Margo Price kann nicht in eine Schachtel gesteckt werden

Nicht, dass die Dinge unbedingt großartig waren zu Beginn dieses Jahres, als Prices drittes Album, That’s How Rumors Get Started, erstmals angekündigt wurde. Aber in der Zeit zwischen damals und jetzt haben sich die Dinge von schlecht zu schlechter entwickelt. Natürlich haben wir nichts davon kommen sehen: nicht der Tornado, der Prices derzeitige Heimatstadt Nashville verwüstete, nicht das Virus, das John Prine getötet und Prices eigenen Ehemann Jeremy Ivey lahmgelegt hat, nicht die aktuelle rassistische Abrechnung in Amerika.

Inmitten dieses Trümmerhaufens veröffentlicht Price ihr lang erwartetes Nachfolgewerk zu All American Made aus dem Jahr 2017, das ihr klangliches Spektrum noch weiter erweitert, um verzerrte Gitarren, Drum-Machine-Akzente und soulige Hintergrundchöre einzuschließen. Ein schimmerndes, helles Refugium, das Country, klassischen Rock und Blues miteinander verbindet, es ist sowohl eine Zeitkapsel — mit Anspielungen auf vielgehörte Alben von Künstlern wie Fleetwood Mac, Tom Petty und Neil Young — als auch einzigartig aktuell in seiner Vielfalt und Prices präziser, kompromissloser Lyrik.

Während Midwest Farmer’s Daughter sich auf Prices Hintergrundgeschichte konzentrierte und All American Made ein Land in schlechtem Zustand besprach, findet That’s How Rumours Get Started einen Platz in der Mitte. Biografisches Erzählen wird häufig thematisiert, doch sprechen sie mehr von der jüngeren Vergangenheit als von einer fernen, mit Tracks wie „Twinkle Twinkle”, „Gone to Stay” und „Prisoner of the Highway”, die die Freuden, Frustrationen und Herzschmerzen des Aufsteigens als erfolgreiche Tourmusikerin einfangen. Zwar nicht explizit politisch, enthält das Album dennoch subtile Momente, die den Hörer an Prices furchtlosen Einsatz erinnern, ihre Wahrheit zu sagen, Kritik gehöre auf der Strecke. „Du kennst mich nicht. Du besitzt mich nicht“, singt sie im Leadsingle „Stone Me“, so unabhängig wie eh und je.

Aus unseren jeweiligen Quarantänen sprachen wir mit Price über ihr bisher ambitioniertestes Album, ihre Weigerung, sich in eine Ecke drängen zu lassen, und den Versuch, in ständig wechselnden Krisenzeiten zu kreieren.

Der Sound und die Atmosphäre dieses Albums sind eine solche Weiterentwicklung im Vergleich zu Ihren ersten beiden. Was hat die Entscheidung beeinflusst, sich klanglich mit diesem Album ein wenig zu verzweigen?

Ich wusste einfach, dass ich nicht immer wieder das gleiche Album machen wollte. Ich habe vorher in Rockbands gespielt und wusste, es war nur eine Frage der Zeit, bis ich etwas anderes machen würde als einfach, wissen Sie, mehr im Country verwurzelt zu sein. Und auch die Countrymusikindustrie war nicht gerade die einladendste für Frauen oder Minderheiten. Ich möchte aus dieser kleinen Denkweise herauskommen, verstehen Sie? Ich liebe Countrymusik, aber ich liebe nicht die Organisationen, die sie betreiben.

Ich glaube, einer der Gründe, warum so viele Zuhörer Sie so anziehend finden, ist, dass Sie keine Angst haben, die Dinge anzusprechen. Die ersten beiden Singles, die Sie vom Album veröffentlicht haben, „Stone Me“ und „Twinkle Twinkle“ – Sie nehmen differenzierte, wohlverdiente Ziele auf die Natur der Industrie und darauf, wie sie auch dann, wenn man erfolgreich wird, immer noch unfair sein kann.

