Klänge der Introspektion: Bicep über ihr neues Album „Isles“

Ihr zweites Album Isles setzt die Bicep-Tradition fort, indem es ihr Talent für Plattenforschung und musikalische Neuinterpretation in den Vordergrund stellt, während sie esoterischen R&B und zarte Disco-Rhythmen neben malawischen Sängern und dem weiblichen Vokalchor des bulgarischen Staatlichen Fernsehens sampeln. Mit der Hilfe von Biceps psychedelischen Texturen und melodischen Manipulationen fühlt man die Heiligkeit dieser seltenen Platten. Und obwohl jeder Hörer eine andere emotionale Reise erlebt, klingt für mich Isles wie eine gespenstische Euphorie.

VMP traf sich vor der Veröffentlichung des Albums mit ihnen, um über Techno, ihren kreativen Prozess und die seltsame Erfahrung, auf TikTok viral zu gehen, zu sprechen.

VMP: Wann kam das Thema von Isles ins Spiel?

McBriar: Nachdem wir das Album fertiggestellt hatten. Es entstand aus Reflexion. Nachdem wir über die Dinge gesprochen hatten, die uns inspirierten und beeinflussten, schauten wir auf die Tracks und erkannten, dass sie im Wesentlichen eine Hybridversion der Inseln waren, auf denen wir gelebt hatten: England und Irland. Es nähert sich dem halben Weg, dass wir auf beiden gewesen sind, also ergab es Sinn. Wir sahen einfach die Einflüsse der frühen irischen Clubmusik, all die Techno-Clubs und Stunden, die wir damit verbrachten, Trance im Radio zu hören, sowie irische Volksmusik. Dann, als wir nach London kamen, hatten wir Garage und Drum & Bass und Jungle, Dinge, die wir in Irland nie wirklich erlebt hatten, oder vielleicht nur ein wenig davon. Das Album reflektiert definitiv die Einflüsse von beiden Seiten des Spektrums. Mit Isles, sobald wir es ausgesprochen hatten und darüber nachdachten, begann es wirklich Sinn zu machen.

Techno war in Irland groß?

McBriar: Ja, massiv. Wenn wir „massiv“ sagen, war es immer noch extrem unterirdisch. Es gab große Nächte im Shine [einem der legendärsten Clubs von Belfast], wo rund 3.000 Leute da waren, und es war einfach verrückt, das Verlangen danach. Es war so eine intensive Erfahrung im Gegensatz zu dem sehr konservativen Irland, wo nicht viel Intensität passiert.

Ferguson: Belfast war in vielerlei Hinsicht hinter dem Rest der Welt zurück, also war es für uns als Kinder verrückt, diesen zukunftsorientierten Techno zu hören; es hat uns stark beeinflusst und unsere Liebe zum Grabben und Suchen nach Musik ausgelöst. Es führte dazu, dass wir DJing entdeckten und von da aus alle anderen Arten von Musik. Es war ein echter Katalysator, denn davor waren wir beide sehr in Rockmusik vertieft.

Warum glauben Sie, dass Techno für die Menschen in Irland zu dieser Zeit so ansprechend war?

McBriar: Das Wetter (lacht). Aber nein, ich denke, es ist die Transzendenz. Sie können auch etwas Aggression loslassen. Es gibt so viel politisches Aufruhr, das Wetter ist nicht großartig. Und mit Techno ist es Musik, um Ihr Gehirn auszuschalten. Es gibt keine Vocals, nur fünf Stunden, in denen Sie auf einen anderen Planeten gehen. Ich denke, deshalb ist Techno für viele Menschen so beliebt, es ist eine Gelegenheit, wirklich abzuschalten und in Ihre eigene Welt zu gehen. Es machte wirklich zu dieser Zeit in Irland Sinn. Ich erinnere mich an das Gefühl, hineinzugehen und ein paar tausend Leute in einem Raum zu erleben, alle mit gesenkten Köpfen im Dunkeln, und zum ersten Mal — wir waren 17 — es war einfach umwerfend.

Gab es viele andere Umgebungen, in denen Sie dieses fehlende Spannungsgefühl zwischen Katholiken und Protestanten in Nordirland spürten?

Ferguson: Nein. Fast alles andere in Nordirland ist politisiert, es ist schwer, sich an etwas zu erinnern, das nicht ist. Sogar die Art und Weise, wie die Stadt in verschiedene Bezirke aufgeteilt ist, die überwiegend einer Religion oder der anderen angehören. Es war verrückt, der Unterschied, den man im Club fühlte. Nicht, dass wir das besonders suchten, aber es fühlte sich sicherlich wie eine Gegenkultur zu dem an, was draußen vor sich ging.

