Die heilende Musik von Reba McEntire

Sie bevorzugt einzeilige Sätze, die von frecher Selbstsicherheit durchtränkt sind. Sie stolziert und schreitet, während ihre Kollegen aus anderen Ländern dahinschmelzen würden. Sie hat rote Haare. Sie singt über Mord und Prostitution mit einem wissenden Zwinkern. Sie liebt Corn Dogs. Sie ist eine alleinerziehende Mutter, die zwei Jobs hat, die ihre Kinder liebt und niemals aufhört. Ihre Lieblingsanekdote bei Interviews ist die Geschichte, wie sie ihrem Vater half, Bullen zu kastrieren, als sie ein Kind war – und fröhlich die resultierenden Rocky Mountain Austern aß. Es ist leicht, Witze zu machen, weil Reba selbst es tut, sich in eine gewisse fröhliche Selbstparodie zu begeben, ohne die akribische Kunstfertigkeit und das kraftvolle Gesangstalent zu verlieren, das sie überhaupt erst in die Position brachte, eine öffentliche Persona zu gestalten. Letztendlich ist sie eine schroff redende Country-Dame im Stil von Loretta Lynn, deren freche Art ebenso ihre gefühlvolleren Balladen überdauerte.

Aber das war nicht unbedingt das, wonach ihre Fans suchten, als ihr Ruhm Anfang der 90er Jahre seinen Höhepunkt erreichte. McEntire hatte als weibliches Gesicht der neo-traditionalen Bewegung der 1980er Jahre durchgebrochen – eine Reaktion auf den Pop-Crossover-Trend des urbanen Cowboys, der den Wendepunkt des Jahrzehnts geprägt hatte. Rebas reduzierte, twangige Lobgesänge auf die Steel-Gitarre und die Geige waren enorm beliebt, und ihr Schwenk zu melancholischen Balladen Ende der 80er Jahre machte sie noch bekannter. „Whoever’s In New England“, zum Beispiel, die herzzerreißende Geschichte einer Frau, die sich mit den Küstenausflügen ihres Mannes abgefunden hat, war die erste Single aus dem gleichnamigen Platin-Album – dem ersten. Vor For My Broken Heart war Rebas jüngster Country-Nummer-1-Hit „You Lie“, ein erhebender Balladen-Walzer, der durch warme Instrumentierung und einen vollständigen Chor geerdet war. Es war eine Version von Reba, die zurücktrat, als sie sich vom Zentrum der Country-Musik zur Randfraktion „Legende“ bewegte, aber es war die Version, die sie zu einer der größten Künstlerinnen einer der größten Epochen des Genres machte.

Nirgends ist der Widerspruch zwischen der zeitgenössischen Meme-Reba und der Superstar-Künstlerin Reba so auffällig wie im Lichte der Tragödie, die auf dem Höhepunkt ihres Ruhms eintraf. Als Reba das dreifach-Platin-Album Rumor Has It promotete, das Album vor diesem, war ihr Auftrittsplan so eng, dass sie und ihre Band von Veranstaltung zu Veranstaltung mit einem Privatflugzeug flogen. Nach einer privaten Show für IBM in San Diego am 15. März 1991 stürzte eines der Flugzeuge in die Seite des Otay Mountain und tötete alle an Bord: acht Mitglieder ihrer Band und die zwei Piloten.

„Ich folgte Narvel [ihrem damaligen Ehemann] im Zimmer hin und her, weinend“, schrieb McEntire einige Jahre später in ihrer Autobiografie Reba: My Story über die Stunden nach dem Unfall. „Es war schlimmer als jeder Albtraum, den ich mir vorstellen konnte.“

Ihr Ruhm machte das Bewältigen eines solch akuten, ungewöhnlichen Verlustes exponentiell schwieriger – die Presse hielt sich an die Geschichte und ihre damit verbundenen Mysterien fest, ging sogar so weit vorzuschlagen, McEntire selbst habe fahrlässig gehandelt oder sei gefühllos und unsensibel gewesen, weil sie wenige Monate nach dem Absturz wieder zur Arbeit zurückkehrte.

