Treten Sie ein in Caleb Landry Jones' Lo-Fi-Karneval

In den vergangenen 14 Jahren hat Jones seinen wachsenden Katalog geheim gehalten, während er bekannter für seine Schauspielerei wurde. Er brach 2017 richtig durch, nachdem er in von der Kritik gefeierten Filmen wie Get Out, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri und The Florida Project die Aufmerksamkeit auf sich zog. Obwohl sein Ruf nun mit verstörenden Charakteren wie Get Out’s Jeremy Armitage oder Twin Peaks’ Steven Burnett verbunden ist, kam Jones selbst bei unserem Gespräch vor ein paar Wochen unbestreitbar charmant rüber. Er wechselte häufig in lebhafte Stimmen, während er Geschichten erzählte, ähnlich der Modulation, die er in The Mother Stone verwendet, und war bescheiden über seine Arbeit, indem er über die zufälligen Ursprünge seiner Lieder und die willkürlichen Benennungen seiner Songs scherzte. Er benutzt nicht nur immer noch ein Klapphandy, sondern unser Gespräch wurde auch verzögert, während sein Vater seine Leitung in Anspruch nahm.

Wie wir alle ist Jones zu Hause eingesperrt, während wir auf eine globale Pandemie warten. Vielleicht im Gegensatz zu vielen von uns verbringt er seine Selbstquarantäne auf der Farm seiner Eltern im Collin County, Texas. Genauer gesagt, verbringt er viel Zeit in der Scheune, dem unscheinbaren Ort, an dem er den Großteil seiner unveröffentlichten Werke aufgenommen hat. Diese Scheune ist so etwas wie Jones’ Pendant zu Wilco’s Loft, eine Startrampe für seine Musik, die sowohl durch den Komfort, den sie bietet, als auch durch die mystische Kreativität inspiriert wird, die sie hervorruft. Er findet die Umgebung schützend gegenüber dem scheinbaren Chaos dieses Moments. „Naja, ich weiß nicht, wenn man hierher kommt, ist man irgendwie automatisch in Quarantäne“, sinniert er. „Ich meine, ich verstehe, was vor sich geht, weil mein Vater das Wall Street Journal liest. Abgesehen davon scheint alles ziemlich normal zu sein, außer dass es natürlich keine normale Zeit ist.“

Vielleicht haben Sie diesen Außenposten während dieser Krise früher schon einmal gesehen, als er einen Livestream von der Farm aus hielt. Wie in normalen Zeiten, schreibt Jones ständig neue Musik, und nachdem er die Zuschauer durch sein chaotisches, gemütliches Set-up geführt hatte, spielte er einige der Songs, an denen er gearbeitet hat. Wie er sich erinnerte: „Mir wurde gesagt, wir wollten das ein paar Tage vorher machen, und ich dachte, Mensch, das Einzige, was ich jetzt tun kann, ist wahrscheinlich, was ich im Moment mache, weil ich wusste, dass ich mich an diese Akkorde erinnern würde.“ Die Veranstaltung war so lässig und unkompliziert wie er selbst – eine reduzierte, improvisierte Darbietung seiner impulsiven, expansiven Melodien.

Obwohl dieser Zeitraum der bundesweiten Ausgangssperre eine einzigartige Gelegenheit für Musikfans war, ihre Lieblingskünstler improvisierte Versionen ihrer Songs spielen zu sehen, war es besonders besonders, Jones von seinem Schaukelstuhl aus ein Lo-Fi-Konzert geben zu sehen. Dies liegt teilweise daran, dass er bisher noch keine Live-Auftritte für dieses kommende Album gegeben hat, sondern auch daran, dass die schlichte Darbietung im Grunde das genaue Gegenteil des tatsächlichen Sounds des großartigen, karnevalesken The Mother Stone war.

Die unmittelbar auffälligste Eigenschaft des Albums, das am 1. Mai erscheint, ist seine ungezügelte Ambition. The Mother Stone ist das seltene zeitgenössische Rockalbum, das im Gespräch mit Wish You Were Here oder In The Court of the Crimson King stehen möchte. Die Sammlung besteht aus mehreren Vignetten, einer Komposition von zusammengewürfelten Bewegungen, die von langsamen, luftigen Akkorden bis hin zu mitreißenden Riffs reichen, typischerweise innerhalb desselben Songs. Aber das Album ist auch ganz und gar sein eigenes Werk, und hat seine eigene Zeit. Es gibt kräftige Anklänge an die B-Seite von Abbey Road, aber auch den klaustrophobischen FM-Rock von Alex Turner-nahen Acts wie Mini Mansions oder Alexandra Savior.

Jones bleibt nie zu lange bei einer Idee, und mit über einer Stunde Musik bleibt hier viel, in das Sie Ihre Zähne hineinbeißen können, vorausgesetzt, Sie kauen schnell. Der erste Song und die erste Single „The Flag / The Mother Stone“ ist fast ein Mini-Album für sich, das eine glitzernde orchestrale Marschmusik mit einem gezackten Desert Rock Acid Trip kombiniert, der sich über siebeneinhalb Minuten erstreckt. Der nächste Song, „You’re So Wonderful“, ist ein theatralischer Spaß, gefüllt mit übertriebenen Gesangseffekten und dramatischen rhythmischen Schwüngen. Nach 15 Tracks kann der kumulative Effekt überwältigend sein, Musik, die ganz klar ihr eigenes Schlagzeug schlägt und Sie vom Weg abbringt.