Ja, nur eine andere Art von Problemen. Ich meine, natürlich bin ich wirklich dankbar für meine Karriere, aber es gibt viele Hürden, durch die die Leute erwarten, dass man springt, und Erwartungen und viele Dinge, bei denen ich persönlich nicht bereit bin, Kompromisse einzugehen oder zu tun. Es war in vielerlei Hinsicht gut, aber in anderer Hinsicht bin ich einfach irgendwie bereit, mich auch musikalisch zu verzweigen. Ich möchte andere Genres erkunden – und das habe ich immer getan. Über die letzten 15, 20 Jahre des Gitarrenspielens und noch länger des Klavierspielens habe ich eine Liebe für alle verschiedenen Musikstile entwickelt – Volksmusik, Blues und Soulmusik...Gospel und Punkrock und einfach klassischen Rock’n’Roll. Ich denke, man kann nicht wirklich vielseitig sein, wenn man immer wieder nur bei einer Sache bleibt.

Das Album erinnert mich auf eine Weise an Tom Petty und die Heartbreakers’ Southern Accents – es gibt einen durchgehenden Klangfaden, aber es ist so eklektisch. Es gibt einige Country-angehauchte Songs, klassische Rockstücke, Soul, New Wave...Wollten Sie bewusst, dass dieses Album nicht nur mehr rock-orientiert ist, sondern insgesamt vielseitiger und Ihre verschiedenen Einflüsse einbezieht?

Ich wollte auf jeden Fall eine andere Palette malen. Ich hatte die letzten beiden Alben mit Pedal Steel und Geigen und Mandoline und Dobro gemacht. Ich wollte mehr wie organ- und klaviergetriebene Sachen machen, und es gibt einige Synthies darin. Es gibt eine Drum-Machine auf einem Song – es gibt auch organische Drums darauf – aber auf „Heartless Mind“ ist es mein erstes Mal, eine Drum-Machine einzusetzen.

Ich wollte mich ändern, bevor das Spiel sich ändert. Man sieht, wie diese Genres wirklich populär werden – ich vergleiche es ein wenig mit Alabama Shakes und der Soul-Explosion, die während ihrer Zeit stattgefunden hat, wo jeder diesen Sound jagte und Leute Bands wie sie unter Vertrag nehmen wollten und es irgendwie angesagt wurde, das zu tun – sogar weiße Leute, die Blue-Eyed-Soul machen. Aber nach einer Weile wird etwas anderes in Mode kommen. Ich denke, es ist wichtig, sich zu verzweigen, und ich musste es mental. Ich musste mich zurückziehen und anders schreiben. Vieles davon basiert natürlich auf meinen persönlichen Erfahrungen, aber ich denke, es ist nicht ganz so leicht herauszufinden, worüber ich auf diesem Album spreche.

Neben abstrakterem Storytelling gibt es auf dem Album viele Songs, die unmittelbarer sind als Ihre vorherigen Alben und die Veränderungen in Ihrem Leben in den letzten Jahren dokumentieren und bilanzieren. Haben Sie eine Vorliebe dafür, über Dinge zu schreiben, während sie geschehen, oder über die ferne Vergangenheit, wenn Sie mehr Abstand zwischen sich und das Thema haben?

Es hilft definitiv, Raum und Reflexion in dem, was man tut, zu haben. „Letting Me Down“ wurde zum Beispiel ein bisschen an eine alte Schulfreundin von mir geschrieben, und mein Mann schrieb eine Strophe an einen alten Schulfreund von ihm. Es war etwas, woran ich lange nicht gedacht hatte, aber es war sehr therapeutisch. Ich finde mich jetzt wieder, wenn ich während dieser verrückten Zeit in der Geschichte am Schreiben bin – es ist schwer zu wissen, was passieren wird. Tag für Tag ändern sich die Dinge so schnell und man weiß wirklich nicht, wie es enden wird. Also, es ist irgendwie schwer, über etwas zu schreiben, wenn man mitten drin ist. Drei Tage vergehen und irgendetwas Neues aus heiterem Himmel passiert und das, was man geschrieben hat, ist nicht einmal mehr relevant.

