Una introducción a Tori Amos

Tocando música desde que pudo alcanzar un piano, la hija de este ministro de cabello ardiente ya estaba experimentando con la composición a los tres años, un proceso facilitado por el hecho de que veía la estructura de las canciones como luces caleidoscópicas, un síntoma comúnmente asociado con la sinestesia sonido-color. No mucho después, fue enviada al prestigioso Conservatorio Peabody de Música de Baltimore, una relación que no estaba destinada a durar. Con el amor de Amos por el rock y el pop demostrando ser incompatible con un ambiente tan conservador, los años de adolescencia de la incipiente músico fueron dedicados a perfeccionar sus habilidades en varios bares gay y piano bares antes de mudarse a Los Ángeles para perseguir sus sueños.

A pesar de asegurar rápidamente un contrato de seis discos con Atlantic Records, no fue un camino fácil hacia la estrellato del alt-rock, un proyecto titulado Y Kant Tori Read, mejor olvidado, hizo poco para insinuar el material crudo y empoderador que seguiría. Con su esfuerzo de synthpop impresionando ni al público ni a su discográfica, Amos tuvo que volver a la mesa de dibujo. Lo que siguió fue una serie de lanzamientos que simultáneamente encajaron con el movimiento de rock alternativo en explosión mientras también chocaban contra su naturaleza apática.

Al aprovechar abiertamente su educación religiosa, la lucha por la identidad y el despertar sexual como fuente de inspiración, Amos buscó valientemente explorar la experiencia humana a través de la política de género, la memoria y un buen toque de misticismo. Siguiendo ferozmente sus propios instintos, trazó un camino distintivo en una industria superpoblada de hombres enojados blandiendo guitarras. Sus detractores la llamaron una copia de Kate Bush, otros se quejaron de que sus letras y su persona no eran lo suficientemente accesibles, pero esto hizo poco por detener a la compositora que acumulaba un ejército de “Toriphiles”, ocho nominaciones al Grammy y un puñado de sencillos peculiares. En esencia, ella se convirtió en el dedo medio sin tonterías que los adolescentes alienados necesitaban contra la masculinidad tóxica.

Hasta el día de hoy, sigue siendo una artista ferozmente independiente que solo un tonto subestimaría. Con 15 álbumes de estudio en su haber, hay muchos estados de ánimo y tonos por explorar. Aquí hay un buen punto de partida.

Little Earthquakes (1992)

Con su banda anterior realmente muerta y sepultada, a Amos le tomó más de un año de ajustes convencer a Atlantic de respaldar su esfuerzo en solitario; fue tiempo bien empleado. Al tomar todo lo malo, todos los pasos en falso y toda la hipocresía de los años anteriores, Amos aprovechó algo crudo e ineludible. Acompañando su trabajo de piano fascinante y sus vocales apasionadas, las letras están llenas de imágenes bíblicas, sexo vacío y un deseo de sentirse feliz en su propia piel. Desde el jugueteo en “Silent All These Years” hasta el desgarrador relato biográfico “Me and a Gun”, las 12 canciones del álbum nunca se sienten menos que brutalmente honestas.

A los 28 años, Amos finalmente había encontrado su voz y, al hacerlo, se convirtió en una verdadera estrella de culto en el Reino Unido, alcanzando el Top 20 de las listas, y recibió críticas entusiastas en Estados Unidos. Como dijo a Rolling Stone en 2009: “Este fue un verdadero punto de inflexión para reclamar qué tipo de vida quería vivir. Fue un verdadero comienzo”. Fue un lanzamiento exclusivamente personal que ayudó a limpiar el exceso de los años 80 y a abrir la puerta a las compositoras que pronto seguirían.

Under The Pink (1994)

Con su base de fans ya firmemente asegurada, Amos se retiró a Nuevo México para crear el acústicamente guiado Under The Pink. Aunque claramente abrazando sus comienzos clásicos, Amos optó valientemente por inyectar una actitud de la era del Grunge en un esfuerzo de segundo año lleno de melodías susurradas y cuerdas amplias. El sencillo “Pretty Good Year” utilizó la dinámica de volumen-alto-volumen-bajo típica de los Pixies con gran efecto, mientras que la arrogante “God” apunta claramente al Todopoderoso, sugiriendo quizás que nuestro creador podría necesitar la ayuda de una mujer. El cerebro detrás de Nine Inch Nails, Trent Reznor, incluso hace una aparición especial, agregando voces de fondo sutiles al favorito de los fans “Past The Mission.”