Nach ein paar Durchläufen erkennen Sie Ihre Orientierung, wenn Sie beginnen, leichter einzelne Details herauszuziehen. Eine Vielzahl von Instrumenten fliegt ein und aus, kollidiert und reibt sich aneinander, während sie um Raum kämpfen – vintage Casio-Keyboards, abgewetzte Yamahas, seitwärts schwingende Saiten. Es ist eine großartig chaotische Collage aus Klängen. Zu den Höhepunkten gehört „No Where’s Where Nothing Died“, das friedlich beginnt, bevor es entfacht wird, wie ein fallender Stern, der in einem großen Knall verglüht. Es ist alles klopfende Percussion und aufsteigende Melodien, die sich zu einem massiven, von Blechbläsern unterstützten Chorgesang entzünden, der für die Wiederholung gegen Ende des Albums sogar noch weiter aufgemotzt wird. Andere Tracks wie „The Hodge-Podge Porridge Poke“ verschwenden jedoch keine Sekunde, um von Anfang an in ihre kathartischen Kakophonien einzutauchen.

Das grandiose Maßstab des Albums ist nicht das Ergebnis methodischer Absicht, sondern vielmehr ungehinderter Instinkte. Jones’ Songbuch wuchs so schnell, weil er den Gedanken keine Zeit zu geben, während er die Klänge in seinem Kopf laut nachschuf. „Die ersten Schritte sind die wichtigsten, das finde ich heraus“, sagt er. „Mehr oder weniger hören Sie den Song auf eine Weise, wie man ihn in einem Traum weit weg hört, nicht unbedingt nah. Und dann, je näher Sie ihm kommen, desto näher kommt er zu Ihnen.“ Er lacht über die abstrakte Beschreibung, die er bietet, aber schließt den Gedanken trotzdem ab. „Und Sie machen entweder die Dinge, die dieses Bild auf diese Weise ausfüllen, oder Sie zerstören es und müssen ein bisschen sauber wischen, um es neu zu gestalten.“

Was The Mother Stone als Abkehr von Jones’ vorheriger Musik definiert, ist die Einführung von Zusammenarbeit in diesen Songwriting-Prozess. Nach vielen Jahren, in denen er fast ausschließlich für sich selbst aufgezeichnet hat, fand sich Jones in Los Angeles mit genügend Geld zwischen den Filmen, um seine erste richtige Zeit in einem Studio zu buchen. Da er bald nicht zu der Scheune seiner Eltern zurückkehren konnte, war es sein Ziel, einfach die Lieder, die er beim Arbeiten an den Filmen geschrieben hatte, aufzunehmen. Die Realisierung eines richtigen Debütalbums kam erst zustande, nachdem Jones durch seinen Freund Danny Lee Blackwell von der Band Night Beats mit Nic Jodoin bei Valentine Recording Studios in Kontakt gebracht wurde.

„Ich sagte ihm nur ein paar Songs, weil ich nicht wusste, wie viel es werden würde und wie es funktionieren würde, da wir vorher noch nie zusammengearbeitet hatten“, erinnerte sich Jones. „Aber ich hoffte, es würde ein Album werden, und sicher genug, nach ein paar Tagen haben wir einfach weitergemacht.“ Von da an holte Jodoin Drew Harrison ins Boot, der die Streicher- und Horn-Parts arrangierte, die über The Mother Stone prangen. Der erweiterte Sound bedeutete zusätzlich Musiker, und insgesamt spielten mehr als 20 Personen auf der Platte, von Holzbläsern bis hin zu zweiten und dann dritten Gitarren. Er schreibt die Stärke der Musik dem Umstand zu, „so viele andere großartige Musiker kommen zu lassen und ein bisschen ihr Herz auszuschütten und dann wieder zurückzukommen und erneut rauszulassen und wieder zurückzugeben.“

Es ist passend, dass das Album, in dem Jones die meisten Menschen eingeladen hat, das sein wird, das er den meisten Menschen zugänglich macht – sein erstes Album für die Öffentlichkeit, oder zumindest sein erstes, das nicht über MySpace veröffentlicht wurde. Damals, im Alter von 17 Jahren, machte sich Jones ständig Sorgen über den Empfang und fragte sich: „Oh, wie viele Menschen hören mir zu, wie viele Menschen billigen, was ich tue?!” Er schüttelt jetzt den Kopf über dieses Gefühl. „Es war aufregend, Validation zu bekommen, aber gleichzeitig wurde es irgendwie auch ein bisschen unangenehm“, bemerkt er, kichert, als er hinzufügt: „Und ich habe immer geschaut, ob ein Ex es gehört hat.“

Er erkennt, dass diese Versuchung nach sofortigem Feedback immer noch in ihm steckt. „Man ist immer neugierig, ob das irgendetwas bewegt hat, draußen in der Welt“, sagt er. „Oder ob es einfach nur da saß und vier Atemzüge nahm und dann starb.“ Aber anstatt seine Kunst zu validieren, besteht sein Wunsch, dass die Menschen jetzt zuhören, hauptsächlich darin, die Gelegenheit zu bewahren, mehr zu veröffentlichen. Denn Jones wird immer neue Musik schreiben; der Unterschied, den er mir jetzt erzählt, ist, dass er Teil eines Teams ist, das dafür plädiert, dass es gehört werden muss. Und da immer mehr Menschen von seiner einzigartigen musikalischen Perspektive erfahren, wird es schwieriger, diese anderen 685 Songs für sich zu behalten.