Wir sprechen mit Big Scary über 'Animal', australischen Indie-Rock und den Versuch, beunruhigend zu sein

Big Scary haben ein Konzeptalbum über die Dualität des Menschen als nachdenkliche, liebevolle Wesen und als verkommene Monster im selben Moment gemacht.

Animal, das dritte Album der Gruppe, setzt auf eine erhabene, amorphe Idee und setzt sie mit schlankem, kantigem Pop um. Tom Iansek füllt Songs wie „Organism“ mit Orgelstößen und Saxophonskronks, während Joanna Syme mit einfallsreichem Schlagzeugspielen die Zeit perfekt im Takt hält. Das Paar scheint weniger verspielt zu sein, wenn sie Stücke wie „Heaven on Earth“ köcheln lassen, aber dennoch nicht weniger darauf bedacht, ihren Instrumenten Platz zum Teilen zu geben, anstatt um Raum zu konkurrieren.

Iansek sagt, Animal sei absichtlich spärlicher als die vorherigen Arbeiten der Band. Sie wollten einen deutlichen Sprung vorwärts im Vergleich zu Not Art machen, ihrem vorherigen Album, das den Australian Music Prize gewann. Aber diese Auszeichnung hat keinen zusätzlichen Druck auf die Band ausgeübt. Iansek bezeichnet es als Segen, dass die Band bemerkt wurde, aber nicht so sehr, dass sie sich verpflichtet fühlten, einem bestimmten Sound zu entsprechen. Er sagt, es gibt ihm mehr Mut, mehr mit dem Projekt zu versuchen.

Genügend Leute haben die Band noch nicht entdeckt, so dass, angesichts des leicht mordlüsternen Cover-Artworks von Animal und eines Bandnamens wie Big Scary, Iansek zugibt, dass die Leute manchmal etwas anderes erwarten könnten.

„Ich hätte mir gewünscht, wir wären eine Band mit einem schlüssigeren Thema, das die Leute und auch wir besser verstehen könnten“, sagt Iansek. „Aber es war eine Erleichterung, als wir erkannten, dass wir nur wir selbst sein müssen, und das ist der Punkt, an dem die Dinge interessanter werden.“

Vor der Veröffentlichung von Animal--es ist jetzt in unserem Mitgliederladen verfügbar-- haben wir mit Iansek über unangenehme Musik, zusätzlichen Nerdkram für Vinyl-Hörer und die Bedeutung von Courtney Barnett für die australische Musik gesprochen.

Sie nennen dieses Album herausfordernd. Meinen Sie das in Bezug auf das Hinausdrängen der Band, der Hörer oder vielleicht beides aus ihrer Komfortzone?

Alles davon. Es gibt Teile davon, die für uns unangenehm zu hören waren, jedenfalls anfänglich. Und wir dachten, wenn wir das nicht fühlen, können wir nicht wirklich erwarten, dass unsere Hörer es fühlen. Ich denke, ich habe das vorangetrieben, und es war schwer, das durchzusetzen, da man sich ja auf eine präsentable Weise zeigen möchte.

Oft zielen Künstler darauf ab, zu gefallen. Und wir haben das definitiv auch gemacht. Wir wollten das ein wenig aufrütteln. Warum erwartet der Hörer, in dieser Komfortzone zu sein, jedes Mal, wenn er ein Album auflegt? Ich denke häufig darüber nach. Die Leute gehen in eine Kunstgalerie und schauen sich etwas an, das ihnen nicht angenehm ist, aber sie bleiben dabei und fragen sich, warum? Warum fühlt sich das so an? Bei Musik sind die Leute viel wertender. Warum sollte Musik nicht die gleiche Reaktion hervorrufen?

Ja. Auf Ihrem neuen Album, der erste Track „Oxygen“, die Texte haben mich unbehaglich gemacht.