Sie hatten eine unglaubliche Begleitband auf diesem Album – Benmont Tench, James Gadson, Matt Sweeney, den Nashville Friends Gospel Choir, nur um einige zu nennen. Wie war dieser Aufnahmeprozess und wie haben sie die Richtung, die Ihre Songs nahmen, beeinflusst, als Sie alle im Tracken waren?

Es hat so viel Spaß gemacht, mit Matt Sweeney zu spielen und natürlich ist James Gadson eine komplette Legende, von Aretha Franklin und Bill Withers bis hin zu D’Angelo. Er war einfach so professionell und so positiv und es war ein Vergnügen, mit ihm zu arbeiten. Er saß einfach hinter dem Schlagzeug und stand nicht auf, außer wenn wir essen gingen. Er war da hinten, engagiert, und führte den Zug.

Es war wirklich schön, im East-West Studio zu sein, weil es sich anfühlte, als ob wir nur in einem kleinen Raum zusammen spielen würden. Ich hatte das Gefühl, dass alles einfach zusammenpasste, obwohl sie die Songs vorher nicht gehört hatten – ich habe ihnen nicht viele Demos oder so etwas geschickt. Wir haben ein bisschen Vorproduktion gemacht und es gab ein paar Dinge, aber meistens saß ich einfach mit einer akustischen Gitarre im Kontrollraum und spielte es, und dann sagte ich: „Dieser Song soll wie ein Springsteen-Song klingen.“ Oder: „Dieser Song soll einen Fleetwood Mac- oder Neil Young-Vibe haben“ – was auch immer das Referenz war. Dann haben sie es einfach komplett drauf gehabt. Es war wirklich mühelos und der Aufnahmeprozess war natürlich.

Auf dem Album gibt es Songs, die wie Hommages an diese klassischen Bands klingen. „Stone Me“ erinnert an Tom Petty’s „Won’t Back Down“; „Prisoner of the Highway“ fühlt sich an wie ein Update auf Trio’s „Wildflowers“ – alles durch Ihre eigene Linse. Haben Sie bei einigen Tracks bewusst vorgehabt, andere Künstler zu referenzieren, oder haben Sie einfach geschrieben und dabei festgestellt, dass sie ähnliche Formen annahmen?

Ich schreibe normalerweise drei oder vier Referenztracks auf. Ich möchte nicht einfach einen Song nehmen und ihn komplett kopieren – obwohl, gutes Gehör bei „Stone Me“ und „Won’t Back Down“. Dieser, tatsächlich, spielte ich mehr kraftvoll mit meiner Band und dann kam es ein wenig mehr zurückhaltend heraus und ich war wie, „Ich weiß nicht…“ Die meisten Tracks sind so geworden, wie ich es mir vorgestellt hatte, aber einige kamen sehr unterschiedlich heraus. „Heartless Mind“ – ich dachte, dass es einfach eine geradlinige, gitarrengetriebene Heartbreakers-Atmosphäre haben würde. Als wir alles darauf hatten, dachte ich, „Oh, das ist wie Blondie oder The Pretenders.“ Es war so nicht das, was ich erwartet hatte, aber ich habe es wirklich, wirklich geliebt.

Aber ja, ich würde nur an ein paar denken, nur als Referenz für sie, was ich anstrebte. Ich fand es hilfreich, etwas wie “Okay, das ist, wie ich möchte, dass ihr klingt” zu geben. Ich hoffe, dass ich nicht zu derivative bin. Das war auch eine gute Sache mit Sturgill und Bryan David R. Ferguson, zu sagen, dass dies ein wenig zu sehr nach diesem klingt und wir Dinge ändern würden, nur um sicherzustellen, dass nichts zu sehr ein Rückgriff oder zu derivativ war.

Sie haben bereits mit Sturgill gespielt, aber wie war es, ihn als Produzent des Albums zu haben?

