Vinyl, den Sie benötigen: Der Plattenaustausch

Vinyl You Need ruft die Leute an, die in Plattenläden arbeiten, und fragt sie, welche Schallplatten sie für unverzichtbar halten. Diese Ausgabe präsentiert The Record Exchange in Boise, Idaho.

Der größte Plattenladen in ganz Idaho hat zwei Türen. Ein Eingang in der 11^ten Straße und einer in der W. Idaho Street—bieten Zugang zum musikalischen Mekka, das das The Record Exchange im Zentrum von Boise ist. Eine Tür führt Sie in ein Café, das als Boise’s erste Espressobar diente und in eine Welt von lokalen Waren, Popkultur-Tchotchkes und markeneigenen Produkten führt. Die andere hingegen führt Sie direkt in das Labyrinth der Vinylregale. An der Wand der musikalischen Seite steht eine kleine Bühne, nicht mehr als ein oder zwei Fuß vom Boden entfernt, aber prestigeträchtig genug, um Acts wie La Luz und Willis Earl Beale während des jüngsten stadtweiten Treefort Music Festival im letzten März zu beherbergen.

Da die Bevölkerung von Boise weiter wächst (das Forbes kürzlich zu einem der 20 am schnellsten wachsenden Metropolgebiete des Landes ernannt hat), sollte die Verzweiflung der Menschen nach Live- und Aufnahmemusik, Kaffee und einem Gemeinschaftsgefühl theoretisch parallel zu diesem Anstieg steigen. Glücklicherweise bedient The Record Exchange die guten Leute von Boise seit 36 Jahren und ist bereit, dies auch weiterhin zu tun. Wir haben mit fünf Mitarbeitern von The Record Exchange gesprochen, um zu erfahren, welche Schallplatten ihrer Meinung nach in Ihrer Vinylsammlung nicht fehlen sollten.

Fünf unverzichtbare Platten auf Vinyl im Namen von The Record Exchange

Rachel Prin,Käuferin

Künstler: The Clash
Album: Combat Rock
Grund: Dies war das allererste Album, das ich jemals auf Vinyl gehört habe. Richtig gehört. Mein Vater setzte mich mit einem Paar Kopfhörern hin, reichte mir die Liner Notes und ich war von den ersten klingenden Gitarrenklängen gefesselt. Nach dem Album Sandinista! von 1980 fühlt sich dieses Album wie eine wahre Rückkehr zur Form für The Clash an. Lyrisch zeigt Combat Rock einige von Joe Strummers besten Arbeiten, in denen er Vietnam, Bürgerrechte, Apokalypse, Drogenabhängigkeit und ein allgemeines Gefühl der Frustration behandelt. Und doch schafft es The Clash trotz der Schwere einiger lyrischer Inhalte, die Intensität mit einigen unglaublichen Popsongs auszugleichen. „Should I Stay or Should I Go?“ ist Pop-Gold, und ich wette, Sie können nicht zu „Rock the Casbah“ tanzen. Es gibt etwas, das beim Hören dieses Albums auf Vinyl durchkommt, das meiner Meinung nach in keinem anderen Format verloren geht. Die Intensität und Verzweiflung der Texte, die Fuzzigkeit von Paul Simonons Bass, das Twang von Mick Jones’ Gitarre und das Knurren von Strummers Stimme fühlen sich auf Wachs einfach potenter an. Mit der klassischen Besetzung zum letzten Mal ist Combat Rock wohl das beste Werk von The Clash und ein Muss für jeden Sammler.

Brion Rushton,Stellvertretender Store Manager/Indie-Käufer

Künstler: Arthur Russell
Album: World of Echo
Grund: Aufgenommen mit nichts anderem als einem Cello, einem Hallbecken und seiner sehnsüchtigen Stimme, ist Arthur Russells Album World of Echo von 1986 der Klang von traurigen Balladen, die auseinanderbrechen und ins Äther treiben. Es ist ein Muss für Leute wie Eleanor Rigby, Father McKenzie und all die einsamen Menschen.

Chad Dryden,Marketing- und Promotionsdirektor

Künstler: Leonard Cohen
Album: The Songs of Leonard Cohen
Grund: Als ich 1998 wieder in Vinyl einstieg, war dies die erste Platte, die ich kaufte. Ich war in der Uni – beeinflussbar, empfänglich und anfällig für romantischen Idealismus. Platten haben eine Art, Sie in den Regalen anzuschauen, Sie anzurufen, und The Songs of Leonard Cohen hatte mich monatelang in einem Kellerplattenladen in Athens, Ohio, umworben. Als ich sie schließlich mit nach Hause nahm, konnte ich sie nicht vom Plattenspieler nehmen. Verführerisch und mystisch, voller Bedeutung, zogen mich Cohens flamenco-gefärbte Geschichten von Herz und Fleisch immer wieder an. Ich wusste nicht, was ich davon halten sollte oder was es bedeutete, aber ich wusste, dass ich nicht so tief gelebt und geliebt hatte und es lernen wollte. Also spielte ich es weiter. Und weiter. Drehte es immer wieder um. Allein in der Dunkelheit. Unter Freunden und Philosophien und nächtlichem Nebel. Mit meiner jetzigen Frau in der Nacht, als wir uns trafen; Jahre später, als ich schließlich meine knisternde erste Kopie abgenutzt hatte, rahmte sie sie ein, hängte sie an die Wand und kaufte mir als Jubiläumsgeschenk einen Ersatz. Mit fast 40 ist The Songs of Leonard Cohen ein viel anderes, viel tiefgründigeres Hörerlebnis als mit 21. So ist das, wenn man mit einer Platte lebt. Du veränderst dich, sie verändert sich. Manchmal wird es besser, manchmal wird es schlechter. Leonard und ich teilen uns einen Geburtstag. Das gefällt mir. Und ich liebe diese Platte. Es wird immer besser.

