Digital/Teilung: März' Rezension elektronischer Musik

Seit dem Dance-Punk-Revival der frühen 2000er Jahre sind die Grenzen zwischen Rock und elektronischer Musik verschwommen geblieben. Anfangs machte die Anwesenheit einer Band von Spielern es etwas einfacher, zwischen den beiden zu unterscheiden, obwohl es klanglich immer schwieriger wurde, die Disco-Distanz zwischen Chk Chk Chk (!!!) und Chromeo zu messen.

Der Übergang von Lo-Fi-Heimaufnahmen von zurückgezogenen Gitarrenspielern zum Aufkommen von Bedroom-Pop mit größerem Schwerpunkt auf Tasten und Software hat die Angelegenheit noch weiter kompliziert, da junge introvertierte Autoren zunehmend ihre Kunst mit Hilfe von Laptops erschaffen. In dieser mutigen neuen Welt, in der der Begriff „Indie“ nichts, alles und gelegentlich etwas bedeutet, erscheinen fast jede Woche Alben, die sich der Definition widersetzen, ohne es zu beabsichtigen. Es ist so gesetzlos geworden, dass selbst ein Blick auf das Label, das eine bestimmte Platte herausgebracht hat, wenig Aufschluss über den Inhalt gibt.

Streaming hat die riskante Komponente, die der Kauf in Plattenläden den Verbrauchern bot, die nach mehr als nur dem suchten, was Radio oder MTV sie hören lassen wollten, eliminiert, doch die schiere Anzahl der zugänglichen Optionen macht das einst begrenzte Showrooming zu einem endlosen Stöbern. Man kann etwa eine Minute damit verbringen, die Angebote in seiner Unterhose zu probieren, abzuschätzen, ob sie einem gefallen oder nicht, und dann weiterziehen.

All das hilft weder Weval, einem niederländischen Duo, das bei einem der größten Techno-Labels Deutschlands unter Vertrag steht und zufällig kein Techno macht. Die Musik, die Harm Coolen und Merijn Scholte Albers produzieren, könnte als Downtempo klassifiziert werden, wenn dieser Begriff im Jahr 2019 nicht völlig veraltet und bedeutungslos wäre. Während ihres gesamten Albums The Weight [Kompakt] erkunden sie ihre Interessen und die Klanggestaltung in einem vergleichsweise gemütlicheren Tempo als die meisten ihrer Labelkollegen.

Was soll man von dem jazzigen Shuffle von „Someday“ halten, dessen grooviger Beat von Quietschen, Stöhnen und verlängerten Bassdrops unterbrochen wird? Oder nehmen Sie „Heaven Listen“, einen glamourösen Schaffel mit Karussellstichen und effektreichen Hooks. Fans von Air oder Radiohead könnten hier und da etwas finden, an dem sie sich festhalten können, aber Weval machen nicht das, was andere zuvor getan haben. Sie können süß sein und die wässrigen Tropfen und den Boards-of-Canada-ähnlichen Wabereffekt von „Silence On The Wall“ nutzen, um eine trügerische Sicherheit zu vermitteln. Doch dann können Weval auch unerwartet provozieren. Eine verzerrte und vokodierte Stimme lädt die Zuhörer zu „Same Little Thing“ ein und deutet auf die Möglichkeit einer konventionellen Songstruktur hin. Es wandelt sich bald in gedämpfte Breakbeat-Splices und Fehler-Rückmeldungen, kehrt schließlich zurück, nur um den Trick wieder etwas anders zu wiederholen.

Die Befreiung hinter ihrem Projekt zeigt sich in fast jedem Track und fügt sich trotz Wevals größter Bemühungen irgendwie zu einem zusammenhängenden Langspieler zusammen. Letztendlich geht „The Weight“ wie psychotrope Drogen herunter, auf eine Weise, die Techno-Alben nur zu träumen wagen, eine zutiefst verwirrende, aber befriedigende Hörweise, die es wert ist, immer wieder genossen zu werden.

Eric Copeland: Trogg Modal, Vol. 2 (DFA)

Obwohl er sich mit Black Dice einen Namen gemacht hat, indem er in den Randbereichen des Millennial-Indie-Rock herumstocherte, hat Eric Copelands relativ jüngere Hinwendung zur Clubmusik einen wesentlichen Teil seines gesamten experimentellen Künstlerdaseins bewiesen. Dieser zweite Teil einer, wie ich hoffe, langanhaltenden Serie von Lo-Fi-Electronic-Dance-Sammlungen bietet denen, die müde von Konventionen und Templates sind, etwas inhärent und unverschämt Eigenartiges. Nennen Sie es Außenseiter-Techno oder verfallenes House oder welche dumme Bezeichnung Ihnen hilft, das herrlich dubbige Videospiel-Muckabout „High Score Zed“ oder den donnernden Discount-Robot-Rock von „Pay Off“ zu verstehen. Säuerlich und belüftet kommen „BS Dropout“ und „United Banana“ dem frühen futuristischen Detroit-Geist näher, der all dies erst möglich gemacht hat. Während Puristen oder humorlose Typen Trogg Modal, Vol 2. als Unfug um des Unfugs willen abtun mögen, verpassen sie jede Menge Spaß und einige großartige Grooves.

