Música en las películas y el espacio que ayudan a representar

Hay una emoción esotérica al conducir por una carretera vacía con las ventanas bajadas, mientras el olor del crepúsculo se introduce en tu coche y el sol se pone a tu lado, o sentado en un día de verano en un césped verde observando tu entorno, todo mientras escuchas una canción que hace que el ambiente se sienta afortunado. Hay películas que logran transmitir estos momentos meditativos en la pantalla, haciéndolos sentir tangibles. A menudo utilizan tomas largas y dimensionalidad que nos permiten disfrutar de los colores, la composición, la iluminación y los sonidos. Cuando estas películas tienen bandas sonoras o partituras que se alinean con el espacio mostrado dentro de la composición, todos nuestros cinco sentidos se despiertan al centrarnos solo en dos, y es entonces cuando olvidamos que estamos sentados en una habitación oscura llena de extraños y comenzamos a explorar sus mundos.

El espacialismo, un movimiento artístico fundado por el artista Lucio Fontana, buscaba sintetizar color, sonido, espacio, movimiento y tiempo en un nuevo tipo de arte. Fontana dijo: “No quiero hacer una pintura; quiero abrir el espacio, crear una nueva dimensión, vincularme con el cosmos, a medida que se expande sin cesar más allá del plano restrictivo de la imagen.” Algunos artistas solo pueden intentar sintetizar todo esto en uno solo fuera del cine. Sin embargo, no hay mayor sentimiento que estar completamente absorto en una buena película.

Las siguientes películas utilizan el espacio armonizando música e imagen para profundizar en su narrativa. En el libro de Robert Irwin, A Conditional Art, dice: “Cada día experimento una serie de cosas que superan cualquier arte que he conocido. No están sujetas a ningún ser particular y, a veces, de hecho, la mayoría de las veces, duran solo un momento. Su continuación radica en el hecho de que en un tiempo experimentaré otra. Cada uno de estos fenómenos perceptivos no está hecho de una sola cosa, sino de un complicado solapamiento, un todo interactivo — a veces las partes convergentes de muchos todo separados.” Estas películas utilizan una banda sonora musical para recordarnos los momentos bellos y efímeros.

Paris, Texas

“La emoción de combinar música e imágenes realmente me motivó a continuar más con el proceso de contar historias”, dijo el director Wim Wenders. Wenders perfeccionó esta combinación en su película de 1984, Paris, Texas. La película comienza con la inmensidad de tonos marrones y cielos azules en los desiertos de Texas, con el protagonista, Travis, vagando solo con una gorra de béisbol roja y un galón de agua. Acompañando la vasta tierra abierta está “Paris, Texas” de Ry Cooder, una canción minimalista de guitarra slide en blues. Cada nota está espaciada, vibrando a través del espacio entre y resonando a través del paisaje que vemos, reflejando la soledad de Travis. Tanto Cooder como Wenders dejan claro que no estamos aquí para escapar de la realidad de nuestras vidas y emociones diarias, sino para profundizar en ellas.

Durante los primeros 26 minutos de la película, Travis permanece en silencio; la desgarradora música de guitarra que acompaña el rostro de Harry Dean Stanton nos cuenta una historia propia. A lo largo de la película, hay una abundancia de silencio. La guitarra blues entra lentamente cuando el ambiente se siente adecuado, pasando desapercibida mientras nos adentra más en las emociones de Travis, que se siente perdido y está buscando algo que no está del todo seguro de lo que es. Las imágenes están llenas de azules y rojos en paisajes occidentales vacíos, resonando con el sentido de pérdida y frustración de la música.

Woman In The Dunes

Otra película que te envuelve en la frustración es la película existencial del director japonés Hiroshi Teshigahara, que reinterpreta el mito de Sísifo, Woman in the Dunes, musicalizada por el compositor japonés Toru Takemitsu. Niki, un entomólogo, se encuentra atrapado con una mujer dentro de un gran agujero en las dunas de arena en Japón, después de que algunos aldeanos le ofrecieron un lugar donde pasar la noche y lo descendieron con una escalera de cuerdas. La mujer lo alimenta y luego procede a excavar arena tras entablar una conversación amistosa. Ella excava, llena bolsas de arena y las envía a los aldeanos hasta el amanecer.

La mañana siguiente se despierta y descubre que la escalera ha desaparecido repentinamente y un acorde estridente suena. Los intentos de escalar la arena solo hacen que caiga más. La música hace que el espacio en el que se encuentra el personaje se sienta mucho más cerrado y pone el peso de la necesidad de escapar sobre el espectador.

La mayor parte de las dos horas y media de la película es silenciosa; la música solo suena durante quizás unos 20 minutos en total. Cada vez que la arena se despliega de manera impredecible con hermosos planos en primer plano de la arena en capas, suena la música y los sonidos distorsionados de drones, cuerdas, flautas y arpas se superponen y complementan las imágenes, creando una acumulación de suspense.

Call Me By Your Name

El espacio representa mucho más que solo una ubicación en todas las películas de Luca Guadagnino; es especialmente obvio en “Call Me By Your Name”: el espacio entre los personajes, el espacio en el que se encuentran, el espacio que necesitan y el espacio que se nos da como espectadores. La película nos sitúa en un paisaje del norte de Italia, presenciando el romance secreto entre Oliver y Elio. No podemos hablar. No podemos juzgar. Solo podemos sentarnos y apreciar la sensación de enamorarnos de otro.

“Creo que el espacio es un personaje en mi película. Ya sea Italia o cualquier otro lugar. Me aseguro de que tú, como audiencia, puedas experimentar el viaje de un personaje en su fisicalidad y no solo en su viaje emocional. ¿Cómo entiendes a alguien si no puedes poner en contexto la figura con el paisaje?” ha dicho Guadagnino. La música de Sufjan Stevens también es un personaje añadido en la película. Coloca el peso de las emociones que Elio experimentó a lo largo de su verano sobre la audiencia durante la última escena de la película, donde Elio llora frente a la chimenea. Timothée Chalamet estaba escuchando “Visions of Gideon” de Stevens a través de un auricular mientras se filmaba la escena.

La música melancólica es una gran parte de la representación del espacio que vemos entre Oliver y Elio a través de la composición de la cámara. “Más tarde”, dice Oliver mientras se aleja, dejando a Elio solo tras darle un recorrido por Crema. En ese momento escuchamos por primera vez “Une Barque Sur L’océan de Miroirs” de Andre Laplante; de aquí en adelante suena cada vez que están separados mientras deseamos ver a Oliver y Elio juntos. Las fluidas notas llenan la distancia y crean un sutil deseo por Oliver en la audiencia.

La música en “Call Me By Your Name” realza la sensación de recoger un durazno maduro y morderlo, de ver la brisa golpear las hojas de un árbol, de saltar a un río frío en medio de la noche, todo mientras se está enamorando. Cuando la vida se siente emocionante y el tiempo parece irrelevante.

Aún hay muchas más películas de las que podríamos hablar que cuentan con compositores como Brian Eno, Ryuichi Sakamoto y Angelo Badalamenti, quienes han creado partituras que demuestran que el cine tiene el poder de tomar dos sentidos y activar los cinco. Como ha dicho Sakamoto: “¿Por qué quiero tocar mucho más despacio que antes? Porque quería escuchar la resonancia. Quiero tener menos notas y más espacios. Espacios, no silencio. El espacio es resonante, sigue sonando. Quiero disfrutar de esa resonancia, escucharla crecer, luego el siguiente sonido y la siguiente nota o armonía pueden llegar. Eso es exactamente lo que quiero.”