Sonidos de introspección: Bicep sobre su nuevo álbum 'Isles'

Su segundo álbum, Isles, extiende la tradición de Bicep, destacando su talento para descubrir discos y reinterpretar la música, mientras samplean ritmos esotéricos de R&B y disco junto a cantantes malauíes y el Coro Femenino de la Televisión Estatal Búlgara. Con la ayuda de las texturas psicodélicas y la manipulación melódica de Bicep, te sientes como si estos discos raros fueran sagrados. Y aunque cada escucha provocará un viaje emocional diferente para cada oyente, para mí, Isles suena como una euforia fantasmal.

VMP habló con ellos antes del lanzamiento del álbum para charlar sobre techno, su proceso creativo y la extraña experiencia de hacerse viral en TikTok.

VMP: ¿En qué momento surgió el tema de Isles?

McBriar: Después de terminar el álbum. Surgió de la reflexión. Después de discutir las cosas que nos inspiraron e influyeron, miramos las pistas y nos dimos cuenta de que esencialmente eran un híbrido de las islas en las que hemos vivido: Inglaterra e Irlanda. Nos estamos acercando al punto medio de estar en ambos, así que tenía sentido. Sólo vimos las influencias de la música de clubs irlandesa temprana, todos los clubs de techno y las horas escuchando trance en la radio, así como la música folclórica irlandesa. Luego, al llegar a Londres, tienes tu garage y drum & bass y jungle, cosas que nunca antes habíamos experimentado en Irlanda, o quizás sólo un poco. El álbum definitivamente refleja las influencias de ambos lados del espectro. Con Isles, tan pronto como lo dijimos y lo pensamos, realmente comenzó a tener sentido.

¿El techno era grande en Irlanda?

McBriar: Sí, enorme. Cuando decimos “enorme,” todavía estaba muy underground. Había grandes noches en Shine [uno de los clubes más legendarios de Belfast] donde tenían alrededor de 3,000 personas, y era una locura, el apetito por ello. Era una experiencia tan intensa comparada con Irlanda, que es muy conservadora, donde no sucede mucha intensidad.

Ferguson: Belfast estaba, en muchos sentidos, atrasada respecto al resto del mundo, así que tener este techno de vanguardia era una locura para nosotros cuando éramos niños; nos impactó mucho y dio inicio a nuestro amor por buscar y explorar música. Nos llevó a ser DJs y desde ahí descubrimos todo tipo de música. Fue un verdadero catalizador porque antes de eso ambos estábamos realmente en la música rock.

¿Por qué crees que el techno fue tan atractivo para la gente que vivía en Irlanda en ese momento?

McBriar: El clima (risas). Pero no, creo que es la trascendencia. También puedes liberar algo de agresividad. Hay tanto conflicto político, el clima no es genial. Y con el techno, es música para apagar el cerebro. No hay voces, solo cinco horas de ir a otro planeta. Creo que es por eso que el techno es tan popular para muchas personas, es una oportunidad para desconectar realmente e ir a tu propio lugar. Realmente tuvo sentido en Irlanda en ese momento. Recuerdo la sensación de entrar y experimentar a un par de miles de personas en una habitación, todas con la cabeza baja en la oscuridad total, y por primera vez — teníamos 17 años — fue simplemente alucinante.

¿Había muchos otros entornos donde sentiste esa falta de tensión entre católicos y protestantes en Irlanda del Norte?

Ferguson: No. Casi todo lo demás en Irlanda del Norte está politizado, es difícil pensar en algo que no lo esté. Incluso la forma en que la ciudad está dividida en diferentes distritos que son predominantemente una religión o la otra. Era una locura, la diferencia que sentías en el club. No es que necesariamente buscáramos eso, pero ciertamente se sentía como una contracultura a lo que estaba sucediendo afuera.

¿Crees que eso es algo específico del techno, su efecto despolitizador?

Ferguson: El problema es que, si miras el punk y el rock, gran parte de ello es político, pero con la música dance, escribes tu propia narrativa. Vas a tu mundo cuando lo escuchas. Todos tienen una experiencia muy diferente en un club nocturno de la que tal vez tienen en otros lugares. Creo que hay más introspección en la música dance, donde la experimentas a tu manera porque hay muchos huecos por llenar.

¿Hay alguna emoción en particular que intentes buscar en tu música?

Ferguson: Cubrimos mucho terreno. Hay días en los que uno de nosotros está enojado, o feliz, o triste, o lo que sea. No lo discutimos, simplemente jammeamos en el estudio constantemente, y luego lo que sale es el resultado de dos personas diferentes trabajando. Regularmente la gente nos dice que nuestra música es una mezcla de felicidad y tristeza; edificante pero melancólica. Estamos en una etapa en la que podemos ver eso bastante claramente, a pesar de que no es algo que buscamos activamente. Es algo que sale de forma natural, debe ser algo que está dentro de nosotros. Todavía está escrita de una manera para que la gente la interprete a su manera y emprenda su propio viaje con ella, para que puedan colocar su propio arco narrativo. Hay escenas futuristas, con algunos de los sonidos del pasado, las cosas con las que crecimos. Tenemos una afinidad natural hacia los viejos sintetizadores de los años '80.

