Mattson 2s Interpretation des heiligsten Jazzalbums

Das Cover des Albums, ein off-center Porträt von Coltrane, der ernsthaft von der Kamera wegstarrt, fängt den Saxophonisten sowohl entschlossen als auch erschöpft inmitten der Schöpfung ein. Love’s Liner Notes beschreiben das sagenumwobene spirituelle Wiedererwachen, das Coltrane 1957 mit Gott hatte, was ihn dazu brachte, das Album als Hingabe zu machen, seine sehr produktiven letzten Jahre nach der Überwindung von Drogenmissbrauch zurückzugewinnen und letztendlich einen geweihten Platz in der Geschichte der Jazzmusik zu verdienen. Der intensive Coltrane auf dem Cover von Love sagt wohl alles und mehr, indem er sowohl die göttliche Intervention als auch seinen gut dokumentierten Kampf mit Heroin und Alkohol vor ihr trägt.

Als ich mit den Mattson 2 über ihre Langzeitinterpretation von A Love Supreme sprach, gab es keine Auspackung der religiösen Neigungen der Brüder oder eine abgedroschene Zergliederung eines "transzendentalen Moments" im Studio. Glücklicherweise schien der Fokus mehr als alles andere darauf zu liegen, ihre eigene, unerschütterliche, genreübergreifende Überzeugung zu finden, während sie eine Hingabe an Coltrane boten.

„Ich sehe es nicht so religiös heilig wie viele Leute“, gab Schlagzeuger Jonathan Mattson früh in unserem Gespräch über Love zu. „Ich sehe es als eines der unglaublichsten Musikstücke, also haben Jared und ich bei unserer Interpretation nichts als heilig angesehen.“

„Ich hoffe, ich mache mir damit nicht viele Feinde, aber ich habe das Gefühl, dass die Jazz-Puristen im Laufe der Jahre ihre eigene Version davon definiert haben, was Jazz ist“, fügte Gitarrist/Bassist Jared Mattson später hinzu. „[Seit] den späten 80er und frühen 90er Jahren hat es einen puristischen, naturalistischen Ansatz eingenommen... aber ich denke, der Zweck und das Verlangen von John Coltrane, dieses Stück zu schreiben, war es, etwas zu schaffen, das andere schließlich nehmen könnten, obwohl es ihm auf spirituelle Weise nahe und teuer ist, und damit ihr eigenes Ding machen, so wie es die Jazztradition ist.“

Angesichts der Gewissheit, dass die in Südkalifornien ansässigen Zwillinge buchstäblich seit ihrer Geburt zusammenarbeiten, gibt es ein gewisses Maß an Vertrauen in die Mattsons, „ihr eigenes Ding zu machen“ mit losen Grenzen zwischen Jazztradition und fusiongetriebenem Psych-Rock.

Einer ihrer ersten Releases war eine Zusammenarbeit mit dem professionellen Skateboarder Ray Barbee im Jahr 2009, eine ziemlich einfache, aber etwas bemerkenswerte Paarung, die mittlerweile als recht standardmäßiger Einstieg neben dem Rest des eklektischen Kanons der Mattsons eingestuft wird.

Zum Vergleich: Das Coveralbum Vaults of Eternity: Japan, das im vergangenen März herauskam, ist eine Hommage an die 20 Touren, die die Brüder im Laufe der Jahre durch Japan routiert haben. Das exklusive Youtube-Cover-Album verbindet verschwommene Interpretationen bekannter japanischer experimenteller Komponisten wie Yasuaki Shimizu und Haruomi Hosono mit modernen japanischen Musikern/Sängern wie Tanukichan und Gotch von Asian Kung Fu Generation.

