Schreiten Sie ein in die unangenehme Psyche der Scham

Innerhalb der imposanten Mauern der La Frette Studios in Frankreich nahmen diese jungen Männer ihr heiß erwartetes zweites Album zusammen mit James Ford auf, der vor allem für seine Arbeit mit den Arctic Monkeys, Florence and the Machine und The Gorillaz bekannt ist. Während die Welt draußen versuchte, das Ausmaß dessen zu begreifen, was schließlich die Musikindustrie erschüttern sollte, arbeitete Shame gerade daran, sich an das neue Umfeld zu gewöhnen und Drunk Tank Pink zu schaffen, eine Dekonstruktion von Verletzlichkeit und Isolation, die weitaus passender wurde, als sie es erwartet hatten.

Wenn ihr Debütalbum Songs of Praise von Wachstumsschmerzen und Politik handelte, ist Drunk Tank Pink das Ergebnis eines Umgangs mit Gefühlen der Verwirrung, Wut und Traurigkeit. „Ich wollte kein selbstverliebtes Album schreiben“, gesteht Steen, „aber das war alles, worüber ich zu dieser Zeit schreiben konnte. Schreiben ist meine Therapie; es ist kathartisch für mich. Früher war das nicht unbedingt der Grund.“

Trotz des überwältigenden Presseechos, das sie früh in ihrer Karriere als politische Punk-Lieblinge bezeichnete, versuchte die Band ihr Bestes, sich gegen diese Titel zu wehren, da sie keine Ehrentitel akzeptieren wollten, die sie nicht verdient fühlten. Sogar im Fall des Titels „Rockstar“ sagte Steen, dass dieser Titel „verbrannt“ werden sollte, da er einen Lebensstil repräsentierte, der heute nicht annähernd so erreichbar ist, einen von Kokain-Gelagen und Reisen um die Welt in einem klapprigen Van. Er bezeichnet das hymnenhafte Power-Punk-Debüt der Band als „äußerlich, mit vielen Beobachtungen und Charakteren“ im Vergleich zum introspektiveren Nachfolger, der nach zwei Jahren Tournee folgte.

In dieser Zeit, kombiniert mit dem ohnehin geringeren Alkoholalter außerhalb der Vereinigten Staaten, begann Shame viel mehr zu trinken, um mit dem rigorosen Tourneeplan und dem neugewonnenen Ruhm umzugehen. Er erinnert sich gern an seinen berüchtigten gefälschten Ausweis, der mit dem Alias „Dean Charleston“ versehen war, den er auf ihre erste Nordamerika-Tour mitnahm. Er funktionierte in 27 Bundesstaaten. Als er nach Hause zurückkehrte, wurde dieser neue Kreislauf der Musik klar: ein Album schreiben, touren und Presse machen, nach Hause zurückkehren, und wiederholen.

„Ich floh vor der Gesellschaft von mir selbst. Ich versuchte alles zu tun, um nicht allein zu sein“, sagte Steen. So begann das Schreiben aus der Notwendigkeit heraus, sich diesem Unbehagen zu stellen. „Der ehrlichste Teil eines jeden Tages ist die Zeit vom Zubettgehen bis zum Einschlafen, und man hat diese Zeit, um zu reflektieren, zu bereuen und zu analysieren“, sagte er. „Es ist nur Sie. Natürlich hilft Alkohol, diese Situation zu löschen.“

Das Ergebnis war eine Phase ironisch freiwilliger Isolation, innerhalb der Grenzen eines Schrankes, wo Steen die Grundlagen des neuesten Projekts der Band schrieb. Benannt nach einem widerlich lebhaften Pink, das an den kreidigen Hustensaft der meisten Kindheiten erinnert und auf die Wände psychiatrischer Einrichtungen und Gefängnisse gleichermaßen aufgetragen wird, um angeblich beruhigende Effekte zu erzielen, ist Drunk Tank Pink eine Lupe auf das Unbehagen der eigenen Psyche. Voller Wiederholungen, die mehr wie persönliche Beruhigungsmantren als Kneipengesänge klingen, gibt es eine zugrunde liegende Angst auf der Platte, die selbst in den lautesten Gitarrenriffs durchscheint. Dies ist das Ergebnis einer Identitätskrise Steens nach dem Erfolg ihres Debüts. „Ich lernte immer noch, meinen Beruf bei Shame von meiner eigenen Identität zu trennen und herauszufinden, wer ich war“, sagte er.

Titel wie „6/1“ zeigen Steens schmerzhafte, aber kraftvolle Vereinfachung der menschlichen Psyche mit der Eröffnungszeile: „Ich repräsentiere alles, was ich hasse / Doch ich bin die Person, die ich immer sein wollte.“ Das Spektrum der Band weitet sich auf Drunk Tank Pink nicht nur textlich, sondern auch klanglich. Ob es sich um die straffe Post-Punk-Perkussion und die hallenden Gitarren bei „Nigel Hitter“ und „Snow Day“ oder das blues-inspirierte „Great Dog“ handelt, dieses Album zeugt von einer raffinierten Reife, die normalerweise nicht von so jungen Talenten stammt.

Jedoch war es in meinen zweistündigen Gespräch mit Steen leicht, sein Alter zu vergessen. Er erinnert an Charles Bukowski, indem er über sich selbst mit derselben Selbstironie spricht und über die kleinen Dinge des Lebens auf die faszinierendste Weise philosophiert. Er teilt seine Büchersammlung mit mir mit einem Funkeln in den Augen, streichelt die Einbände der Romane von James Baldwin und Paul Auster, die er verschlingt. Seine Worte sind mit Poesie-Referenzen und Autorenzitaten durchzogen, die mit einer warmen Bescheidenheit vorgetragen werden. Auf der Bühne hingegen ist Steen einer für Theatralik und bemerkt, dass „das Performen meine Hauptrolle in der Band ist, wo ich mich am wohlsten fühle.“ Mit seinem breiten Lächeln und schweißgetränkter Kleidung, kontrastiert seine Live-Präsenz den Mann, der in Dunkelheit gehüllt bei einer Tasse Tee über ein Last-Minute-Zoom-Gespräch brütet.

Mit dem Druck des Ruhms, internationalen Tourneen und der ganzen Welt, die auf Sie schaut, um ein Genre aus der vermeintlichen Dunkelheit zu retten, ist es schwer, einen Panikschalter zu finden. Ins Rampenlicht gerückt am Ende ihrer prägenden Jahre, beginnt Shame endlich, das Netz aus Unsicherheit, Erwartungen und schlechten Gewohnheiten zu entwirren, das mit der Intensität des Musikerlebens einhergeht. Für Steen jedoch ist es nichts, was ein Baldwin-Buch, eine Tasse Tee und ein widerlich pinker Schrank nicht beheben können.