McBriar: Nunca queremos entregar algo completamente dulce o totalmente oscuro. Es la tensión entre esas emociones. Cada vez que tenemos una pista que parece estar yendo en una de esas direcciones, nos aseguramos de llevarla a otra parte. Hay alrededor de cuatro o cinco versiones de cada pista en el álbum, y generalmente la primera versión la lleva en una dirección bastante básica, luego tomamos un poco de tiempo y la abordamos desde otro ángulo, luego tratamos de esculpir esta cosa multicapa. Naturalmente, siendo dos de nosotros, rara vez estamos en la misma página.

¿Alguna vez hay algún conflicto entre vosotros cuando hacéis música?

McBriar: Sí, no es tanto conflicto, pero si uno de nosotros se opone firmemente a un cierto elemento, entonces debemos considerar que alguien más que esté escuchando también podría oponerse, también. Si no los dos creemos en ello, entonces no será una idea que querramos mantener. Viene de ambos trabajando en entornos de diseño y comprendiendo que no debes apegarte demasiado a tus ideas porque alguien en algún departamento las va a destrozar. Si te apegas demasiado a una cierta idea o visión, entonces la mantienes demasiado cerca y afecta el resultado final en general. Estamos constantemente ajustando, cuestionando y adaptando. El enfoque debe ser colaborativo, y no hay lugar para ser egoísta. Esa es la ética de la música de todos modos, tratamos de tomar influencias de todas partes. Está destinado a ser abierto y orientado hacia lo externo. Tenemos ese mismo enfoque entre nosotros. Lo mantenemos relajado, no intimidamos al otro para hacer valer nuestro punto de vista. Hicimos 150 demos, y si uno de nosotros no le gustaba la pista, se descartaba.

Habiendo hecho tantas giras con tu debut, ¿cómo afectó eso al momento de hacer este segundo disco?

Ferguson: Sí, definitivamente. Del show en vivo, aprendimos mucho sobre lo que funciona y lo que una pista necesita para tener longevidad. Descubrimos que cuando escribíamos muchas pistas de dance cuando éramos más jóvenes, cuando intentábamos desarmarlas, solo eran tan buenas como la suma de sus partes. Nuestras pistas solo parecían funcionar como una idea completa, y cuanto más nos metíamos en el show en vivo, más nos dábamos cuenta de que las partes necesitaban ser tan importantes como la suma total. Una melodía tenía que ser lo suficientemente fuerte como para ser aislada o encajada con un patrón de batería diferente para que todavía funcionara.

McBriar: Ahora, tratamos de reinventar nuestras pistas de nuevas maneras, mientras aún podemos hacer que suene como la misma canción. Realmente encontramos que algunas pistas simplemente no se descomponen correctamente, mientras que otras canciones que hemos escrito sí lo hacen, y esas son a las que aspiramos. Las que realmente podemos desarmar y tocar en vivo. No queremos que las pistas sigan una fórmula rígida, queremos que sean fluidas y abiertas. Las pistas tendrán una segunda vida cuando vengas a vernos en vivo.

¿Qué tan importante es el sampling para vuestra música?

McBriar: Incluso en los primeros días del blog, elegíamos pistas de hip-hop e investigábamos sus samples. El viaje de encontrar los samples originales y ver cómo un músico los reinterpretaba es una gran inspiración para nosotros. Nos encanta ser abiertos y compartir música. Nuestras pistas no dependen de los samples, y no hay nada que esconder. Queremos que la gente escuche la música original, y queremos ser transparentes sobre los samples musicales que hemos usado. Tenemos una página web donde puedes leer sobre todos los samples que hemos usado en este álbum, porque realmente queríamos hacer un punto sobre por qué esta música nos ha influenciado.

¿Dirías que estás llevando el underground a las masas?

McBriar: Simplemente hacemos lo que hacemos. Ciertamente venimos de una cultura más underground, y no nos inclinamos mucho hacia lo más comercial. Es increíble si conecta a ese nivel, pero no es la razón por la que lo hacemos. Solo queremos hacer música de la forma en que queremos hacerla. Con Ninja Tune [el sello discográfico de Bicep], no te hacen comprometerte. Entregamos la música y ellos dicen “Haremos que esto funcione.” Nunca sientes que estás tratando de lograr algún objetivo comercial, nunca es una intención. Con plataformas como Spotify, la gente tiende a escuchar música más experimental y está abierta a música que está mucho más fuera de lo común, porque el algoritmo ha llevado eso a su atención. Tienes gente que no está realmente en la música dance o que no necesariamente iría a tiendas de discos a buscar escuchando música que consideraríamos más underground. Es simplemente la naturaleza de la música dance en los últimos años. Hay clubs en Grand Theft Auto tocando música dance underground. Si me hubieras dicho eso cuando era niño, diría que era la forma más comercial de cualquier música, tener un club en un videojuego.

