Flume se réinvente avec 'Palaces'

Harley Streten, mieux connu sous le nom de Flume, a été un pionnier et a contribué à populariser l'ère de la musique électronique du début des années 2010. Dès la sortie de son premier album éponyme en 2012, tous les regards se sont tournés vers son son non conventionnel. Absent de basses lourdes et rempli de pulsations erratiques et stimulantes de synthés et de fragments vocaux, c'était la première ébauche de ce qu'il pouvait produire et a fait de son nom un synonyme du genre future bass en pleine ascension. Son prochain album solo, Skin, a continué à repousser les limites tout en conservant un attrait grand public, et a remporté le prix du Meilleur Album Dance/Électronique aux Grammy Awards en 2017.

Au milieu de l'agitation de la vie citadine et des tournées incessantes qui ont accompagné le succès rapide de Streten à un jeune âge, il a également lutté contre l'anxiété et l'automédication avec de l'alcool. Avec l'accumulation de ces pressions et pour son propre bien-être, il a cherché à retourner à ses racines et est retourné en Australie, où il a trouvé son inspiration pour Palaces à travers la sérénité des Northern Rivers. Le dernier album de Streten, tout en conservant toutes les qualités techniques qui l'ont propulsé vers la célébrité, le place dans un état d'esprit différent de sa production précédente.

Dès les premières notes de “Highest Building” qui introduisent Palaces, il est évident que l'album adopte une approche plus élevée que ses précédentes œuvres, car les notes prolongées se fondent presque parfaitement avec les teintes autotunées des voix d'Oklou. Cette qualité exaltante se retrouve dans des chansons comme “Jasper's Song,” où Streten montre son talent musical organique sous la forme d'accords de piano légèrement distordus, tandis qu'une cascade de cordes met en lumière un aspect céleste inédit de sa musique. De même, la chanson éponyme “Palaces,” mettant en vedette Damon Albarn, s'épanouit en prenant le temps d'intégrer ces éléments naturels qui ont inspiré l'album en premier lieu, avec des oiseaux qui gazouillent tout au long de la chanson. C'est une belle piste qui met en avant les avantages mentaux et créatifs que Streten a trouvés en retournant en Australie au début de la pandémie. La chanson adopte également une approche plus traditionnelle dans le contexte de la discographie de Flume, en utilisant des breakbeats de manière uniforme plutôt que le choc habituel.

En plongeant dans les singles de l'album, “Say Nothing,” “Escape,” “Hollow” et “Sirens” (qui met en vedette Caroline Polachek), ressemblent le plus à l'attrait de Skin de 2016. En fait, c'est dans les chansons qui comportent des voix où Streten renonce à ses sons très expérimentaux — comme dans sa dernière sortie, la mixtape Hi This Is Flume — et se rapproche davantage de la pop, permettant aux chanteurs de guider la direction de la musique tandis que sa production les complète.

Mais néanmoins, les cacophonies expérimentales sont présentes dans des chansons comme “DHLC” et “Get U,” et c'est dans ces morceaux que Streten s'épanouit le plus — où la musique trouve son grain tout en se sentant détachée des circonstances que Streten a dû traverser pour y parvenir dans les albums et les chansons précédents. C'est aussi lors de moments comme ceux-ci dans l'album que l'influence de l'hyperpop de la regrettée SOPHIE rayonne.

Bien que le thème de la nature lui-même soit destiné à guider la musique, il tombe un peu court et manque d'un son global et cohérent. Malgré cela, Palaces trouve Streten dans son état le plus naturel et en harmonie avec lui-même en tant qu'artiste. Même sans cohésion, l'album affiche une diversité et une vision solide de la croissance de Streten, où nous, en tant qu'auditeurs, pouvons découvrir quelque chose de totalement différent de tout ce qu'il avait précédemment sorti en tant que Flume.