Eine Weile nach dem Vorfall weigerte sich McEntire, Interviewfragen zu dem Unfall zu beantworten, und ließ eine exklusive Titelgeschichte in People als ihre Erklärung dienen. Obwohl sie in den letzten Jahren offener darüber gesprochen hat, bricht sie meistens in Tränen aus, wenn sie es tut.

„Zuerst fühlte es sich an wie: ‚Mann, all meine Freunde, die ich habe, ich werde sie sehen, ich werde ihnen schreiben... Ich werde großartige Kommunikation mit meiner Familie pflegen‘“, sagte sie in einem Interview von 1993 bei 20/20. „Und im nächsten Atemzug sagte ich: ‚Ich will nie wieder so nahe an jemanden in meinem Leben herankommen.‘“

Es war eine unmögliche Situation. Indem sie wieder auf die Bühne ging und im Studio arbeitete, sah sich McEntire Kritik und Andeutungen ausgesetzt, dass sie aus der Tragödie Kapital schlage. Hätte sie es nicht getan, wäre sie im Selbstmitleid gefangen gewesen. „Ich fürchtete, dass, wenn ich mir erlaubte, so hart und lange zu leiden“, schrieb sie, „ich möglicherweise nie wieder zur Arbeit zurückkehren könnte.“

So begann McEntire, an einem neuen Album zu arbeiten, und hörte Berichten zufolge 1.000 Lieder, bevor sie sich für die 10 entschied, die schließlich auf For My Broken Heart erschienen. „Ich suchte Trost an den Orten, wo ich ihn immer gefunden hatte – beim Herrn und in meiner Musik“, wie sie in ihrer Autobiografie schrieb. Als sie in die Emerald Sound Studios in Nashville zurückkehrte – dasselbe Studio, in dem sie Rumor Has It aufgenommen hatte – mit Produzent Tony Brown, mit dem sie zuerst an Rumor gearbeitet hatte, schlug Reba dennoch einen sehr anderen Kurs mit ihrem neuen Projekt ein.

„Rumor Has It war einfach die 10 besten Lieder, die ich finden konnte, was normalerweise meine Herangehensweise ist“, sagte sie USA Today. „Aber ich wollte, dass dies ein Tributalbum wird, und es konnte kein Tributalbum sein, wenn es ein fröhliches, schnelleres Tempo-Album war. Und so fühle ich gerade ohnehin nicht. Der Schmerz ist noch nicht... er ist noch nicht vorbei. Die Wunde ist noch nicht geschlossen.“

Unterstützt von einer Vielzahl erstklassiger Session-Musiker und -Sänger, darunter Geiger Mark O’Connor, Bassist Leland Sklar und Vince Gill (ja, der berühmte), versuchte Reba, all diesen Schmerz in Liedern auszudrücken. Der Titeltrack des Albums und die erste Single handeln angeblich von einem anderen Verlust: Scheidung – eine Erfahrung, die McEntire auch kürzlich gemacht hatte, als sie sich 1987 von ihrem ersten Ehemann Charlie Battles trennte. Aber die mit angezündeten Feuerzeugen geschwenkte Ballade, geschrieben von Liz Hengber und Keith Palmer (zwei damals neue Verpflichtungen von McEntires Starstruck Entertainment), handelt mehr von Resilienz als von Verzweiflung. Sie zeichnet jedoch ein lebendiges Bild der alltäglichen Schwermut, die einer erschütternden Lebensveränderung folgen kann. „Die Uhr tickt weiter, das Leben geht weiter / Das Radio spielt weiter ein Lied“, singt sie. „Es kostet mich all meine Kraft / zum Kaffeetopf zu stolpern.“

