Ein Überblick über Tori Amos

Schon seit sie mit einem Klavier in Berührung kam, spielt sie Musik. Die Tochter eines Ministers mit feurigem Haar experimentierte bereits im Alter von drei Jahren mit Kompositionen, dabei half ihr die Tatsache, dass sie Songstrukturen als kaleidoskopisches Licht sah – ein Symptom, das häufig mit der Klang-zu-Farbe-Synästhesie in Verbindung gebracht wird. Bald darauf wurde sie an das angesehene Peabody Conservatory of Music in Baltimore geschickt, eine Beziehung, die nicht von Dauer sein sollte. Amos' Liebe zu Rock und Pop erwies sich als unvereinbar mit solchen konservativen Umgebungen, daher verbrachte die aufstrebende Musikerin ihre Teenagerjahre damit, ihre Fähigkeiten in verschiedenen Schwulenbars und Klavierlokalen zu verfeinern, bevor sie nach L.A. zog, um ihre Träume zu verfolgen.

Trotz des schnellen Abschlusses eines Sechs-Platten-Vertrags mit Atlantic Records war es kein leichter Weg zum Alt-Rock-Starruhm. Ein Projekt, das besser vergessen werden sollte und den Titel Y Kant Tori Read trug, deutete kaum auf das unverfälschte und ermächtigende Material hin, das folgen sollte. Da ihr Synthpop-Versuch weder beim Publikum noch beim Label Anklang fand, musste Amos wieder bei Null anfangen. Was folgte, war eine Reihe von Veröffentlichungen, die gleichzeitig in die explodierende Alternative-Rock-Bewegung passten und sich dennoch gegen deren apathische Natur auflehnten.

Indem sie offen ihre religiöse Erziehung, ihren Identitätskampf und ihre sexuelle Erwachung als Inspiration nutzte, suchte Amos mutig nach Wegen, die menschliche Erfahrung durch Geschlechterpolitik, Erinnerungen und eine gute Prise Mystizismus zu erforschen. Unermüdlich ihren eigenen Instinkten folgend, schlug sie einen markanten Weg in einer Branche ein, die mit wütenden Männern, die Gitarre schwingen, überfüllt war. Ihre Kritiker nannten sie einen Abklatsch von Kate Bush, andere bemängelten, dass ihre Texte und ihr Auftreten nicht zugänglich genug seien, aber all dies hinderte die Songwriterin nicht daran, eine Armee von „Toriphiles“, acht Grammy-Nominierungen und eine Handvoll eigenartiger Hitsingles zu sammeln. Im Wesentlichen wurde sie zum unmissverständlichen Mittelfinger gegenüber toxischer Männlichkeit, den entfremdete Teenager benötigten.

Bis heute ist sie eine kompromisslos unabhängige Künstlerin, die nur ein Narr anzweifeln würde. Mit 15 Studioalben in ihrer Karriere gibt es viele Stimmungen und Töne zu erkunden. Hier ist ein guter Ausgangspunkt.

Little Earthquakes (1992)

Mit ihrer vorherigen Band endgültig zu Grabe getragen, benötigte Amos mehr als ein Jahr des Herumprobierens, um Atlantic davon zu überzeugen, ihr Solo-Projekt zu unterstützen – eine gut investierte Zeit. Indem sie alles Schlechte, alle Fehltritte und die Heuchelei der letzten Jahre verarbeitete, stieß Amos auf etwas Rohes und Unüberhörbares. Erschütternde Klavierarbeit und leidenschaftlicher Gesang begleiten Texte voller biblischer Bilder, leerem Sex und dem Wunsch, sich in seiner Haut wohlzufühlen. Vom verspielten Klavierspiel in „Silent All These Years“ bis hin zur erschütternden biografischen Erzählung „Me and a Gun“ fühlen sich die 12 Tracks des Albums durchweg ehrlich und ungeschönt an.

Mit 28 Jahren hatte Amos endlich ihre Stimme gefunden und wurde dadurch ein waschechter Kultstar im Vereinigten Königreich, knackte die Top 20 Charts und erhielt begeisterte Kritiken in den USA. Wie sie 2009 gegenüber dem Rolling Stone sagte: „Dies war ein echter Wendepunkt in der Festlegung, welche Art von Leben ich führen wollte. Es war ein echter Anfang.“ Es war eine einzigartig persönliche Veröffentlichung, die dazu beitrug, den Überfluss der 80er Jahre abzuwaschen und die Tür für die bald folgenden weiblichen Songwriter zu öffnen.

Under The Pink (1994)

Mit einer nun fest etablierten Fangemeinde zog sich Amos nach New Mexico zurück, um das akustisch geführte Under The Pink zu schaffen. Während sie deutlich ihre klassischen Anfänge anerkannte, entschied sich Amos mutig, der Grunge-Ära-Attitüde etwas Raum zu geben und füllte ihr zweites Album mit sanften Melodien und weitreichenden Streichern. Die Single „Pretty Good Year“ nutzte das markante Laut-Leise-Laut-Dynamik der Pixies mit großer Wirkung, während das selbstbewusste „God“ klar auf den Allmächtigen zielt – vielleicht suggerierend, dass unser Schöpfer möglicherweise die Hilfe einer Frau benötigt. Nine Inch Nails Mastermind Trent Reznor gibt sogar ein Gastspiel und fügt dem Fanliebling „Past The Mission“ zurückhaltende Hintergrundgesänge hinzu.

