Das wunderbare Jahr von John Coltrane

Der Höhepunkt der 60er Jahre war eine tumultartige Zeit für Amerika. 1964 unterzeichnete Lyndon Johnson das wegweisende Bürgerrechtsgesetz, das Rassendiskriminierung 100 Jahre nach dem Bürgerkrieg offiziell verbot, aber der Kampf um Gleichheit auf dem Boden war von immer größerem Spannungsfeld geprägt. Im Februar 1965 wurde Malcolm X ermordet, und im darauffolgenden Monat führte Martin Luther King Jr. Protestmärsche von Selma nach Montgomery in Alabama, die zur späteren Verabschiedung des Wahlrechtsgesetzes beitrugen. Und dann, im August, brachen Unruhen in Watts, Kalifornien, aus, nach der gewaltsamen Festnahme eines Mannes namens Marquette Fry, was die Konflikte zwischen Polizei und Bürgern in afroamerikanischen Vierteln ins Rampenlicht rückte.

Coltrane verfolgte diese Ereignisse genau, war jedoch außergewöhnlich beschäftigt mit seiner eigenen Arbeit, und seine öffentlichen Äußerungen waren rar. Im Dezember 1964 nahm er mit seinem klassischen Quartett - McCoy Tyner am Klavier, Jimmy Garrison am Bass und Elvin Jones am Schlagzeug - die Musik auf, die im Januar 1965 als A Love Supreme veröffentlicht wurde. Allein das Schaffen dieses Meisterwerks hätte bereits ausgereicht, um das Jahr zu einem Meilenstein für jeden Musiker zu machen, und Coltrane hatte gerade erst angefangen.

Zwischen Februar und Anfang Juni 1965 nahm Coltrane mit dem Quartett Stücke auf, die später auf Alben wie Plays, Transition, Kulu Sé Mama und Infinity landen sollten. In der Studioarbeit dieser Zeit herrschte eine enorme Spannung, während Coltrane versuchte, die Grenzen dessen, was die Band tun konnte, ohne ihre Chemie zu stören, zu erweitern. Er war von „dem neuen Ding“ begeistert, freiem Jazz ohne feste Harmoniefolgen, das von Ornette Coleman im vorherigen Jahrzehnt eingeführt wurde. Und besonders fasziniert war er von der Arbeit eines neuen Musikers, der auf der Szene war, dem Tenorsaxophonisten Albert Ayler. Ende Juni versammelte Coltrane ein erweitertes „doppeltes Quartett“, um Ascension, eine dichte und herausfordernde erweiterte Komposition, die die Räume zwischen „Musik“ und „Lärm“ untersucht und von Ayler’s eigener Musik inspiriert ist, aufzunehmen.

Obwohl die meiste Musik, die Coltrane 1965 aufnahm, erst später veröffentlicht wurde - vieles erschien erst nach seinem Tod 1971 - ist die Entwicklung von einer Session zur nächsten erstaunlich. Aber wie Ascension deutlich machte, waren die Tage des klassischen Quartetts gezählt. Tyner erschien auf dem Album, hatte aber Schwierigkeiten, seinen Platz darin zu finden. Sein Instrument war einfach nicht dafür gebaut, mit dem Dröhnen, das die Bläser und die zunehmend prominente Percussion erzeugten, zu konkurrieren. Die Band, eines der besten Ensembles, die der Jazz hervorgebracht hat, zerbrach, und 1965 war der Ort ihres brillanten letzten Aktes. Das Ensemble war so unglaublich gut geworden, dass der ständig suchende Coltrane keine andere Wahl hatte, als darüber hinauszugehen.

Am 26. August finden wir Coltrane und das Quartett, die im RCA Victor Studio in der 24. Straße in Manhattan aufnehmen. Bob Thiele, der Verantwortliche für Impulse! Records, überwachte die Sitzung, die von Ingenieur Bob Simpson aufgenommen wurde; es war der seltene Studioauftritt von Coltrane, der nicht von Rudy Van Gelder in seinem Studio in Englewood Cliffs, New Jersey, festgehalten wurde. Anfang des Monats hatten John und seine Frau Alice einen Sohn, Ravi, in ihre Familie aufgenommen. Der Saxophonist war 38 Jahre alt.