Das hymnische Synthesizer-Intro des Liedes (und des Albums) vermittelt dessen nachdenkliche Stimmung; in Kombination mit den Kirchenchor-Stil ihrer Hintergrundsänger und Rebas zitternden Melodien betont es, dass dies ein Lied über Trennung ist und noch viel mehr. Das Album ist im Wesentlichen zwischen Liedern wie „Broken Heart“ – über das Überwinden von Verlusten, über das Weitermachen – und voll ausgepackten Wehklagen unterteilt. „Bobby“, das einzige Lied des Albums, das von McEntire selbst mitgeschrieben wurde, zusammen mit dem legendären Don Schlitz, handelt von einem Jungen, dessen Vater sein Leben im Gefängnis verbringt, nachdem er den Stecker der lebenserhaltenden Maßnahmen seiner Mutter zog, als sie nach einem schrecklichen Unfall hirntot war. „The Greatest Man I Never Knew“ erzählt die Geschichte, dass wir manchmal nicht wirklich die Zeit nehmen, die uns nächsten Menschen kennenzulernen – in diesem Fall ein distanzierter Vater – bevor es zu spät ist. „I Wouldn’t Go That Far“ musste für Reba persönlich resonieren, mit seiner Geschichte von jungen Lieben, die durch Ehrgeiz vereitelt wurden und dem darauf folgenden Bedauern. „All Dressed Up (With Nowhere To Go)“ ist eine niederschmetternde, gewöhnliche Geschichte einer Frau in einem Altersheim, die sich jeden Sonntag darauf vorbereitet, dass ihre Familie sie besuchen kommt. Mit unmissverständlich klaren Hintergrundstimmen von Vince Gill, singt McEntire die harte Wahrheit: Sie kommen nie.

Dies sind Geschichten ohne Erlösung, ohne fröhliche Wendung oder optimistische Perspektive. Wenn Country-Musik so oft aus der charakteristischen Mischung aus Pathos und Humor des Blues schöpft, scheut Broken Heart nicht davor zurück, herzzerreißende, tiefe Traurigkeit ohne leichtes Gegenmittel auszudrücken. Es ist am stärksten auf dem letzten Track des Albums, „If I Had Only Known“ – ein so aufwühlendes Lied, dass McEntire es nur selten live aufgeführt hat. Im Studio konnte sie es kaum durchstehen. Das verständliche Gefühl in ihrer normalerweise starken, unerschütterlichen Stimme ist während des ganzen Stücks hörbar; es gibt Zittern, die nicht absichtlich klingen, Wörter, die ausklingen, anstatt mit ihrem üblichen Nachdruck getroffen zu werden. Es ist ein Lied, das scheinbar für diesen Anlass geschrieben wurde, das kitschig hätte klingen können ohne das einfache Arrangement und die rohe Emotion, die Reba hineingelegt hat.

Das Album wurde ihr bisher erfolgreichstes und erreichte Platz 13 der Billboard 200. Aber sein aufrichtiger Kummer – übersetzt in straightforward, geschickt ausgeführtem Country-Pop – ist eine Leistung, die in McEntires Vermächtnis nicht unbedingt reflektiert wurde. Es ist eine Facette, wie geschickt sie als Sängerin ist; die emotionale Kraft ihrer Aufführungen wird manchmal als selbstverständlich angesehen, weil sie mühelos herüberkommt. Wahrscheinlich, weil sie ihre eigenen Lektionen über das Weitermachen und Stärke – eine andere Art von Zähigkeit – so zu Herzen genommen hat, wie in einer der anderen großen Singles des Albums „Is There Life Out There“. So wie es aufgeführt wird, wird das, was eine Klage einer eingesperrten Hausfrau hätte sein können, zu einer optimistischen Hommage an Neugier, Mut und Lebensfreude, selbst wenn es unmöglich erscheint.

„Musik ist manchmal so seltsam“, schrieb McEntire in My Story. „So therapeutisch und so heilend. Es ist fast so, als würde sie nur darauf warten, für Sie da zu sein, wenn Sie sie brauchen – genau wie ein guter Freund mit offenen Armen.“ Wenn sie über den Unfall spricht, sagt Reba immer dasselbe: Unmögliche Tragödien geschehen zu oft. Gehen Sie zu diesen Freunden, umarmen Sie sie, sagen Sie ihnen, wie sehr Sie sie lieben. Morgen ist nicht versprochen, aber sie sind heute hier.