DMX Krew: Glad To Be Sad (Hypercolour)

Ein erfahrener Praktiker der elektronischen Musik in den letzten 25 Jahren, wurde Edward Upton vor allem für sein Interesse an der Vergangenheit des breiteren Genres gewürdigt und weniger für die flüchtige Trendigkeit der Gegenwart. Dennoch verdient er bei einer ebenso tiefen und kontinuierlichen Diskographie wie seiner Berücksichtigung außerhalb dieser vereinfachten und engen Erzählung. Sicher, es gibt etwas deutlich Retrohaftes an den quirlig 303 Basslines und driftenden Synth-Akzenten von „Dark Moon“, einem der mehreren Highlights seines neuesten Langspielers für das Londoner Hypercolour. Doch Glad To Be Sad ist ein reifes Album, ein melodisches Spiegelbild von Uptons Wachstum als Künstler und seiner Hingabe an die Klänge, die seinen Ohren am liebsten sind. „Mr10stery“ schichtet fröhlich hüpfende Harmonien zu einem heiklen, aber glückseligen Endergebnis, während der überraschende Eintritt von üppigen Flächen die knusprigen Breaks von „Home Made Drum Machine Part 2“ abrundet. Ein funky, wenn auch nerdiges Stück Jazz-Fusion im späten 70er-Stil, das Finale „Winter Dance“ wippt fröhlich, seine Solokeyboard-Riffs sind eine absolute Freude.

Foodman: ODOODO (Mad Decent)

Abgesehen von James Van Der Beeks Cosplay bleibt Diplo eine der wenigen Figuren mit Macht in der elektronischen Tanzmusik, die aktiv einem Forum für Klänge aus anderen Orten als Berlin, London oder New York bietet. Ein Beispiel dafür ist sein Mad Decent Imprint, das mit Platten wie dieser hier des japanischen Laptop-Künstlers Takahide Higuchi weiterhin beobachtenswert ist. Offenbar inspiriert von den ansonsten gewöhnlichen Orten und Dingen, denen er täglich in Nagoya begegnet, anthropomorphisieren Tracks wie „Fue“ und das schiefe „Moyashi Kids“ das Banale – respektive Flöten und Mungbohnensprossen. Eigenartige Videospiel-Pieptöne und fehlerhafte DJ-Samples machen „Otokogi“ zu einem freudigen, an Fußarbeit erinnernden Rummel, während „246“ mit dem Tokioter Produzenten Ryuw bestehende Trap-EDM-Templates gründlich überarbeitet und umdreht. „Colosseum“ boingt wie Kraftwerk und rauscht wie das alte Hollywood. Ohne Rücksicht auf Clubkonformität gelingt es Foodman hier stattdessen, in so kurzer Zeit so viel Bedroom-Braindance-Unfug zu treiben.

Various Artists: Berghain 09 (Ostgut Ton)

Von Anfang an fühlt sich diese neueste Sammlung des schattigen Berliner Hotspots etwas unbeholfen an. Für diesen Begleitband zu einem frei gestreamten SoundCloud-Mix, wiederholt die körperlose Stimme des Avantgarde-Pioniers Genesis Breyer P-Orridge ein Eröffnungsmantra, weniger, um die Zuhörer auf die dunklen und lauten elektronischen Klänge vorzubereiten, die folgen, als vielmehr, um sie zu warnen. Von dort aus stellt Resident Dominick Fernow eine Techno-Vision vor, die zu desorientieren versucht, mit Hilfe von überzeugenden Schnitten von Alberich, Ron Morelli und anderen. Keine Überraschungen hier, da man von dem Mann hinter Prurient und Vatican Shadow nichts weniger als totalen Krieg erwarten sollte, aber er liefert diese DJ-Tools gerne. Der erstere dieser beiden Moniker zeigt sich spät in dieser prägnanten Zusammenstellung und erscheint in Begleitung der Downwards-Supergruppe Ugandan Methods für das grässlich „Venom Timetables“. Von den Frakturen und Rissen des Godflesh-Frontmanns JK Flesh‘s „Decontrol“ bis hin zu einem Quartett diabolischer Merzbow-Loops zeigt Fernow seine Ehrfurcht vor und Kenntnis von der gemeinsamen DNA von Industrial und Techno.