Die robusten Kooperationen und geschichtlichen Schichten von 'Heavy Light'

„Ich denke einfach, dass Rückblick ein Werkzeug ist, das ständig scharf bleiben sollte“, sagt sie zu Vinyl Me, Please.

Sie hat auch viel über ihre eigene künstlerische Geschichte nachgedacht. Remy gründete U.S. Girls im Jahr 2007 und führte es etwa ein Jahrzehnt lang als Solo-Projekt fort, indem sie mit anderen Musikern und Studiopersonal für ihre Aufnahmen zusammenarbeitete, aber meistens alleine live auftrat. Für In A Poem Unlimited änderten sich die Dinge dramatisch, als Remy ein 20-köpfiges Team von Session-Musikern ins Studio holte und die Songs dann live mit einer achtköpfigen Band spielte. U.S. Girls Shows verwandelten sich von Remy im Rampenlicht in ein explosives Jamboree aus wilden Gitarrensolos, kräftigen Hintergrundgesängen, einem schrillen Saxophon und einer hypnotischen Rhythmusgruppe.

Es war plötzlich nicht mehr nur ein Solo-Vorhaben, sondern eine vollwertige Band, und Remy wollte dieses Live-Gefühl auf ihr neues Album Heavy Light bringen. Während ein Poem-Song wie „Time“ frei und locker klingt, wurde dieses Album tatsächlich mit neun Leuten über drei Tage aufgenommen und dann monatelang bearbeitet; alle Overdubs, Hintergrundgesänge, die Gesangsproduktion und viele der zusätzlichen Instrumente wurden separat aufgenommen.

„Es war ein wirklich fein abgestimmtes Album“, sagt Remy. „Ich wusste, dass ich das nicht noch einmal machen wollte; ich wollte wirklich ein Album machen, bei dem alles so aufgenommen wird, wie es ist. . . Bei diesem Album hatten wir tatsächlich 15 Personen, die gleichzeitig aufgenommen wurden. Wir haben die Aufnahmen in acht Tagen gemacht, also alles, was auf diesem Album zu hören ist, wurde in acht Tagen von diesen Leuten gemacht.“

Während sie ihren Sound in dieser Hinsicht weiterentwickelte, wollte sie auch an die frühen Tage des Projekts anknüpfen. Die Songs „Overtime“, „State House“ und „Red Ford Radio“ sind tatsächlich überarbeitete Versionen älterer U.S. Girls Tracks, und einer der Co-Autoren, mit denen Remy arbeitete, war ihre langjährige Freundin Basia Bulat, mit der sie schon immer zusammenarbeiten wollte. Die Themen behandeln viel Remys Kindheit und enthalten zahlreiche Reflexionen über das Altern in Bezug auf ihr Leben. Aber es beginnt mit dem feurigen Disco-Stomper „4 American Dollars“, einem Song, der die Idee von Währung humorvoll ablehnt angesichts einer scheiternden Wirtschaft und einem brennenden Planeten. Es ist keine Betrachtung der bestehenden Geschichte, sondern eine reaktionsschnelle Ablehnung des Materialismus — ein Versuch, unsere zukünftigen Geschichten positiv zu beeinflussen, indem wir die Vergänglichkeit der Zeit akzeptieren. Heavy Light ist voller dichter Schichten wie dieser.

Wir haben mit Remy darüber gesprochen, wie es war, mit so vielen Mitwirkenden zu arbeiten, einen Hinweis auf ihre produktive Vergangenheit zu geben und einige der konzeptionell interessantesten Tracks auf Heavy Light zu besprechen. Unser Gespräch wurde für die Klarheit gekürzt:

Angesichts dessen, dass Sie dieses Projekt so viele Jahre allein gemacht haben, gab es eine Art Lernkurve für Sie, all diese Leute zu leiten und zu führen?

Ja, ich hätte das vor zehn Jahren nie machen können. Es wäre mir völlig unbegreiflich gewesen, es wäre nicht möglich gewesen. Eine der Hauptsachen, die dazu beigetragen haben, dass ich das überhaupt machen konnte, waren Gesangsunterricht. Als ich damit anfing, zeigte mir das wirklich, worin ich gut bin, wo meine Stärken liegen. Es hat auch mein Selbstvertrauen wirklich gestärkt, was mir ermöglichte, offen dafür zu sein, mit anderen Leuten zusammenzuarbeiten.

