Die meisten Lieder sind traurig, und John Moreland schreibt die besten von ihnen

VMP: Als ich mich auf dieses Interview vorbereitete, wurde ich ärgerlich darüber, wie oft die Leute dich nach Traurigkeit fragen oder warum du traurige Songs schreibst — als wären 99,9 Prozent der Songs nicht über Traurigkeit.

John Moreland: Genau.

Was denkst du, warum die Art, wie du über Traurigkeit schreibst, alle so fixiert darauf macht?

Vielleicht, weil ich nicht... wie andere Musiker aussehe? Vielleicht ist es ein bisschen alarmierend [für sie], und sie achten tatsächlich auf die Worte, hören zu und denken dann: „Oh, dieser Song handelt von schweren Themen.“ Das ist mein bester Tipp, aber ich glaube nicht, dass das ein sehr solider Tipp ist. (lacht)

Es ist interessant, dass du das Aussehen erwähnst. Mein Tipp war, dass es die Spezifität ist, mit der du über Traurigkeit schreibst — wie ehrlich und roh es ist — und weil es so spezifisch ist, können die Leute ihre eigenen Erfahrungen und sich selbst besser in deinen Songs sehen.

Stimmt, das könnte definitiv der Fall sein. Aber ja, ich habe immer das gleiche gedacht. Sind nicht alle Songs traurig? Ist nicht jeder gute Song traurig? Was zum Teufel? (lacht)

Ich verstehe, dass das Schreiben dieses Albums nicht einfach war, und es brachte mich dazu, über die Art nachzudenken, wie Romanautoren darüber sprechen, ihre erste Novelle nachzuholen: dass es ein Leben lang dauert, um die eine zu schreiben, und dann hast du, wie, ein Jahr Zeit, um deine nächste zu schreiben.

Vollkommen. Ich denke, für mich, als ich an den Punkt kam, an dem Musik nicht mehr — an dem Musik machen mein Job wurde — hat es ein paar Jahre gedauert, herauszufinden, wie ich das tun kann, wie ich das Schreiben in dieser Weise navigieren kann, ohne dass es etwas wird, das ich hasse zu tun. Wenn es dein Hobby oder dein Ausdruck ist, kannst du es unter anderen Bedingungen angehen, und wenn es dann dein Job wird, musst du dich daran anpassen. Während dieser Anpassungsphase war ich nicht besonders glücklich: Es war schwer, kreativ zu sein und Songs zu schreiben, und es hat ein paar Jahre gedauert, um einfach mit dem, wo ich jetzt bin, bequem zu werden [und] um die Kreativität zurückzubekommen.

Wenn du sagst „bequem mit dem, wo du jetzt bist“, meinst du damit herauszufinden, wie man kreativ sein kann oder sich auf Abruf inspirieren lässt? Oder redest du mehr über die Art und Weise, wie sich dein Leben persönlich in den letzten Jahren verändert hat?

Beides. Ich denke, ich musste wirklich lernen, kreativer auf Abruf zu sein, denn eines der Dinge, mit denen ich konfrontiert war, ist, dass, sobald du ständig tourst, du nach Hause kommst und nicht wirklich Songs schreiben willst, weil du einfach erschöpft bist. Ich will nicht einmal auf eine Gitarre schauen, sobald ich von der Tour nach Hause komme. Also war ein Teil davon einfach, das nicht zu einem Stolperstein werden zu lassen, weißt du? Außerdem gibt es all die Lebensumstände, die sich ändern, und an die du nicht gewöhnt bist, wenn du das früher zum Spaß gemacht hast, und jetzt ist es dein Job, und du machst es die ganze Zeit, und die Leute wissen, wer du bist — es ist ein anderes Gedankenfeld.

Du warst im letzten Jahr viel zu Hause und während du das Album geschrieben hast, und ich bin neugierig zu hören, wie das Zuhause-Sein und die Denkweise, die es dir gibt, nicht nur den Prozess, über den wir gesprochen haben, beeinflusst hat, sondern auch das tatsächliche Material, über das du schreibst. Denn ich denke, während LP5 ein stilistischer Wandel ist, ist es auch ein Wandel hinsichtlich dessen, worüber du schreibst und wie du mit Dingen umgehst.