Glauben Sie, dass dies etwas Spezifisches an Techno ist, seine entpolitisierende Wirkung?

Ferguson: Das Problem ist, wenn Sie sich Punk und Rock ansehen, ist so viel davon politisch, aber bei Tanzmusik schreiben Sie Ihre eigene Geschichte. Sie gehen in Ihre Welt, wenn Sie es hören. Jeder hat ein sehr unterschiedliches Erlebnis in einem Nachtclub als vielleicht anderswo. Ich denke, es gibt mehr Introspektion in der Tanzmusik, wo Sie auf Ihre eigene Weise hineingehen, weil es viele Lücken zu füllen gibt.

Gibt es bestimmte Emotionen, die Sie in Ihrer Musik zu suchen versuchen?

Ferguson: Wir decken viel ab. Es gibt Tage, an denen einer von uns wütend, glücklich, traurig oder was auch immer ist. Wir besprechen es nicht, wir jammen einfach ständig im Studio, und was dabei herauskommt, ist das Ergebnis von zwei verschiedenen Menschen, die zusammenarbeiten. Wir hören regelmäßig, dass unsere Musik eine Mischung aus fröhlich und traurig ist; erhebend und doch melancholisch. Wir sind an einem Punkt, an dem wir das ziemlich stark sehen, obwohl es nicht etwas ist, das wir aktiv verfolgen. Es ist etwas, das natürlich herauskommt, es muss etwas sein, das einfach in uns ist. Es ist immer noch so geschrieben, dass die Leute es auf ihre eigene Weise interpretieren und ihre eigene Reise damit unternehmen können, damit sie ihre eigene narrative Arkade setzen können. Es gibt futuristische Szenen mit einigen Klängen der Vergangenheit – die Dinge, mit denen wir aufgewachsen sind. Wir haben eine natürliche Affinität zu alten Synthesizern aus den 80ern.

McBriar: Wir möchten niemals etwas völlig Süßes oder völlig Dunkles liefern. Es ist die Spannung zwischen diesen Emotionen. Jedes Mal, wenn wir einen Track haben, der das Gefühl hat, dass er in eine dieser Richtungen geht, sorgen wir dafür, dass wir ihn woanders hin lenken. Es gibt etwa vier oder fünf Versionen jedes Tracks auf dem Album, und normalerweise führt die erste Version ihn in eine ziemlich grundlegende Richtung, dann nehmen wir uns etwas Zeit und nähern uns ihm aus einem anderen Blickwinkel, dann versuchen wir, dieses vielschichtige Ding zu formen. Natürlich, da wir zu zweit sind, sind wir sehr selten auf derselben Seite.

Gibt es jemals Konflikte zwischen Ihnen beiden, wenn Sie Musik machen?

McBriar: Ja, es ist nicht so sehr ein Konflikt, aber wenn einer von uns sehr gegen ein bestimmtes Element ist, müssen wir die Überlegung anstellen, dass jemand anderes, der zuhört, auch dagegen sein könnte. Wenn wir beide nicht daran glauben, wird es keine Idee sein, an der wir festhalten wollen. Es kommt von uns beiden, die in Design-Hintergründen arbeiten und verstehen, sich nicht zu sehr an ihre Ideen zu klammern, weil jemand in irgendeiner Abteilung sie vermasseln wird. Wenn Sie sich zu sehr an eine bestimmte Idee oder Vision binden, halten Sie sie zu nah und sie beeinflusst das Gesamtergebnis. Wir passen ständig an und hinterfragen. Der Ansatz muss kollaborativ sein, und es gibt keinen Raum, egoistisch zu sein. Das ist sowieso die Ethik der Musik; wir versuchen, Einflüsse von überall her zu ziehen. Es soll offen und nach außen gerichtet sein. Wir haben denselben Ansatz zwischen uns. Wir halten es entspannt, wir tyrannisieren den anderen nicht, um unseren Standpunkt durchzusetzen. Wir haben 150 Demos gemacht, und wenn einer von uns den Track nicht mochte, wurde er verworfen.

Hat das viele Touren zu Ihrem Debüt Ihre Herangehensweise an die Erstellung dieses zweiten Albums beeinflusst?

Ferguson: Ja, definitiv. Von der Liveshow haben wir viel darüber gelernt, was funktioniert und was ein Track benötigt, um Langlebigkeit zu haben. Wir fanden heraus, als wir viele Tanztracks schrieben, als wir jünger waren, dass sie, wenn wir versuchten, die Tracks auseinander zu nehmen, nur so gut wie die Summe ihrer Teile waren. Unsere Tracks schienen nur als vollständige Idee zu funktionieren, und je mehr wir in die Liveshow eintauchten, desto mehr erkannten wir, dass die Teile genauso wichtig sein mussten wie die Gesamtheit. Eine Melodie musste stark genug sein, um isoliert oder mit einem anderen Drum-Pattern kombiniert zu werden, um immer noch zu funktionieren.