Meine Schwiegereltern sind Filmemacher und ich habe viel von ihnen gelernt, wie man Leute organisiert. Wie man Leute gut behandelt, wenn man mit ihnen arbeitet, damit sie am effizientesten sind. Das bedeutet einen menschenwürdigen Arbeitsplan, es bedeutet Essen, es bedeutet Pausen. Es ist einfach eine Ansammlung von Fähigkeitsaneignung, mehr Erfahrung und einfach Älterwerden.

Ich weiß, dass Sie auch mit zwei Co-Autoren an diesem Album gearbeitet haben, Basia Bulet und Rich Morel. Warum haben Sie gerade diese beiden Autoren ausgewählt?

Naja, es ist interessant, weil ich ältere Songs wieder besucht habe, diese wurden auch mit anderen Leuten geschrieben. Aber die beiden Haupt-Co-Autoren auf dem Album, Basia Bulet und Rich Morel, waren für mich selbstverständlich. Ich hatte mit Rich an Poem geschrieben, ich schrieb „Rosebud“ und den Song „Poem“ mit ihm, und wir haben eine großartige, sehr einfache Arbeitsbeziehung.

Mit Basia ist sie meine liebste Freundin und wir wollten immer ein Album zusammen machen und dies stellte sich endlich als der Zeitpunkt heraus, es zu tun. Und sie war von unschätzbarem Wert im Prozess. Ich habe mich aus dem Umfeld der Leute entfernt, mit denen ich in den letzten Jahren wirklich gearbeitet und Platten gemacht habe. Ich habe bewusst gesagt: „Ich muss mich selbst herausfordern. Ich muss mit einem anderen Ingenieur arbeiten. Ich darf bei diesem Album nicht mit meinem Mann arbeiten.“ Weil wenn man zu bequem wird, kann man zu viel an andere Leute abgeben, weil man weiß, dass sie sich darum kümmern.

Also wollte ich mich wirklich entwurzeln und Basia lebt in Montreal und sie hatte in diesem Studio gearbeitet und sie hatte diesen Ingenieur empfohlen und es war einfach eine frische, sehr neue Art zu arbeiten, aber auch mit jemandem, den ich kenne und dem ich vertraue und bei dem ich mich sicher fühle. Also ich hätte mich nicht einfach entwurzeln und in ein zufälliges Studio mit einer Gruppe von Leuten gehen können, die ich nicht kannte. Ich brauchte jemanden dort, der mich kannte und besonders meine frühere Arbeit, wie die vor 4AD, kannte.

Ich mag die Zwischenspielstücke auf diesem Album sehr, die gesprochenen Wortkollagen. Ich würde gerne wissen, woher diese Ideen kamen und warum Sie sie auf dem Album haben wollten?

Ich mache immer Sketche oder Zwischenspiele, ich mag diese Form und ich denke, sie kann oft eine Art Geschmacksausgleich für die Musik sein. Aber es gibt so viel von mir auf diesem Album, und ich bin so präsent darin; ich wollte wirklich etwas Raum geben, damit andere Leute sprechen können. Und auch wirklich den Leuten signalisieren, dass wir mehr auf andere hören müssen, selbst wenn es schwer ist. Es gibt ein Stimmengewirr von Menschen, die sprechen, und wir sollten versuchen zuzuhören.

Ich habe eine Liste von Fragen oder Aufforderungen für diese Leute erstellt, die sie beantworten sollten. Und ich bin sie mit jeder Person durchgegangen und habe sie aufgenommen und mit nach Hause genommen und diese Kollagen erstellt, und ich hätte ein ganzes Album nur daraus machen können. Es gab so viel Material, so viel schönes, wirklich rohes Material. Also habe ich die drei ausgewählt, die ich am schockierendsten, am effektivsten fand, die zum Rest des Albums passten. Und es sind auch Fragen, die die Leute irgendwie ähnlich beantwortet haben, was ich interessant fand.