Es war großartig. Ich hatte ein wenig Bedenken, als wir hineingingen. Ich wusste nicht, ob es unsere Freundschaft ruinieren würde, weil ich ziemlich meinungsstark sein kann und eine sehr klare Vision davon habe, was ich machen möchte. Aber Sturgill sagte immer wieder: „Lass mich ein Album von dir machen. Ich verspreche, dass es das beste sein wird. Es wird das am besten klingende sein, das du je gemacht hast.“ Er war einfach so eifrig, es zu tun, und er war großartig, im Studio mit ihm zu arbeiten. Er brachte David R. Ferguson mit, einen Ingenieur, der ein guter Freund von Johnny Cash und Jack Clement war. Wir hatten alle eine tolle Zeit und scherzten und lachten und aßen viel, weil ich schwanger war. Es war wirklich gut, im Raum zu sein und ihnen ein wenig die Zügel zu überlassen, um zu sagen: „Hey, was ist, wenn wir hier eine kleine Brücke schreiben?“ oder „Brauchen Sie acht Strophen für diesen Song?“ Und manchmal ist die Antwort ja, aber manchmal dachte ich: „Okay, vielleicht können wir es ein wenig prägnanter machen.“

Sie haben schon vorher darüber gesprochen, wie der Aufnahmeprozess während der Schwangerschaft eine so andere Erfahrung war, besonders im Sinne einer sehr klaren Vision.

Ich hatte definitiv nicht erwartet, schwanger zu werden. Es war genau, als wir Gespräche darüber führten, hineinzugehen. Wir hatten schon eine Weile über Aufnahmen gesprochen, aber sobald ich wirklich die Entscheidung getroffen hatte, hineinzukommen und alles zu starten, fand ich heraus, dass mein Mann und ich ein Kind erwarten. Ich war seit ein paar Monaten nüchtern, nur weil ich es wollte; mein Mann wurde 40 und wir dachten: „Weißt du was, wir sollten eine Pause machen und eine Weile wirklich klar im Kopf sein.“ Also war ich seit zwei Monaten nüchtern und dann fand ich heraus, dass ich schwanger war. Ich hatte bereits eine sehr klare neue Sache im Kopf. Und dann verstärkte die Schwangerschaft das natürlich wirklich.

Ich fühle, dass es eine große Verbindung zwischen dem kreativen Prozess der Aufnahme eines Albums und dem Tragen eines Babys gibt. Der Prozess dauert so lange, er beginnt klein und dann wächst und baut sich alles auf und es wird hoffentlich Ihr Meisterwerk, bis es fertig ist. Es war großartig. Ich hatte keine Probleme beim Singen. Natürlich, ganz am Ende, als ich über neun Monate schwanger war, hatte ich ein wenig Probleme, gut Luft zu bekommen, aber ich hatte nichts als Zeit. Wir haben einfach daran gearbeitet. Es gab einfach keine Frist, und ich hatte das Gefühl, dass ich alles perfekt machen konnte. Es ist irgendwie wie das Nestbau, wobei man ziemlich spezifisch mit Mixen und all dem ist.

Ihre Musik war schon immer politisch, besonders im Hinblick darauf, wie das Persönliche politisch ist. Bei dem Zustand der Welt, wie er gerade ist, wo sehen Sie die Rolle von Kunst und Musik als Mittel, um Gutes zu bewirken, oder zumindest als ein Zufluchtsort für die Menschen?

Ich habe in letzter Zeit definitiv selbst viel Musik gehört, also kann ich mich als Hörer und Musikfan darauf beziehen, dass sie in wirklich unsicheren Zeiten Stress abbaut. Es fällt schwer zu denken, dass ich dieses Album jetzt teilen und bewerben muss, wenn es so viele andere Dinge zu besprechen gibt. Aber gleichzeitig weiß ich, dass mehr Menschen jetzt Musik hören als sie es seit wirklich langer Zeit getan haben. Ich denke, wir hatten nicht den Raum dafür. Jeder war so abgelenkt, lebte in dieser 15-Minuten-Welt. Es ist gut zu wissen, dass die Kunst den Menschen hilft. Ich hoffe nur, dass die Leute erkennen, dass Künstler jetzt ihre Hilfe brauchen, weil es schwer ist, seinen Lebensunterhalt zu verdienen, wenn jeder Ihre Medien kostenlos sehen kann. Es kostet viel Geld und wir müssen uns in dieser Zeit auf jeden Fall um unsere Künstler kümmern.

Foto von Bobbi Rich