Las colaboraciones robustas y las historias en capas de 'Heavy Light'

“Creo que la retrospección es una herramienta que debe permanecer constantemente afilada,” le dice a Vinyl Me, Please.

También ha estado pensando mucho en su propia historia artística. Remy comenzó U.S. Girls en 2007 y lo llevó como un proyecto en solitario durante aproximadamente una década, colaborando con otros músicos y personal de estudio para sus grabaciones, pero principalmente actuando en vivo sola. Las cosas cambiaron drásticamente para In A Poem Unlimited, ya que Remy trajo un equipo de 20 músicos de sesión para el disco y luego tocó las canciones en vivo con un conjunto de ocho personas. Los conciertos de U.S. Girls pasaron de tener a Remy en el centro de atención a una explosiva juerga de solos de guitarra salvajes, robustos coros de fondo, un saxofón ensordecedor y una sección rítmica hipnótica.

De repente, ya no era solo un esfuerzo en solitario, sino una banda completamente formada, y Remy quería llevar esa sensibilidad en vivo a su nuevo disco, Heavy Light. Mientras que una canción de Poem como “Time” suena desenfadada y suelta, ese álbum en realidad se grabó con nueve personas durante tres días y luego se modificó durante meses; todos los doblajes, coros de fondo, producción vocal y muchos de los instrumentos auxiliares se grabaron por separado.

“Fue un disco muy manipulado,” dice Remy. “Sabía que no quería hacer eso de nuevo; realmente quería hacer un álbum donde todo se grabara tal cual. Para este proyecto de hecho tuvimos 15 personas grabando a la vez. Hicimos la grabación del disco en ocho días, así que todo lo que está en ese disco se hizo en ocho días por esas personas.”

Mientras empujaba su sonido hacia adelante en ese sentido, también quería hacer referencia a los primeros días del proyecto. Las canciones “Overtime,” “State House,” y “Red Ford Radio” son en realidad versiones re-trabajadas de temas más antiguos de U.S. Girls, y uno de los coescritores con los que Remy trabajó fue su amiga de mucho tiempo Basia Bulat, con quien siempre quiso colaborar. Los temas tratan en gran medida sobre la infancia de Remy y contienen innumerables reflexiones sobre el envejecimiento en lo que respecta a su vida. Pero comienza con el ardiente disco “4 American Dollars,” una canción que rechaza humorísticamente la idea misma de la moneda frente a una economía en decadencia y un planeta en llamas. No es una reflexión sobre la historia existente, sino una reacción enérgica a la futilidad del materialismo — un intento de influir positivamente en nuestras historias futuras aceptando la fugacidad del tiempo. Heavy Light está lleno de capas densas como esa.

Charlamos con Remy sobre aprender a trabajar con tantos colaboradores, hacer referencia a su prolífico pasado y algunas de las pistas conceptualmente más interesantes en Heavy Light. Nuestra conversación ha sido condensada para mayor claridad:

Considerando que hiciste este proyecto sola durante tantos años, ¿hubo una curva de aprendizaje para ti tener que dirigir y encargarte de todas estas personas?

Sí, nunca podría haber hecho esto hace diez años. Habría estado tan fuera de mi alcance que no habría sido posible. Una de las principales cosas que contribuyeron a que siquiera pudiera hacer esto fue tomar lecciones de canto. Cuando empecé a hacer eso, realmente me mostró en qué soy buena, cuáles son mis fortalezas. También me dio mucha confianza, lo que me permitió estar abierta a trabajar con otras personas.

Mis suegros son cineastas y aprendí mucho de ellos sobre cómo organizar a las personas. Cómo tratar bien a las personas cuando estás trabajando con ellas para que sean lo más eficientes posibles. Lo que significa un horario de trabajo humano, significa comida, significa descansos. Es solo una acumulación de adquirir más habilidades, tener más experiencia y simplemente envejecer.

Sé que también trabajaste con dos coescritores en este disco, Basia Bulet y Rich Morel. ¿Por qué seleccionaste a esos dos escritores en particular?

Bueno, es interesante porque revisité canciones más antiguas que también fueron escritas con otras personas. Pero los dos principales coescritores del disco, Basia Bulet y Rich Morel, fueron decisiones evidentes para mí. Había escrito con Rich en Poem, escribí “Rosebud” y la canción “Poem” con él, y tenemos una relación de trabajo excelente y muy fácil.

Con Basia, ella es mi amiga más querida y siempre habíamos querido hacer un disco juntas y finalmente se presentó esto como el momento para hacerlo. Y ella fue invaluable en el proceso. Me aparté de las personas con las que había estado trabajando realmente y haciendo discos en los últimos años. Deliberadamente me dije: “Necesito desafiarme a mí misma. Necesito trabajar con un ingeniero diferente. Necesito no trabajar con mi esposo en este disco.” Porque cuando te sientes demasiado cómodo puedes delegar demasiado a otras personas, porque sabes que lo resolverán.