Dann gibt es das Album Star Stuff vom letzten Jahr, das wohl die beliebteste Zusammenarbeit der Brüder darstellt, und Features Chaz Bear von Toro Y Moi. Bear und die Brüder lernten sich, passend, durch einen Akt göttlichen Schicksals kennen: Jonathan vergaß einen Schlagzeugstuhl vor einem Auftritt in Oakland und borgte sich in letzter Minute Bears Stuhl durch einen gemeinsamen Freund. Als Bear die Brüder zu ihrem Gig begleitete, fanden sich Bear und die Mattsons am folgenden Morgen bei einer Tasse Kaffee, während sie den Stuhl zurückgaben, und planten Zeit im Studio.

Angesichts ihrer Bindungen an Chillwave-Pioniere und unter Berufung auf Cocteau Twins neben Jazz-Ikonen als Einflüsse scheint es, ein Album wie A Love Supreme sowohl einen Schritt in Richtung Sicherheit der Jazztradition als auch eine Torheit, wenn es nicht mit ihrem gewissen, kalifornischen Sinn für Leichtigkeit und Eagerness angegangen worden wäre.

„Der Internationale Jazz-Tag stand bevor [letztes Jahr] und wir sagten: „Lass uns ein Jazzalbum covern“, erinnerte sich Jonathan. „Jared dachte nicht, dass wir ein Jazzalbum machen sollten, das eine Sammlung von Songs ist; er wollte eine Suite machen, die für sich allein stehen kann. Nach viel Überlegung waren wir uns einig: „Alter, A Love Supreme! Es ist unsere Lieblings-Jazzplatte, also lass es uns versuchen, sie wieder einzufangen.“

„Sich an wirklich schwierige Musik zu wagen, ist für uns kein Neuland“, sagte Jared. „Ein paar Jahre vorher hatten wir eine Aufführung von Louie Andriessens Workers’ Union gemacht. Das ist eines dieser tour-de-force Stücke, bei dem man es ansieht und sich nicht sicher ist, ob man diesen Berg erklimmen kann, aber dann erreicht man das Basislager, macht weiter und geht es langsam an, versucht alles auf dem Weg zu verdauen. Schließlich spielt es sich einfach von selbst ab.“

Das Duo begann im Januar 2017 mit der Arbeit an dem Album für eine einmalige Aufführung in San Francisco am Tag nach dem Internationalen Jazz-Tag am 31. April, aber ein zweiter Termin wurde einen Monat später hinzugefügt, nachdem die erste Show das 500-Personen-Kapazitätstheater ausverkauft hatte. Das Wort verbreitete sich über Nordkalifornien hinaus nach der zweiten Show, was zu Auftritten in Ponoma und Chicago führte, bevor die Brüder beschlossen, ihre Interpretation auf Tape festzuhalten.

„Wir haben grundlegend fast jede einzige Note auf der Platte gelernt, sei es Klavier, Bass, Saxophon oder Schlagzeug“, sagte Jared. „Sobald wir ein Vokabular dessen hatten, was die Musiker zu sagen versuchten, wollten wir dieses Vokabular nehmen und damit unsere eigene Art der Sprache sprechen.“

„Die Schönheit des Projekts war, all die Recherche zu machen und zu sehen, wie Musiker A Love Supreme angegangen sind“, sagte Jonathan. „Ich denke, das fehlende Glied in vielen Interpretationen des Stücks ist ihre Unfähigkeit, McCoy Tyner’s Akkorde und Harmonien zu erfassen, gepaart mit dem Dialog zwischen Bass und Schlagzeug. Jimmy Garrison und Elvin Jones sind diese verrückten Köpfe, die für mich wie eine Stimme sind, wenn sie zusammen spielen.“

„Ich habe so viele Versionen von A Love Supreme gehört“, fuhr Jared fort, „und es erhält eine gute Glaubwürdigkeit, wenn [ein Künstler] fast diesen puristischen Ansatz verfolgt, aber am Ende des Tages, wenn es wie John Coltrane klingen soll, höre ich einfach John Coltranes.“

Beide Mattsons nennen John McLaughlins und Carlos Santanas Interpretation der Suite von 1973 sowie Branford Marsalis’ Version drei Jahrzehnte später als Berührungspunkte, die es wagten, Coltranes Vision zu erweitern, aber Alice Coltranes Version auf World Galaxy ultimativ gewinnt als die einflussreichste Interpretation des Duos außerhalb des Originals.

