Kommen Sie in Caleb Landry Jones' Lo-Fi-Karneval hinein

In den vergangenen 14 Jahren hat Jones seinen wachsenden Katalog dicht bei sich behalten, während er besser für seine Schauspielerei bekannt wurde. Er brach 2017 richtig durch, nachdem er in von der Kritik gefeierten Filmen wie Get Out, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri und The Florida Project im Rampenlicht stand. Obwohl sein Ruf mit unheimlichen Charakteren wie Get Out’s Jeremy Armitage oder Twin Peaks’ Steven Burnett verbunden ist, kam Jones selbst bei unserem Gespräch vor ein paar Wochen unbeirrt und charmant rüber. Er brach häufig in lebhafte Stimmen aus, während er Geschichten erzählte, ähnlich der Modulation, die er in The Mother Stone verwendet, und war bescheiden bezüglich seiner Arbeit, indem er über die zufälligen Ursprünge seiner Songs und deren geworfenes Benennungsschema scherzte. Er nutzt nicht nur immer noch ein Klapphandy, sondern unser Gespräch verzögerte sich auch, weil sein Vater seine Leitung benutzte.

Wie wir alle ist Jones zu Hause eingeschlossen, während wir eine globale Pandemie abwarten. Vielleicht im Gegensatz zu vielen von uns verbringt er seine Selbstquarantäne auf der Farm seiner Eltern in Collin County, Texas. Genauer gesagt verbringt er viel Zeit im Stall, dem unscheinbaren Ort, an dem er den Großteil seiner unveröffentlichten Werke aufgenommen hat. Dieser Stall ist so etwas wie Jones’ Pendant zu Wilco’s Loft, ein Sprungbrett für seine Musik, das sowohl durch die Bequemlichkeit, die es bietet, als auch durch die mystische Kreativität, die es inspiriert, entstanden ist. Er hat festgestellt, dass die Umgebung ihn vom scheinbaren Chaos dieses Moments isoliert. „Nun, ich weiß nicht, hierher zu kommen, ist man automatisch in Quarantäne“, sinniert er. „Ich meine, ich weiß, was vor sich geht, weil mein Vater das Wall Street Journal bekommt. Abgesehen davon scheint es ziemlich normal zu sein, abgesehen von der Tatsache, dass man weiß, dass es nicht eine normale Zeit ist.“

Vielleicht hast du diese Außenstelle bereits zu Beginn der Krise gesehen, als er einen Livestream von der Farm aus hielt. So wie er es in normalen Zeiten tut, schreibt Jones ständig neue Musik, und nachdem er den Zuschauern seine überfüllte, gemütliche Einrichtung gezeigt hatte, spielte er einige der Stücke, an denen er gearbeitet hat. Wie er sich erinnerte: „Mir wurde gesagt, dass wir das ein paar Tage zuvor machen wollten, und ich dachte, Gott, nun, das Einzige, was ich jetzt tun kann, ist wahrscheinlich das, was ich im Moment mache, denn ich wusste, dass ich mich an diese Akkorde erinnern würde.“ Das Event war so entspannt und unaufdringlich wie er selbst — eine reduzierte, improvisierte Präsentation seiner manischen, weitreichenden Melodien.

Obwohl diese Zeit eines landesweiten Aufenthalts zu Hause ein einzigartiger Moment für Musikfans war, um ihre Lieblingskünstler improvisierte Versionen ihrer Songs spielen zu sehen, war es besonders schön zu sehen, wie Jones ein Lo-Fi-Konzert aus seinem Schaukelstuhl gab. Das liegt zum Teil daran, dass er bisher keine Live-Shows für dieses kommende Album abgehalten hat, aber auch daran, dass die schlichte Darbietung im Wesentlichen das genaue Gegenteil des wirklichen Klangs des grandiosen, karnevalesken The Mother Stone war.

Die am auffälligsten Eigenschaft des Albums, das am 1. Mai erscheint, ist seine ungezügelte Ambition. The Mother Stone ist das seltene zeitgenössische Rockalbum, das darauf abzielt, im Gespräch mit Wish You Were Here oder In The Court of the Crimson King zu sein. Die Sammlung besteht aus mehreren Vignetten, einem Zusammenspiel von zusammengewürfelten Bewegungen, die von lahmen, luftigen Klängen bis hin zu gasbetriebenen Riffs reichen, typischerweise innerhalb desselben Songs. Aber das Album ist auch sehr eigenständig und Teil seines eigenen Moments. Es gibt starke Elemente von Seite B Abbey Road, aber auch die klaustrophobische FM-Rockmusik von Alex Turner-nahen Acts wie Mini Mansions oder Alexandra Savior.

Jones bleibt nie zu lange bei einer Idee, und mit über einer Stunde Musik gibt es hier viel, in das man hineinbeißen kann, vorausgesetzt, man kaut schnell. Der erste Song und Lead-Single „The Flag / The Mother Stone“ ist fast ein Mini-Album für sich, in dem ein glitzernder orchestraler Marsch neben einem zersplitterten Desert-Rock-Säuretrip steht, der sich über sieben Minuten erstreckt. Der nächste Song, „You’re So Wonderful“, ist ein theatralischer Spaß, gefüllt mit übertriebenen vokalen Effekten und dramatischen rhythmischen Schwüngen. Nach 15 Tracks kann die kumulative Wirkung überwältigend sein, Musik, die sehr zu ihren eigenen Trommeln schlägt und dich vom Kurs abbringt.