Cuando empezasteis, no había muchas formas obvias de descubrir música underground, así que tu blog cumplía un propósito allí. ¿Cómo se siente ahora que lo underground realmente parece estar en conversación con lo mainstream?

McBriar: Todo es debido a las redes sociales y la forma en que han evolucionado. Es difícil pensar en algo que realmente sea underground ahora o que no haya sido expuesto. El mundo está tan hiperconectado ahora, pero cuando comenzamos el blog en la universidad, realmente se sentía como su propio rincón de Internet. Es por eso que el show en vivo es tan importante ahora, también, porque en nuestras cabezas sabemos que la gente conoce la música, pero la única forma en que podrán experimentar nuestra reinterpretación de ella es en un club o festival. Queremos crear estos pequeños momentos en el tiempo de esa manera, porque al menos eso te da algo que no es alcanzable en todos los sentidos.

Ferguson: Todo el mundo quiere todo ahora.

Como venís de una cultura de búsqueda de discos, que creo que es una forma muy especial de vincularse con la música, ¿creéis que ese vínculo se compromete cuando la música simplemente te la sirven en una bandeja algorítmica?

McBriar: Hay múltiples formas de verlo. Ahora más personas tienen acceso a más música, eso es probablemente algo bueno. Hace cuarenta años, había personas que solo escuchaban el top 10 y la radio mainstream, pero ahora más personas están escuchando esto. Sin embargo, debe haber más énfasis en el underground y las rarezas. Quién sabe a dónde irá el streaming, cuánto tiempo durará o cuánto tiempo los artistas mantendrán su música allí, pero sí sé que los artistas necesitan obtener más de estas plataformas.

Me interesa saber cómo os ha impactado TikTok desde que vuestra pista “Glue” se hizo viral en la plataforma?

McBriar: Habíamos oído hablar de TikTok, pero ninguno de nosotros lo tiene ni sabe nada sobre ello. Lo hemos aprendido recientemente porque sabíamos que la pista se había vuelto viral. Es bastante interesante, la idea de algo siendo viral. Originalmente, un video viral significaba que simplemente se compartiría muchas veces mientras el video sigue siendo el mismo, pero un virus real muta. Con TikTok, la música puede ser reinterpretada con diferentes visuales cada vez que se vuelve a publicar, y eso está mucho más cerca de la definición original de viral, porque siempre está cambiando. Para nosotros, no puedes evitar pensar, wow, tanta gente ha reinterpretado nuestra música. Es una plataforma diseñada para ello, donde las cosas pueden tomar su propia vida.

**A pesar de las múltiples reinterpretaciones, todos los videos que he visto en TikTok que usan vuestra pista siguen el mismo tipo de vibra. Una especie de nostalgia dolorosa.**

Ferguson: Es gracioso. La gente ha usado la canción para ambientar las calles vacías durante la pandemia, y ha provocado aún más nostalgia en la gente, lo que extrañan y lo que han perdido. Es totalmente emo. Pero ciertamente no asociamos emociones tan fuertes con “Glue.” Cuando la escribimos, la pusimos más en el lado feliz. Para nosotros, esa es la belleza de la música instrumental, que la gente puede encontrar su propio significado en ella.

¿Qué os hizo querer volver a vuestro blog de Bicep durante el confinamiento?

McBriar: Habíamos estado hablando con Olly, uno de nuestros managers, sobre ello, pero encontramos que era muy diferente esta vez. Estás constantemente luchando para que la gente siquiera vaya al blog. La tecnología se ha vuelto tan dependiente de dirigir a la gente a él, hasta el punto de que ya no tiene sentido. En el pasado, se había convertido en una especie de destino para los agregadores de blogs, entonces no necesitabas trabajar mucho para que la gente lo visitara. Ahora, se siente como mucho solo para que la gente lea una publicación. Si hubiéramos publicado algo en nuestro Instagram, habría tenido mucha más interacción. El blog simplemente se siente como una tecnología anticuada, lo cual es un poco triste porque siempre nos gustó escribir sobre música, proporcionar contexto para ella, y tratar de imaginar cómo podría ser el artista que la escribió. Podría estar muy lejos de la verdad, pero el blog siempre se sintió como un buen lugar para pintar esos cuadros, se sentía como un fanzine para nosotros. Es algo que se ha perdido en la cultura de Internet y redes sociales.

Me pregunto cómo se siente planear el lanzamiento de un álbum sin saber cuál será la condición del mundo cuando salga?

Ferguson: Para ser honesto, fue bueno establecer una fecha definitiva, porque de lo contrario podría haber sido interminable. La música todavía necesita sentirse fresca para nosotros, y retrasarla habría sido perjudicial para tener que hablar de ella o tocarla en vivo. Puede que no nos sintiéramos conectados con ella si hubiéramos dejado pasar demasiado tiempo.