„Es gibt diesen zugrunde liegenden Groove, fast wie einen hip-hop-sample Groove, der darunter läuft“, bestätigte Jonathan. „Das beeinflusste die Art und Weise, wie wir einen bestimmten Abschnitt von Bewegung 1, [„Acknowledgement.“]„ gemacht haben.

Wo der erste Salve von „Acknowledgment“ ikonisch für seine weitäugige, ekstatische Unterwerfung unter eine höhere Macht durch Coltranes quäkendes Saxophon ist, zielen die Mattsons darauf ab, mit ihrer Interpretation etwas mehr Himmlisches zu erreichen. Eröffnend mit einem verzögerten Solo gen Himmel gibt Jared Coltranes Hingabe eine wabernde Neubewertung auf der Gitarre, während Jonathan pflichtbewusst Elvin Jones’ einzigartigen, leidenschaftlichen Schlagstil entfaltet.

Im Großen und Ganzen verfolgen die Mattsons eine halb verehrende, halb persönlichkeitsgesteuerte Wendung, um das Herz von Coltranes Intensität auf Love nachzujagen und eine Balance in „Resolution“ zu finden, während sie einen synthy Space-Out in „Psalm“ öffnen, der nicht fehl am Platz wäre inmitten eines Mild High Club oder BadBadNotGood Sets. Trotzdem beantworten Momente wie das ursprüngliche „Interlude“ von Mattson, das in das ikonische Schlagzeugsolo von „Pursuance“ übergeht, wie ein Projekt, das so tief in der Geschichte verwurzelt ist, immer noch überraschen kann, ohne respektlos gegenüber der Quelle zu sein. Ursprünglich während „einer Ambient-Zone“ während des Soundchecks in Chicago improvisiert, bezeugt Jared, dass das „Interlude“ des Albums ein Zeugnis für das selbsternannte „Twin-Chronicity“ der Brüder ist.

„Wir sind eineiige Zwillinge, daher teilen wir ein höheres Maß an Kommunikation in Bezug auf Musik und alltägliche Unterhaltungen“, erklärte Jared. „Wir beenden die Sätze des anderen, wir denken die gleichen Gedanken, wir träumen manchmal die gleichen Träume. Wenn es um Musik geht... erreichen wir auch diese erhöhte Wellenlänge. Coltranes Stück, so fühlten wir, wäre der perfekte Sprungbrett, um neue Formen dieser Kommunikation innerhalb unserer eigenen Musik auszudrücken.”

Vorbei sind die exklusiven Ursprünge des Projekts, das nur für eine Show gedacht war; die Mattsons bringen ihre zwillingsynchronisierte Love Supreme quer durchs Land, fügen looppunkte hinzu, die für jede Bewegung erweiterbar sind, mit der einzigen Hoffnung, dass es nicht zu „dieser super esoterischen Erfahrung“ ausartet. In Partnerschaft mit dem visuellen Künstler George Murphy, der zuvor an Tom Petty und Journey gearbeitet hat, geben die Brüder zu, dass diese erweiterte Tour mehr in das Bild der mainstream-mäßigen Indie-Rock-Tendenzen geprägt wurde, die gelegentlich in ihrer Musik hervortreten, aber für sowohl Jonathan als auch Jared ist das nur eine passende, letzte Note in ihrem respektvoll dekonstruktivistischen Projekt.

„Es hält dich aus dieser puristischen Jazzmentalität heraus“, schloss Jonathan. „Wir sind nicht regelsgebunden, wir betrachten Jazz nicht als ein Museumstück, das bewahrt werden muss... am Ende, wenn du die Leute dazu bringen willst, Jazzmusik zu genießen, kannst du es nicht so starr machen. Du musst es zu etwas machen, das für jeden zugänglich ist, und ich denke, dass es, in sehr kleiner Weise, hilft.”