Der wahre Mittelpunkt des Albums ist jedoch „Cornflake Girl“, Amos' bekanntester Song, der noch genauso frisch klingt wie zum Zeitpunkt der Aufnahme. Gospel, Barockpop und guter alter Rock ’n’ Roll verschmelzen zu einem der markantesten Tracks, die je die Charts eroberten. Trotz der Tatsache, dass fast die Hälfte der Lieder die Fünf-Minuten-Marke überschreiten, verkaufte sich Under The Pink weltweit über 2 Millionen Mal und festigte Amos als eine der originellsten Schriftstellerinnen ihrer Zeit – eine selbstbewusste Aussage von einer Künstlerin, die sich ihrer Kräfte nun voll bewusst ist.

Boys For Pele (1996)

Mit Vulkan-Göttern, dem Stillen von Ferkeln und Lucifer höchstpersönlich ist es fair zu sagen, dass Boys For Pele das Werk einer Psyche ist, die mit dem Status quo auf Kriegsfuß steht. Zerfallende Beziehungen und allgemein männliches Verhalten zwangen Amos, das Patriarchat zu überdenken und im Prozess auch ihr eigenes Schaffen. Das Ergebnis war ihr unnachgiebigstes und aufregendstes Album. Ihr erstes selbst produziertes Werk, Amos' drittes Album, wirft mutig Cembalo, Jazzlieder und sogar einige industrielle Beats in eine 18-Track-Odyssee wie keine andere.

Schwer zu erfassen für einige Fans zur damaligen Zeit, wird die kühne Natur des Albums und der feministische Einfluss erst kürzlich wirklich gewürdigt, eine 33⅓-Serienausgabe ist derzeit in Arbeit. Mit Tracknummern, die auf ägyptische Mythologie Bezug nehmen und psychedelischen Drogen, die den Schreibprozess unterstützten, gibt es viel zu entpacken. Es ist ein fesselnder Hörerlebnis, wie Amos der Daily News damals sagte: „Manchmal musste ich zurücktreten, so wütend war ich, diese Lieder zu leben, als wir uns trennten. Der Vampir in mir kam heraus.“ Es ist ihre wildeste künstlerische Aussage in einer Karriere voller großer Ideen.

Scarlet’s Walk (2002)

In ihrer ersten Sammlung von neuem Material in diesem Jahrhundert bewies Amos, dass ihr Schicksal weder mit dem ihrer Zeitgenossen noch ihres ehemaligen Labels verknüpft war und entschied sich dafür, ein Konzeptalbum zu veröffentlichen, das das post-9/11 Amerika erkundete. Eine Art Hörerlebnis-Roadtrip, Amos‘ siebtes Studioalbum sieht sie in die Rolle der namensgebenden Scarlet schlüpfen, während sie ihr Heimatland erkundet. Es gibt Glamour, Geschichte der amerikanischen Ureinwohner, Erotik, Flugzeuge, Taxis und eine gesunde Mischung aus Heiligen und Verdammten.

Mit mehr als einem Jahrzehnt Welttournee nimmt Amos diese Gelegenheit wahr, die vielfältige Geschichte der USA und ihrer Charaktere auf eine Weise zu erforschen, die ebenso biografisch wie fantastischer Natur ist. Es markiert eine neue Phase ihrer Karriere, es ist ein merklich entspannteres Hörerlebnis im Vergleich zu ihren früheren Werken, aber eines, das das Publikum mit wiederholten Hördurchläufen belohnt. Das alte Feuer wurde durch ein Gefühl der Nostalgie ersetzt und im Laufe der Zeit wird Scarlets Reise zu Ihrer eigenen.

Night of Hunters (2011)

Weihnachtsalben, orchestrale Überarbeitungen und Musicals haben Amos' Zeitplan in den letzten zehn Jahren gefüllt. Ihre Leidenschaft für Experimente ist nie erlahmt, mit Night of Hunters steht vielleicht ihr einzigartigstes Werk der letzten 15 Jahre dar. Inspiriert von Originalkompositionen von Chopin, Bach, Schubert und mehr, arbeitete Amos einige ihrer bekanntesten Stücke um und fügte ihre eigenen Markenzeichen-Themen von Mutterschaft und Mythologie hinzu. Ausgewählte Lieblingsmusiker aus der Berliner Philharmoniker halfen dabei, Amos' 12. Veröffentlichung zu einem großartigen Hörerlebnis zu machen, das die mysteriöse Kraft der Natur mühelos einfängt.

Ihr erstes Album, das wirklich auf moderne Elemente verzichtet, heben seine 14 akustischen Titel nur hervor, welch herausragende Pianistin die Ikone ist. Drei Jahrzehnte in einer Karriere, die treffend als klassische Crossover beschrieben werden kann, findet das düstere Night of Hunters, dass die Songwriterin erstmalig das Label wirklich umarmt. Zu Zeiten schwebend, zu anderen tränenreich – Amos beweist erneut, dass egal in welcher Gestalt, ihre Fähigkeit für eine emotionale Verbindung mit ihrem Publikum selten erreicht wird.