Ich weiß, dass die Leute, mit denen Sie in diesen Aufnahmen sprechen, andere Musiker sind, die an dem Album mitgewirkt haben. Hatten Sie zuvor schon intime Gespräche mit ihnen geführt?

Nein. Also mit einigen von ihnen, weil einige dieser Leute meine sehr guten Freunde sind. Aber ich habe einfach die Liste der Fragen erstellt, alle versammelten sich im Hauptraum und dann kam eine Person nach der anderen in die Gesangskabine — ich war in der Kontrollkabine — und ich stellte über den Talkback die Fragen. Und als die Person fertig war, musste sie gehen und in den Pausenraum, damit sie die Leute, die noch nicht dran waren, nicht beeinflusste.

Also wusste niemand, was ich fragen würde; sie wussten nicht, ob es tiefgründig oder oberflächlich sein würde. Und es war faszinierend zu sehen, wer sofort Antworten hatte, wer eine Weile brauchte, um zu antworten, wer sehr widerwillig war und es nicht tun wollte und offensichtlich unwohl war und es nur hinter sich bringen wollte. Es gab Leute, die waren 20 Minuten in dem Raum, es wurde zu einem Beichtgespräch, sie waren sehr engagiert. Und es gab Leute, die waren zwei Minuten drin. Die sagten einfach: „Nein. Ich weiß nicht. Ich kann mich nicht erinnern.“ Es war sehr aufschlussreich, es war ein sehr interessantes Experiment.

Mein Lieblingslied auf dem Album ist „Woodstock 99“, das eine Interpolation des Jimmy-Webb-Songs „MacArthur Park“ enthält. Mich würde interessieren, warum Sie ein Stück dieses Songs dort einfügen wollten?

Naja, der Song handelt von meinem Freund, der am MacArthur Park lebt. Also wenn ich zu ihm nach Hause ging, war es immer sehr romantisch. Und ich meine das nicht im sexuellen Sinne, es ist einfach ein sehr romantischer Ort, an dem man sich befindet, wenn man diesen Song so gut kennt wie ich, und es ist wie „Wow, ich bin hier, das ist ein echter Ort.“ Ich stellte mir immer vor, wie es in den 60ern war.

Der Song handelt von ihm, von einem Gespräch, das wir einmal führten, als ich ihn besuchte, und es geht um unser Leben. Wir sind ein paar Monate auseinander geboren und hatten irgendwie ähnliche Erziehungen, sind beide Musiker, aber sehr unterschiedliche Arten von Musikern. Wir verglichen und kontrastierten einfach unser Leben und Woodstock '99 kam zur Sprache, und ich hatte es auf MTV gesehen und er hatte es auf Pay-per-view gesehen.

Und es war wirklich ein faszinierendes Gespräch. Es war für mich eine wirklich offene und tiefgehende Sache. Und es war nicht schwer, es war in einem Diner. Wir saßen einfach dort, ich war kurz davor, aus L.A. zu fliegen. Aber es war, als ob die Zeit in diesem Gespräch stehengeblieben wäre und ich fühlte, dass ich ihn und mich selbst besser kannte und es signalisierte mir etwas über die kulturellen Artefakte, die wir konsumieren, und wie das uns formt. Und ich schrieb den Song im Flugzeug auf dem Heimweg.

Und am Ende singe ich über MacArthur Park: „There’s really something about MacArthur Park.“ Also als ich den Song zu meiner Freundin Basia brachte, um die Akkorde auszuarbeiten, war es so: „Wir können diesen ursprünglichen Song nicht nicht einfügen. Es drängt sich förmlich auf, es verlangt buchstäblich danach.“ Und dieser Song wurde geschrieben, als das originale Woodstock stattfand. Es funktionierte auf so vielen Ebenen, und als wir diesen kleinen Teil dieses Songs dort einflochten, erblühte es wirklich und schuf eine Struktur für einen Song, den ich nicht oft gehört habe, was dieses Buchenden eines anderen Songs mit seinem eigenen Song ist.