Lassen Sie uns vorsichtig in Mitskis Laurel Hell tanzen

„Lass uns vorsichtig in die Dunkelheit treten. Sobald wir drinnen sind, werde ich meinen Weg zurückerinnern“, verspricht Mitski den Zuhörern in der Eröffnungszeile ihres neuen Albums, . Es gibt eine kleine Verzögerung zwischen den doppelten Gesangsspuren, wodurch ein subtiler, unheimlicher Nachhall über dem ominösen Eröffnungssynth-Dron entsteht. Infolgedessen hören wir jeden ihrer klaren Konsonanten zweimal kurz hintereinander, was wie das Geräusch eines scharfen Santoku-Messers klingt, das selbstbewusst auf einem stabilen Schneidebrett zerkleinert. Nach der Auszeit der 31-jährigen Künstlerin fühlt sich die Zeile wie eine intensive und magnetische alte Freundin an, die den Kontakt wieder aufnimmt und dort weiter macht, wo man aufgehört hat.

Mitskis zweieinhalbjährige Pause und das Burnout und das Leiden, das sie ausgelöst hat, sind sowohl ein weit entferntes wiederkehrendes Thema im gesamten Album als auch der Raum, der ihre Rückkehr ermöglicht hat. Als sie ging, war sie sich nicht sicher, ob sie zurückkommen würde. Sie erklärte, dass die Notwendigkeit für eine Pause aufgrund eines destruktiven Cocktails aus aufeinander folgenden Jahren intensiven Tourens und dem ständigen seelischen Verschleiß entstanden ist, der damit einhergeht, gezwungen zu sein — wie jeder erfolgreiche Künstler in einer kapitalistischen Wirtschaft, in gewissem Maße — seine Identität in ein Produkt für den Massenkonsum zu verwandeln. Kurz nachdem sie sich Ende 2019 von der Musikindustrie zurückgezogen hatte, schrieb sie die erste Single des Albums, „Working for the Knife“. In vielerlei Hinsicht fühlt sich der Track wie ein düsterer Begleiter der ersten Single ihres letzten Albums, „Geyser“, an, auf dem sie eine Metapher für den explosiven inneren Drang zu schaffen präsentiert. Was wäre, fragt der Erzähler von „Working for the Knife“, wenn dieselbe unvermeidliche Kraft dich in Richtung eines Lebens oder einer Umgebung drängt, die dich verschlechtert? Die synkopierte Percussion des Liedes klirrt wie ein kindlicher Hohn, und die Gitarrenakkorde verzerren und verformen, wie heiße Luft Licht biegt und bricht.

Am 4. Februar erscheint auf Dead Oceans, trägt den Namen eines volkstümlichen Begriffs aus dem Süden der Appalachen, wo die schönen, dichten Lorbeer-Pflanzen in Hülle und Fülle wachsen. Ähnlich wie bei der Vorstellung eines erfolgreichen Lebens, während man Musik macht und seine Träume verfolgt, ist die Pflanze atemberaubend und verführerisch. Aber, wie der Begriff „Laurel Hell“ andeutet, sind Lorbeeren gefährlich, giftig und bestehen aus verwachsenen und verworrenen Ästen, die Menschen und Wildtieren gleichermaßen anfällig machen, sich in ihren Beständen zu verfangen.

Indem sie sich von einigen der glänzendsten, fröhlichsten Momente ihres letzten Albums inspirieren lässt, übernimmt Einflüsse aus New Wave, Disco und 80er Pop und macht es zu ihrem tanzbarsten Album bisher. Während Mitski häufig ihre unheimliche Fähigkeit beibehält, Sounds und Melodien zu produzieren, die unverkennbar Mitski sind, beschwören die Songs des Albums zu jedem Zeitpunkt eine Bandbreite von Sylvester bis ABBA bis Depeche Mode. Sie erklärte es dem Journalisten Matt Wilkinson auf Apple Music 1, dass das Album durch eine Vielzahl von Klängen gegangen ist: An verschiedenen Stellen während der Produktion des Albums begann es, die Form eines Punkalbums oder einer Sammlung von traurig klingenden Rocksongs anzunehmen. An einem Punkt war es ein Country-Album. Vielleicht überraschend war das, was Mitski und ihren langjährigen Produzenten Patrick Hyland letztendlich in ein helles und glänzendes klangliches Universum drängte, eine Reaktion auf die Auswirkungen von COVID-19.

„Als die Pandemie fortschritt, konnten Patrick und ich nicht mehr — wir konnten einfach die Vorstellung nicht ertragen, ein weiteres trauriges, düsteres Album zu machen. Wir konnten es einfach nicht tun“, sagte sie. „Ich denke, wir dachten darüber nach: ‚Welches Gefühl wollen wir erzeugen? Wir wollen etwas erzeugen, das hoffnungsvoll ist. Wann fühlte sich Musik hoffnungsvoll an? In den 80ern.“

Die Charaktere, die wir in Mitskis Neuestem finden, sind, wenig überraschend, viel komplizierter als viele von ihren schimmernden Vorgängern aus den 80ern. In der Synth-Explosion „The Only Heartbreaker“ — dem einzigen Song auf dem Album und dem ersten Song in Mitskis Katalog, der einen Co-Autorennachweis teilt, in diesem Fall mit Dan Wilson von Semisonic — übernimmt die Protagonistin selbst die Rolle des „Bösen“ in einer Beziehung, identifiziert ihre Fehler jedoch als ein Zeichen für Anstrengung und emotionales Engagement. Eine sexuelle Erzählung durchdringt das bassbetriebene „Stay Soft“, aber es ist eine von Verzweiflung und Gefahr, die die gegenseitigen Kosten vorschlägt, die Verwundbarkeit und Vergnügen oft mit sich bringen: „Öffne dein Herz, wie die Pforten der Hölle“, singt sie. „Should’ve Been Me“ trägt genau das Gefühl, das der Titel suggeriert, aber im Gegensatz zu den meisten „das hätte ich sein sollen“ Songs, entschuldigt sich dieser Erzähler und übernimmt die Schuld: „Ich habe dir nicht gegeben, was du brauchst.“ Mitskis narrative Tafel wird von Realismus angetrieben, und es gibt Raum für Paradoxe und Komplexität; das Gute, das Schlechte, die Wut, das Versprechen, die Verzweiflung, der Erfolg, die Erschöpfung — sie speisen alle harmonisch und in perfekter Konversation zusammen.

„Ich sage nicht, dass es keine Nuancen in der Popmusik gibt, aber ich denke, eine vorherrschende Erzählung in der Popmusik ist die des guten und des bösen Kerl“, sagte sie zu Wilkinson. „Und diese Songs drücken nie wirklich das volle Spektrum dessen aus, was ich fühle und meine Realität. Und meine Realität ist, dass ich manchmal realisiere, dass ich die böse Person in der Beziehung bin; manchmal mache ich Fehler. Oder manchmal hat die andere Person in der Beziehung etwas falsch gemacht, aber man versteht, warum, und sieht sie als ganze Person, sodass man Mitgefühl für sie hat.“