Así que realmente quería desarraigarme y Basia vive en Montreal y había trabajado en este estudio y había recomendado a este ingeniero y fue una forma de trabajar muy fresca y nueva, pero también con alguien a quien conozco y en quien confío y con quien me siento segura. Así que no podría haberme desarraigado e ido a un estudio aleatorio con un montón de gente que no conocía. Necesitaba a alguien allí que me conociera y especialmente conociera mi trabajo anterior, como el trabajo previo a 4AD.

Realmente me gustan los interludios en este disco, los collages de palabra hablada. Me gustaría saber de dónde surgieron esas ideas y por qué querías incluirlas en el álbum?

Siempre hago sketches o interludios, simplemente me gusta esa forma y creo que a menudo puede ser un limpiador de paleta para la música. Pero hay tanto de mí en este disco, y estoy tan presente en él; realmente quería ceder algo de espacio a otras personas para hablar. Y también para realmente señalar a las personas que necesitamos escuchar más a los demás, incluso si es difícil. Hay una cacofonía de personas hablando y deberíamos intentar escuchar.

Se me ocurrió una lista de preguntas o propuestas para que estas personas respondieran. Y las revisé con cada persona y las grabé y me las llevé a casa y construí esos collages, y podría haber hecho un disco completo solo de eso. Había tanto material allí, tanto material hermoso y realmente crudo. Así que elegí las tres que pensé que eran las más impactantes, las más efectivas, las que encajaban con el resto del disco. Y también son preguntas que la gente respondió de manera bastante similar, lo cual me pareció interesante.

Sé que las personas con las que hablas en esos son otros músicos que contribuyeron al disco. Pero ¿habías tenido conversaciones íntimas con ellos antes de esas sesiones?

No. Quiero decir, con algunos de ellos, porque algunas de esas personas son mis muy buenos amigos. Pero simplemente hice la lista de preguntas, todos se reunieron en la sala principal y luego una persona a la vez entró en la cabina de voz —yo estaba en la cabina de control— y pregunté las preguntas a través del talkback. Y luego, cuando la persona terminaba, tenía que irse a la sala de descanso para que no contaminaran a las personas que aún no habían pasado.

Así que nadie sabía lo que iba a preguntar; no sabían si iba a ser algo profundo o superficial. Y fue fascinante ver a las personas que instantáneamente tenían respuestas, las personas que tardaron un rato en responder, las personas que eran muy reacias y no querían hacerlo y estaban obviamente incómodas y solo querían terminar. Había algunas personas que estaban en esa sala durante 20 minutos, se convirtió en una confesión, estaban muy comprometidas. Y había algunas personas que estaban allí durante dos minutos. Solo decían, “No. No lo sé. No puedo recordar.” Fue muy revelador, fue un experimento muy interesante.

Mi canción favorita del disco es “Woodstock 99,” que incluye una interpolación de la canción de Jimmy Webb “MacArthur Park.” Me pregunto por qué quisiste insertar una parte de esa canción allí?

Bueno, la canción trata sobre mi amigo que vive en MacArthur Park. Así que cada vez que iba a su casa, siempre era muy romántico. Y no lo digo en un sentido sexual, es solo un lugar muy romántico en el que encontrarse cuando conoces esa canción tan bien como yo, y es como “Vaya, estoy aquí, este es un lugar real.” Siempre imaginaba cómo era en los años 60.

La canción es sobre él, se trata de una conversación que tuvimos una vez cuando lo estaba visitando y trata sobre nuestras vidas. Nacimos con un par de meses de diferencia y tuvimos infancias similares, ambos somos músicos, pero tipos de músicos muy diferentes. Estábamos comparando y contrastando nuestras vidas y surgió Woodstock ‘99, y yo lo había visto en MTV y él lo había visto en Pay-per-view.

Y fue una conversación realmente fascinante. Fue algo realmente abierto y profundo para mí. Y no fue pesado, estábamos en una cafetería. Estábamos sentados allí, a punto de volar fuera de L.A. Pero era como si el tiempo se hubiera detenido en esta conversación y sentí que lo conocía mejor y me conocía mejor a mí misma y señalaba algo para mí sobre los artefactos culturales que consumimos y cómo eso nos forma. Y escribí la canción en el avión de regreso a casa.

Y al final canto sobre MacArthur Park: “Realmente hay algo sobre MacArthur Park.” Así que cuando se la llevé a mi amiga Basia para trabajar los acordes, fue como, “No podemos no poner esa canción original allí. Lo está pidiendo a gritos, lo está pidiendo literalmente.” Y esa canción fue escrita cuando ocurrió el Woodstock original. Estaba funcionando en todos estos niveles, y cuando insertamos esa pequeña parte de esa canción allí, realmente floreció y creó una estructura para una canción que no he escuchado muchas veces, que es esta especie de libro de alguien más con tu canción.