El verdadero punto central del álbum, sin embargo, es “Cornflake Girl,” la canción más conocida de Amos que sigue sonando tan fresca como cuando fue grabada. El gospel, el pop barroco y el buen viejo rock 'n' roll se fusionan para crear una de las canciones más distintivas que jamás hayan alcanzado la cima de las listas. A pesar de que casi la mitad de las canciones pasan la marca de los cinco minutos, Under The Pink vendió más de 2 millones de unidades en todo el mundo y consolidó a Amos como una de las escritoras más originales de la era, una declaración segura de sí misma de una artista ahora plenamente consciente de sus poderes.

Boys For Pele (1996)

Presentando dioses volcánicos, la lactancia de cerditos y Lucífero en persona, es justo decir que Boys For Pele es la obra de una psique enfurecida con el statu quo. Las relaciones en desintegración y los hombres generalmente siendo idiotas forzaron a Amos a replantear el patriarcado y, en el proceso, su propio arte. Los resultados fueron su disco más implacable y emocionante. Su primer lanzamiento auto-producido, el tercer álbum de Amos lanza audazmente clavecín, toques de jazz e incluso algunos ritmos industriales sobre una odisea de 18 pistas como ninguna otra.

Difícil de entender para algunos fans en ese momento, la naturaleza atrevida y la influencia feminista del disco solo han comenzado a ser verdaderamente apreciadas recientemente, un ensayo de la serie 33⅓ dedicado al lanzamiento seminal está actualmente en proceso. Con números de pistas que hacen referencia a la mitología egipcia y drogas psicodélicas ayudando en el proceso de escritura, hay mucho que desempacar. Es una escucha cautivadora, como Amos dijo al Daily News en ese momento: “A veces, la furia de esto me hacía retroceder, comencé a vivir estas canciones mientras nos separábamos. El vampiro en mí salió”. Es su declaración artística más salvaje en una carrera llena de grandes ideas.

Scarlet’s Walk (2002)

En su primera colección de material nuevo de este siglo, Amos demostró que su destino no estaba ligado al de sus contemporáneos ni a su anterior discográfica, optando por lanzar un álbum conceptual explorando la América posterior al 11 de septiembre. Un viaje de carretera auditivo de algún tipo, el séptimo lanzamiento de estudio de Amos la ve asumir la personalidad de la titular Scarlet mientras explora su tierra natal. Hay glamour, historia nativa americana, erotismo, aviones, taxis y una saludable mezcla de lo sagrado y lo maldito.

Con más de una década pasando giras por el mundo, Amos aprovechó esta oportunidad para explorar la variada historia de los Estados Unidos y sus personajes de una manera que es a la vez biográfica y fantástica. Marcando una nueva fase de su carrera, es una escucha notablemente más relajada en comparación con su trabajo anterior, pero una que recompensa al público con repeticiones. El fuego antiguo había sido reemplazado con un sentido de nostalgia y con el tiempo el viaje de Scarlet se convierte en el tuyo propio.

Night of Hunters (2011)

Álbumes de Navidad, reversiones orquestales y musicales han llenado la agenda de Amos en la última década. Su pasión por la experimentación nunca ha menguado, con Night of Hunters tal vez como su lanzamiento más singular de los últimos 15 años. Tomando inspiración de composiciones originales de Chopin, Bach, Schubert y más, Amos reformuló algunas de sus piezas más icónicas y añadió sus propios temas característicos de maternidad y mitología. Eligiendo a su antojo a sus músicos favoritos de la Filarmónica de Berlín y otros, el décimo segundo lanzamiento de Amos es una escucha grandiosa, que captura el misterioso poder de la naturaleza con facilidad.

Su primer álbum en prescindir verdaderamente de cualquier toque moderno, sus 14 pistas acústicas solo resaltan lo increíble que es la pianista icónica. Tres décadas en una carrera que podría describirse justamente como crossover clásico, el sombrío Night of Hunters encuentra a la compositora abrazando verdaderamente la etiqueta por primera vez. A veces elevado, otras veces lacrimógeno: Amos una vez más demuestra que, sin importar la forma, su capacidad para conectar emocionalmente con su audiencia es rara vez igualada.