McBriar: Jetzt versuchen wir, unsere Tracks auf neue Weise neu zu erfinden, während wir sie immer noch wie das gleiche Lied klingen lassen. Wir stellten wirklich fest, dass einige Tracks einfach nicht richtig dekonstruiert wurden, während andere Songs, die wir geschrieben haben, es taten – und das sind die, auf die wir uns konzentrieren. Diejenigen, die wir wirklich auseinanderreißen und live spielen können. Wir möchten nicht, dass die Tracks einer starren Formel folgen, wir möchten, dass sie flüssig und offen sind. Die Tracks werden ein zweites Leben haben, wenn Sie uns live sehen.

Wie wichtig ist Sampling für Ihre Musik?

McBriar: Auch in den frühen Blog-Tagen wählten wir Hip-Hop-Tracks aus und recherchierten ihre Samples. Die Reise, die Original-Samples zu finden und zu sehen, wie ein Musiker sie neu interpretiert hat, ist eine massive Inspiration für uns. Wir lieben es, offen zu sein und Musik zu teilen. Unsere Tracks sind nicht auf die Samples angewiesen, und es gibt nichts zu verbergen. Wir möchten, dass die Leute die Originalmusik hören, und wir möchten transparent über die Musik-Samples sein, die wir verwendet haben. Wir haben eine Website, auf der Sie mehr über alle Samples auf diesem Album lesen können, weil wir wirklich einen Punkt machen wollten, warum diese Musik uns beeinflusst hat.

Würden Sie sagen, dass Sie die Untergrundmusik den Massen näherbringen?

McBriar: Wir machen einfach, was wir tun. Wir kommen sicherlich aus einer eher unterirdischen Kultur, und wir neigen nicht wirklich zum Kommerziellen. Es ist erstaunlich, wenn es auf dieser Ebene funktioniert, aber es ist nicht der Grund, warum wir es machen. Wir möchten Musik auf unsere Weise machen. Mit Ninja Tune [Biceps Plattenlabel] machen sie keine Kompromisse. Wir liefern die Musik und sie sagen: „Wir werden das funktionieren lassen.“ Sie haben nie das Gefühl, dass Sie versuchen, ein kommerzielles Ziel zu erreichen, es ist nie eine Absicht. Mit Plattformen wie Spotify neigen die Leute dazu, mehr experimentelle Musik zu hören und sind offen für Musik, die viel weiter draußen ist, weil der Algorithmus sie darauf aufmerksam gemacht hat. Es gibt Leute, die nicht wirklich in Tanzmusik sind oder nicht unbedingt in Plattenläden gehen würden, um zu graben und hören, was wir als eher unterirdische Musik betrachten würden. Das ist die Natur der Tanzmusik in den letzten Jahren. Es gibt Clubs in Grand Theft Auto, die unterirdische Tanzmusik spielen. Wenn Sie mir das als Kind gesagt hätten, würde ich sagen, das ist die kommerziellste Form jeder Musik – einen Club in einem Computerspiel zu haben.

Als Sie anfingen, gab es nicht viele offensichtliche Möglichkeiten, unterirdische Musik zu entdecken, also erfüllte Ihr Blog einen Zweck. Wie fühlt es sich jetzt an, da das Untergrund wirklich mit dem Mainstream im Gespräch zu sein scheint?

McBriar: Das ist alles den sozialen Medien und der Art und Weise, wie sie sich entwickelt haben, zu verdanken. Es ist schwer, an etwas zu denken, das wirklich unterirdisch ist oder das nicht entblößt wurde. Die Welt ist jetzt so hyperverbunden, aber wenn wir den Blog in der Universität gestartet haben, fühlte es sich wirklich wie eine eigene kleine Ecke des Internets an. Deswegen ist die Liveshow jetzt auch so wichtig, weil wir in unseren Köpfen wissen, dass die Leute die Musik kennen, aber der einzige Weg, wie sie unsere Neuinterpretation davon erleben können, ist in einem Club- oder Festival-Setting. Wir möchten auf diese Weise kleine Momente in der Zeit schaffen, denn zumindest das gibt Ihnen etwas, das nicht an jeder Ecke erreichbar ist.

Ferguson: Jeder will alles jetzt.

Weil Sie aus einer Kultur des Grabens kommen – was ich für eine wirklich besondere Art halte, sich mit Musik zu verbinden – glauben Sie, dass diese Verbindung beeinträchtigt wird, wenn die Musik Ihnen nur auf einem algorithmischen Tablett serviert wird?