Dieses Lied spricht am meisten für dieses Unbehagen. Textlich geht es in diesem Lied um erotische Asphyxie. Es wurde über eine Geschichte geschrieben, die mir ein Freund erzählt hat, und das ist für mich sehr unangenehm. Ich denke, es spricht wirklich zum Thema des Albums. Diese Gruppe von Liedern würde nicht mit einem starken Konzept bestehen, und vieles davon war dieser Übergang von Dunkel zu Licht oder von Dunkel zu weniger Dunkel.

Dieses Konzept von Dunkel zu Licht hat dazu geführt, dass Sie das Album in vier Teile aufgeteilt haben. Können Sie die Logik dahinter erklären?

Die Hauptstruktur ist dieses Thema von Dunkel zu Licht. Aber innerhalb dessen wollten wir es aufbrechen und mit der Idee der Albumstruktur spielen. Da es vier Vinylseiten sind, warum nicht in kleine Untergruppen aufteilen? Und warum muss Vinyl unbedingt beschriftet sein als Disc eins, Seite A? Oft packt man seine Platten weg, vergisst, welche Seite man eingelegt hat, und wenn man sie das nächste Mal herausholt, weiß man nicht, welche Platte man in der Hand hat. Also dachten wir, warum kann das nicht der Stil des Albums sein, die erste Platte, die man herauszieht, legt man einfach auf und hört sie an?

Absolut. Die Leute können immer die chronologische Reihenfolge herausfinden und es so abspielen. Und es ist nur das Vinyl. Wir dachten, Vinyl-Hörer würden ein wenig zusätzlichen Nerdkram schätzen.

Nach den ersten paar Malen Hören dachte ich, diese Platte sei irgendwie minimalistischer. Es fühlt sich so an wegen der Art und Weise, wie Sie leere Räume nutzen, aber dann hat es auch einen sehr großen Klang.

Sie hören sehr aufmerksam. Es ist interessant, dass Sie das bemerken. Es passiert viel weniger als das, was wir normalerweise machen. In Bezug auf die Arrangements versuchen wir, dass all diese Dinge um einander herum arbeiten, anstatt übereinander. Wenn es eine Lücke im Basspart gibt, könnte ein Saxophonschlag kommen oder der Synthesizer springt ein, sodass alle Lücken irgendwie gefüllt werden und den Eindruck erwecken, dass es viel größer ist, als es ist.

Sie machen interessante Sachen. Es scheint momentan viel großartige Musik aus Australien zu kommen. Gibt es einen aktuellen Indie-Rock-Boom, oder ist das nur eine falsche Wahrnehmung, die Amerikaner haben?

Ich denke, es kommt einer falschen Wahrnehmung näher. Die Leute hier lieben es, Musik zu machen, und sie lieben Musik genauso wie überall sonst. Es mangelt nicht an Menschen, die ihr Leben der Musik widmen und unglaubliche Dinge schaffen. Es ist eine erstaunliche Zeit für Musik hier, besonders mit dem Land, das sich so sehr verändert.

Ja, es ist nicht neu, dass Menschen außerhalb Australiens Musik aus Australien mögen, aber vielleicht sind sich die Leute jetzt mehr bewusst, woher Bands und Musik kommen.

Es ist erstaunlich zu sehen, wie zum Beispiel bei Courtney Barnett, was sie getan hat. Ihr Erfolg fließt irgendwie zurück hierher in andere Teile der Welt. Es gibt etwas sehr Australisches an dem, was sie tut, wie sie singt und Geschichten erzählt. Und es gibt auch etwas sehr Melbourne-typisches daran. Das zurück zu jüngeren Künstlern zu sehen und zu sehen, wie sie sagen: „Es ist in Ordnung, mit einem australischen Akzent zu singen und Geschichten über die Stadt zu erzählen, aus der ich komme.“

Aufwachsen und australische Musik vergleichen, sagen wir mal, mit amerikanischer Musik; Eine Sache, über die sich viele australische Künstler wundern, ist, wie amerikanische Künstler so frei über ihre Herkunft, ihre Stadt und ihr Land singen und so viele Referenzen einbauen. Aber wenn Sie versuchen, das hier zu tun, gibt es etwas Merkwürdiges daran.