basé sur l'échantillonnage ("March of the Pigs") ainsi que sa ballade la plus introspective et dévastatrice ("Hurt"). Par moments, l'album ressemble même à une entité robotique déambulant à travers des éclats d'étincelles, comme dans le féroce "Reptile". C'est un chef-d'œuvre de production, l'un qui a rendu l'idée de la musique industrielle universellement reconnue, grâce en grande partie au succès fulgurant du morceau érotique, "Closer". Le fait que Maxwell ait repris le morceau sur MTV Unplugged juste quelques années plus tard a marqué un moment quelque peu surréaliste où la ligne entre une culture souterraine autrefois remplie de bruit et le Top 40 s'est enfin floutée.