John O’Neil,Store Manager

Künstler: Wipers
Album: Is This Real?
Grund: Punkrock trat in mein Leben, als ich ihn am dringendsten brauchte. Ich erkannte die Rückkehr des kurzen Liedes als eine gute Sache, weil ich mit der Musik meiner älteren Geschwister aufgewachsen bin. Ich hasste den bombastischen, abschweifenden Rock, dem ich durch meine Zeitgenossen ausgesetzt war, also andere Kinder. Manchmal gefielen mir Lieder, die ich im Radio hörte, aber ich war fixiert auf Jazz der Big-Band-Ära, wie Ellington und Shaw und Bob Wills und His Texas Playboys.

Ich war ein seltsames Kind.

Aufgewachsen in einem dünn besiedelten Teil von Oregon gab es nicht viele Band-Aktivitäten. Das war etwas, von dem ich dachte, dass es in New York oder London passiert. Das Erscheinen von Is This Real? zerschmetterte diese Fehlannahme. Unmittelbar, energisch und gleichzeitig düster, war es unglaublich zu hören, dass etwas in meinem Bundesstaat geschaffen wurde, das genauso großartig klang wie die Dinge, die anderswo passierten. Greg Sage, Sänger/Songwriter/Gitarrist der Wipers, war seiner Zeit voraus, indem er an Röhrenverstärker, reine Signale, Heimaufnahmen und eine Do-it-yourself-Ästhetik glaubte. Er war ein stachliger, selbstbewusster Mann mit dünnem Haar, keiner Neigung zu Kostümen oder Showbusiness (obwohl er professionelles Wrestling liebte!).

Diese Platte und ihr Nachfolger, Youth Of America, explodieren auf dem Plattenspieler in einem Rausch, mit aggressivem Vorwärtssound, repetitiven Basslinien und Lead-Gitarrenlinien statt übermäßiger Soli. Es gab sicherlich melodramatische Momente, aber das Fehlen von Bombast war erfrischend. Er inspirierte viele von uns im pazifischen Nordwesten, Gitarre zu spielen, Bands zu gründen, uns selbst aufzunehmen und voranzukommen. Und wir suchten aktiv nach den anderen Leuten in den anderen kleinen Städten, die dasselbe taten.

Das ist die Macht einer Schallplatte. Ich habe diese nie satt. Danke an Jackpot Records in Portland, dass sie sich so gut um diese Neuauflage gekümmert haben, und an Greg Sage für die Inspiration.

Catherine Merrick,Stellvertretende Geschenkartikelleiterin

Künstler: Karen Dalton
Album: In My Own Time
Grund: Nick Cave sagte einmal, dass Karen Dalton seine Lieblingssängerin sei; das war für mich Grund genug, herauszufinden, wer sie war (wenn auch viele Jahre nach ihrem Tod) und dieses Album, ihr letztes vor ihrem Tod 1993, war meine erste Einführung in sie. Von den Eröffnungsklängen von „Something On Your Mind“—einem sich wiederholenden Dröhnen, das zu ihrer einsamen, zusammengebrochenen Gesangsdarbietung führt, war ich allein von diesem Song gefesselt und der Art und Weise, wie er perfekt das Gefühl einfängt, dass jemand in der Nähe von ihnen den Schmerz erkennt, der in einer nahen Person tobt. Mit Versionen bekannterer Lieder („When a Man Loves a Woman“ und „How Sweet It Is“), war ich begeistert von Daltons Interpretationen und insbesondere von ihrem einzigartigen, fast jazzigen Phrasing, was mich manchmal fragen ließ, ob sie es „zurück ins“ Lied schaffen würde, aber sie tat es jedes Mal. Aufgenommen von vielen anderen Künstlern, wird Daltons Version von „Katie Cruel“ (ein traditionelles amerikanisch-schottisches Volkslied) oft als die beste betrachtet. Mit nur Banjo, Geige und ihrer Stimme, versetzt es Sie praktisch auf einen bewaldeten Berggipfel—die Luft schwer von Lagerfeuerrauch und nassen Blättern. Obwohl die amerikanische Version des Songs angeblich aus der Revolutionskriegszeit stammt, konnte ich nicht anders, als mich zu fragen, ob Karen sich damit auf einer persönlicheren Ebene identifizierte, da sie einst Teil der Folkszene im Pariser Dorf der 60er Jahre war (und damals hoch angesehen von Bob Dylan, unter anderen) war, aber das ist die Brillanz ihrer Stimme. Sie hatte die Fähigkeit, Lieder so tief zu interpretieren, dass man nicht anders kann, als zu glauben, dass sie über sich selbst singt. Der andere herausragende Track für mich ist „Are You Leaving For the Country“, eine entspannte, schlendernde Fusion aus R&B und Folk, mit Daltons süßer, gebrochener Stimme, die träge über den Akustikgitarren und Bass schwebt, was immer den Wunsch auslöst, ins Auto zu springen und eine alte Schotterstraße entlang zu fahren. Ehrlich gesagt, habe ich dies auch auf CD, nur zum Hören im Auto, aber die Wärme und Zerbrechlichkeit von Karen Daltons Stimme sowie die Reinheit der akustischen Instrumente kommen auf Vinyl viel besser zur Geltung. Es gibt etwas weit Magischeres daran, diese Lieder zu hören, während man auf dem Boden in einem sanft beleuchteten Raum sitzt, besonders wenn man einen Freund hat, der die gleiche Begeisterung teilt, aufzustehen und die Platte von vorne zu beginnen.