In den für Sun Ship aufgenommenen Stücken hören wir Coltrane, der bereits in der Vergangenheit Erlerntes mit gesteigerter Sensibilität und einem vertieften Interesse an Klangfarben wieder aufnimmt. Der eröffnende Titeltrack beginnt mit einer abgehackten Melodie, deren leichte Melodik sofort an Ayler erinnert. Und dann tritt Tyner ein, der mit schnelleren linkshändigen Begleitungen ein schnelles Solo spinnt. Wenn man bedenkt, wo Coltrane mit seiner Musik hin wollte, klingt „Sun Ship“ bemerkenswert offen zum Raum. Er wandte sich schnell der Dichte zu - seine Ideen flossen über, und die Stücke mussten länger werden und es musste mehr innerhalb dieser geschehen. Er hatte so viele Dinge, die er ausprobieren wollte - Experimente mit Textur, Form, die Grenzen der Musikalität auszuloten. Aber in diesem Stück wird zu Beginn die Stille als ein Instrument eingesetzt. Am Ende erlangt Coltranes Spiel eine gezackte Kante, während er seine Phrasen verschiebt, um auf das glorreiche Spiel von Jones zu reagieren.

Das folgende Stück, „Dearly Beloved“, beginnt mit einem kurzen Moment von Coltranes gesprochener Stimme, die sagt: „Halte eine Sache am Laufen“ und „du kannst darauf zugreifen, wenn du es fühlst.“ Er wählte bekanntlich seine Begleitmusiker und seine Sessions so aus, dass jeder wusste, was zu tun war, mit minimaler Anleitung von ihm: Er stellte eine Skizze eines Rahmens bereit und ließ seinen Musikern die Farben und Formen gemäß ihrer eigenen Sprache ausfüllen. Die Intuition, die dieses Quartett in den letzten Jahren entwickelt hatte, führte dazu, dass die Musik so natürlich wie Atmen erschien, selbst während sie die Bausteine des Jazz auseinander nahmen und zu einer neuen Form wieder zusammenfügten.

„Dearly Beloved“ beginnt als Ballade, mit Wellen von Becken und einer langsam rollenden Bewegung, die an Kompositionen wie „After the Rain“ und „Welcome“ erinnert. Aber es bleibt nicht lange in diesem traumhaften Raum. Nach impressionistischen Akkorden von Tyner hören wir dröhnendes Metall und rollende Toms von Jones, die Wettersysteme heraufbeschwören. Schließlich gibt Coltrane seinem führenden Solo eine zusätzliche Wendung von Dissonanz, und es wird zu einer Reihe von abgehackten Phrasen und dann zu einem leidenschaftlichen Aufschrei von fast unerträglicher Intensität, mit ausgedehnten Rufen und Schreien.

In Momenten wie diesem dissonanten Solo findet Coltrane den Kern seines späteren Stils, bei dem der Gefühlsdruck die Grenzen zwischen verschiedenen Emotionen auflöst. Manchmal wurde gesagt, seine Musik klänge wütend, als sie härter wurde, und Coltrane wies diese Charakterisierung immer zurück. Für ihn war seine Arbeit spirituell, der Ausdruck eines Mannes, der versuchte, mit höheren Kräften in Kontakt zu treten. Diesen Zustand mit etwas so reduktiven wie „Wut“ zu benennen, verfehlte den Punkt dessen, was er zu tun versuchte - das Ekstatische seiner Kommunion war so, dass Gefühle ohne solche Differenzierung auftauchten.

„Amen“, ein weiterer Titel, der Ayler zu verdanken ist, beginnt mit einer fahnengleichen Melodie, die eine gewisse Beziehung zum triumphalen Refrain von „Selflessness“ hat, der später im Jahr aufgenommen wurde. Solche Refrains erinnern an die Trompetenstöße am Ende der Schlacht von Jericho - als ob sie versuchen, eine neue Welt einzuleiten, in der, um Ayler zu zitieren, „die Wahrheit marschiert ein“. Coltrane beschleunigt und Tyner und Jones folgen ihm, dann weicht er zurück und lässt Tyner den Faden aufnehmen. Das Solo des Pianisten ist stachelig und tumultuös, wechselt zwischen leidenschaftlichen Läufen und trillernden Momenten, die Verwirrung und Unsicherheit ausdrücken. Geduldig baut er die Spannung auf, die Coltranes Solo entfesseln wird. Und als er eintritt, tut er genau das, ballt einen Wirbelwind von Noten in eine Faust und schüttelt dann seinen geballten Arm gen Himmel. Er beugt, verwischt und verwurstet seine Phrasen, findet aber immer wieder einen Weg zurück zur Melodie.