McBriar: Es gibt mehrere Möglichkeiten, dies zu betrachten. Jetzt haben mehr Menschen Zugang zu mehr Musik, das ist wahrscheinlich eine gute Sache. Vor vierzig Jahren gab es Menschen, die nur die Top 10 und das Mainstream-Radio hörten, aber jetzt hören mehr Menschen diese Sachen. Es muss jedoch mehr Betonung auf den Untergrund und die Raritäten gelegt werden. Wer weiß, wohin das Streaming gehen wird, wie lange es dauern wird oder wie lange Künstler ihre Musik dort behalten werden, aber ich weiß, dass Künstler mehr von diesen Plattformen bekommen müssen.

Mich interessiert, wie TikTok Sie beeinflusst hat, seit Ihr Track „Glue“ auf der Plattform viral gegangen ist?

McBriar: Wir hatten von TikTok gehört, aber keiner von uns hat es oder weiß etwas darüber. Wir haben erst kürzlich darüber gelernt, weil wir wussten, dass der Track explodiert war. Es ist ziemlich interessant, die Idee, dass etwas viral ist. Ursprünglich bedeutete ein virales Video, dass es einfach viele Male geteilt wird, während das Video gleich bleibt, aber ein tatsächliches Virus mutiert. Mit TikTok kann die Musik jedes Mal, wenn sie neu gepostet wird, mit anderen visuellen Elementen neu interpretiert werden, und das ist viel näher an der ursprünglichen Definition von viral, weil es sich ständig ändert. Für uns können Sie nicht anders, als zu denken, wow, so viele Leute haben unsere Musik neu interpretiert. Es ist eine Plattform, die dafür gebaut ist, wo Sachen ihr eigenes Leben übernehmen können.

**Trotz der vielen Neuinterpretationen, alle Videos, die ich auf TikTok gesehen habe, die Ihren Track verwenden, folgen alle der gleichen Art von Atmosphäre. Eine Art von schmerzhafter Nostalgie.**

Ferguson: Es ist lustig. Leute haben den Song benutzt, um die leeren Straßen während der Pandemie zu untermalen, und es hat noch mehr Nostalgie bei den Menschen ausgelöst – was sie vermissen und was sie verloren haben. Es ist voller Emo. Aber wir haben definitiv keine so starken Emotionen mit „Glue“ verbunden. Als wir es schrieben, sahen wir es eher auf der fröhlichen Seite. Für uns ist das die Schönheit der Instrumentalmusik, dass die Leute ihre eigene Bedeutung darin finden können.

Was hat Sie dazu bewegt, Ihren Bicep-Blog während des Lockdowns wieder aufzugreifen?

McBriar: Wir hatten mit Olly, einem unserer Manager, darüber gesprochen, aber wir fanden, dass es dieses Mal ganz anders war. Sie kämpfen ständig darum, die Leute dazu zu bringen, überhaupt auf den Blog zu gehen. Die Technologie ist so darauf angewiesen geworden, die Leute dorthin zu leiten, dass es keinen Sinn mehr ergibt. In der Vergangenheit war es eine Art Ziel für Blog-Aggregatoren, also musste man nicht wirklich daran arbeiten, die Leute dorthin zu bringen. Jetzt fühlt es sich an wie ein großer Aufwand, um die Leute dazu zu bringen, einen Post zu lesen. Wenn wir etwas auf unserem Instagram gepostet hätten, hätte es viel mehr Interaktion bekommen. Der Blog fühlt sich einfach wie eine datierte Technologie an, was irgendwie traurig ist, weil wir immer gerne über Musik geschrieben, Kontext dafür geliefert und uns vorgestellt haben, wie der Künstler, der sie geschrieben hat, sein könnte. Es könnte weit von der Wahrheit entfernt sein, aber der Blog fühlte sich immer wie ein guter Ort an, um diese Bilder zu zeichnen, es fühlte sich für uns wie ein Fanmagazin an. Es ist etwas, das in der Internet- und Sozialmediakultur verloren gegangen ist.

Ich frage mich, wie es sich anfühlt, ein Album zu planen, ohne zu wissen, wie die Situation der Welt sein wird, wenn es herauskommt?

Ferguson: Um ehrlich zu sein, war es einfach gut, ein Datum festzulegen, weil es sonst endlos hätte sein können. Die Musik muss sich für uns immer noch frisch anfühlen, und das Verzögern wäre schädlich für uns gewesen, darüber zu sprechen oder sie live zu spielen. Wir hätten uns möglicherweise nicht mehr damit verbunden gefühlt, wenn wir zu viel Zeit vergehen ließen.