Nach ein paar Mal Hören findest du deine Orientierung, wenn du die Einzelheiten leichter herausziehen kannst. Eine Vielzahl von Instrumenten fliegt ein und aus, kollidiert und reibt sich aneinander, während sie um Platz kämpfen — vintage Casio-Keyboards, abgedroschene Yamahas, seitwärts gewundene Saiten. Es ist eine großartig überladene Collage aus Klängen. Zu den Höhepunkten gehört „No Where’s Where Nothing Died“, das friedlich beginnt, bevor es in Flammen aufgeht, wie ein Sternschnuppe, die in einen Urknall verbrennt. Es ist alles fesselnde Percussion und sich aufblähende Melodien, die in einen massiven, blechunterstützten Chorgesang übergehen, einer, der für seine späte Album-Wiederholung sogar noch weiter aufgeblasen wird. Andere Stücke wie „The Hodge-Podge Porridge Poke“ hingegen verschwenden keine Sekunde, um gleich zu Beginn in ihre kathartischen Kaskaden einzutauchen.

Der große Maßstab des Albums ist nicht das Ergebnis methodischer Absicht, sondern vielmehr ungehinderter Instinkte. Jones' Songbook konnte so schnell wachsen, weil er wenig Zeit für nachträgliche Gedanken ließ, während er die Klänge in seinem Kopf laut nachschuf. „Die ersten Schritte sind die wichtigsten, stelle ich fest“, sagt er. „Im Großen und Ganzen hörst du den Song sozusagen, wie in einem Traum, wie du ihn in weiter Ferne hörst, nicht unbedingt nah. Und je näher du kommst, desto näher kommt er zu dir.“ Er lacht über die abstrakte Beschreibung, die er gibt, schließt jedoch den Gedanken trotzdem ab. „Und du tust entweder die Dinge, die dieses Bild so ausfüllen, oder du zerstörst und musst die Tafel ein wenig reinigen, um es neu zu überarbeiten.“

Was The Mother Stone als Abweichung von Jones’ früherer Musik definiert, ist die Einführung von Zusammenarbeit in diesen Songwriting-Prozess. Nach vielen Jahren, in denen er fast ausschließlich für sich selbst und von sich selbst aufnahm, fand sich Jones in Los Angeles mit genug Geld zwischen den Filmen, um seine erste echte Zeit im Studio zu buchen. Da er bald nicht zu den Scheunen seiner Eltern zurückkehren konnte, war sein Ziel einfach nur, die Songs, die er während der Arbeit an den Filmen geschrieben hatte, festzuhalten. Die Realisierung eines richtigen Debütalbums kam erst, nachdem Jones durch seinen Freund Danny Lee Blackwell von der Seattle-Band Night Beats mit Nic Jodoin im Valentine Recording Studios in Verbindung gebracht wurde.

„Ich habe ihm nur ein paar Songs erzählt, weil ich nicht wusste, wie viel es werden würde und wie es ausgehen würde, da wir noch nie zuvor zusammengearbeitet haben“, erinnerte sich Jones. „Aber ich hoffte, dass es ein Album werden würde, und tatsächlich haben wir nach ein paar Tagen einfach weitergemacht.“ Von dort brachte Jodoin Drew Harrison ins Boot, der die Streicher- und Hornparts arrangements, die sich über The Mother Stone ziehen. Der erweiterte Klang bedeutete weitere Musiker, und insgesamt spielten über 20 Leute auf dem Album, von Holzbläsern bis hin zu zweiten und dann dritten Gitarren. Er führt die Stärke der Musik auf “das zurück, dass so viele großartige Musiker kommen und sich ein wenig entblößen und dann wiederkommen und dann ein weiteres Entblößen machen und erneut zurückgeben.”

Es ist passend, dass das Album, in dem Jones die meisten Menschen einließ, das sein wird, das er den meisten Menschen zugänglich macht — sein erstes Album für die Öffentlichkeit, oder zumindest sein erstes, das nicht über MySpace veröffentlicht wurde. Damals, im Alter von 17 Jahren, machte sich Jones ständig Sorgen um die Rezeption und fragte sich: „Oh, wie viele Leute hören mir zu? Wie viele Leute genehmigen, was ich tue?!“ Er schüttelt jetzt den Kopf über dieses Gefühl. „Es war aufregend, Bestätigung zu bekommen, aber gleichzeitig wurde es auch ein bisschen widerlich“, merkt er an und lacht, als er hinzufügt: „Und ich habe immer geprüft, ob eine Ex es gehört hat.“

Er erkennt, dass diese Versuchung nach sofortigem Feedback immer noch in ihm ist. „Du bist immer neugierig, ob es irgendetwas bewegt hat, draußen in der Welt“, sagt er. „Oder ob es einfach nur da herumlag, vier Atemzüge nahm und starb.“ Aber anstatt seine Kunst zu validieren, ist sein Wunsch, dass die Leute jetzt zuhören, hauptsächlich, um die Möglichkeit zu bewahren, mehr zu veröffentlichen. Denn Jones wird immer neue Musik schreiben; der Unterschied, den er mir jetzt sagt, ist, dass er Teil eines Teams ist, das dafür plädiert, dass sie gehört werden muss. Und je mehr Menschen von seiner einzigartigen musikalischen Perspektive erfahren, desto schwieriger wird es, diese anderen 685 Songs für sich zu behalten.