„Attaining“ ermöglicht es dem Quartett, Raum und Zurückhaltung zu zeigen. Coltrane skizziert eine traurige Melodie, während Jones fernes Donnern wachruft und Tyner Wolken von Obertönen heraufbeschwört. Es fühlt sich verbunden mit A Love Supreme in seinem ernsten Ton und ruft auch „Alabama“ von 1963 in Erinnerung. Aber nach dem schweren Eröffnungsfanfarwechselt das Stück die Richtung, als Tyner sein Eröffnungssolo anbietet. Jones wechselt in den Swing-Modus, schlägt den Puls auf einem Becken und fügt Akzente hinzu, während Tyner „Attaining“ von einer Klage zu einer Art Feier verwandelt.

Während des gesamten Sets dient Jimmy Garrison als Brücke zwischen Jones und Tyner, erweitert Tyner’s hämmernde linke Hände mit gezupftem Kontrapunkt und hält gleichzeitig ein Ohr für Jones’ Antworten offen. Der abschließende Titel, „Ascent“, beginnt mit einem klaren und deutlichen Basspart von Garrison, gefüllt mit Akkorden und einzelnen Noten. Für Coltrane war das rhythmische Fundament der Musik ein dauerhaftes Objekt der Faszination, und Garrisons Bass würde im Laufe von Coltranes Arbeiten zunehmend wichtig werden, als lange Soli von ihm zur Norm wurden. Wenn Jones’ Schlagzeug der Motor war, der die Musik antrieb, war Garrisons Instrument der Kraftstoff, der harmonische und rhythmische Ideen vorschlug, die seine drei Bandkollegen aufgriffen.

Auf „Ascent“ erstreckt sich Garrisons Solo über fünf Minuten, während Garrison höher auf dem Hals arbeitet, und dann gesellt sich Jones hinzu, der Becken schlägt, dann tritt Coltrane ein, sein Ton rau und gezackt. Nur seinen vollen Ton zu hören hat einen zentrierenden Effekt und bringt den Hörer wieder auf den Boden der Tatsachen, bevor Coltranes letzter Flug durch das Stück beginnt. Der Track endet nur mit Garrison, der uns nach dem Wiederholen seiner aufsteigenden Progression erneut in die Stille zurückführt.

Sun Ship ist ein Porträt von Coltranes wichtigstem Ensemble in seinem wichtigsten Jahr, und obwohl es manchmal in Coltranes Diskografie übersehen wird - wahrscheinlich, weil es posthum veröffentlicht wurde - ist es ein entscheidendes Dokument, um zu verstehen, was dieses Ensemble erreicht hat, und es bietet auch einen Einblick, warum Coltrane darüber hinausging. Er musste an Orten sein, an denen er sich weniger sicher fühlte.

Ein paar Wochen nach den Sun Ship-Sessions würde Coltrane mit dem Quartett ins Studio zurückkehren, um eine Suite von Songs aufzunehmen, die später als First Meditations (für Quartett) veröffentlicht wurde, und im Oktober würde er das schrille 28-minütige Experiment aufnehmen, das als Om veröffentlicht wurde. Bis dahin hatte er seine reguläre Gruppe mit dem Saxophonisten Pharoah Sanders ergänzt und kurz darauf mit dem zweiten Schlagzeuger Rashied Ali. Dies ist die Gruppierung, die im November Meditations aufnahm, die die Stücke von First Meditations mit der erweiterten Besetzung wieder aufnahm, was die Energie steigert. Bis dahin war die Zeichen an der Wand sowohl für Tyner, der sagte, er könne sich selbst nicht mehr hören, als auch für Jones, der nicht Teil eines Schlagzeugteams sein wollte. Tyner würde bis Ende des Jahres verschwinden und Jones würde ihn Anfang 66 folgen. Das Wunderjahr konnte nur zu großen Veränderungen führen.