Zurück zu diesem ganzen Anpassungsding war es absolut notwendig, im letzten Jahr einen weniger geschäftigen Zeitplan zu haben, um einfach neu zu kalibrieren und meinen Kopf wieder gerade zu bekommen. Ich denke, ich war an einem sehr friedlichen, ruhigen Ort, wo mein Hauptanliegen die mentale Gesundheit war.

Ich denke, das kommt definitiv sowohl in den Texten als auch im Klang durch. Es fühlt sich an wie ein Album, das von einer zufriedenen, ausgeglichenen und glücklichen Person geschrieben wurde. Fühlt es sich total anders an, aus diesem Zustand der Zufriedenheit und des Glücks zu schreiben, verglichen mit dem Schreiben durch Schmerz oder dem Schreiben, um Dinge zu verarbeiten?

Das war eine weitere Sache, an die ich mich gewöhnen musste. (lacht) Mein Leben ist jetzt ganz anders: Ich bin verheiratet und extrem glücklich, und ich denke, in der Vergangenheit war der Schmerz ein bisschen näher an der Oberfläche, also war es einfacher zu sagen: „Nun, offensichtlich werde ich einen Song darüber schreiben“ oder was auch immer. Es ist etwas anderes, mit dem ich umgehen musste: Wie schreibe ich jetzt Texte? Und wie mache ich das auf eine Weise, die resoniert wie das, was ich in der Vergangenheit getan habe, aber relevant für mich und mein Leben jetzt ist?

Worüber würdest du sagen, schreibst du jetzt? Ich denke, es gibt große Themen, die sich durch jedes deiner vorherigen Alben ziehen: wie In The Throes, das viel mit Beziehungen und Religion ringt, und High on Tulsa Heat, das sich wie ein Album über Zuhause anfühlte — oder zumindest die Idee von Zuhause — und Big Bad Luv in eine Art Akzeptanzidee übergeht. Worum geht es in LP5?

Vielleicht wieder um Akzeptanz? Aber breiter gefasst, denke ich. So wie, wirklich zu lernen, sich selbst zu akzeptieren und zu lieben.

Ich denke, das kommt auch durch. Ich denke, es setzt dort an, wo Big Bad Luv aufgehört hat, aber auf eine Weise, die mehr nach außen gerichtet ist, statt nach innen.

Es ist nichts, worüber ich nachgedacht oder mir bewusst war, aber rückblickend sehe ich definitiv, dass ich beim Schreiben dieses Albums weniger in einem selbstzentrierten Zustand war als beim Schreiben von Big Bad Luv, also macht das viel Sinn. Ich bin tatsächlich wirklich froh, das von dir zu hören.

Oh gut! Das hat mich wirklich beeindruckt. Mehr als bei jedem anderen deiner Alben fühlt es sich mehr nach „Von der Welt“ an als „In deinem Kopf“, als würdest du deine Gefühle im Kontext von etwas Größerem als dir selbst setzen, was... bei allem, was heute in der Welt passiert —

Ja, es ist wie: Wie kannst du nicht das tun? (lacht)

In dieser Note des Sich-entfernens: selbst die Entscheidung, es LP5 zu nennen, anstatt eines aussagekräftigeren oder persönlicheren Titels, oder das Cover einfach als diesen klaren visuellen Farbverlauf zu gestalten, ist so anders.

Weißt du, ich weiß nicht, ob es viel Rationalität dahinter gibt, außer dass es einfach das ist, was ich machen wollte. Es war mehr eine intuitive Sache; es fühlte sich richtig an. Ich habe versucht, einen aussagekräftigeren Titel zu finden, und ging immer wieder durch die Texte, um eine Zeile auszuwählen, die ich als Titel verwenden könnte, aber der minimalistische Ansatz klang für mich einfach immer richtig.

Ich denke, bei einem Album, das tonal und musikalisch so viel anders ist, braucht es keine großen, offensichtlichen „das ist etwas anderes“ Ausschmückungen.

Das war es: Ich möchte einfach, dass das Album das Ding ist. Und die Musik für sich selbst sprechen lässt.

Übrigens würde ich gerne mehr über die Entscheidung erfahren, mit [Produzent] Matt Pence zusammenzuarbeiten, um deine Songs zum Leben zu erwecken und wie diese Erfahrung war. Was hat dich dazu bewegt, einen externen Produzenten — und konkreter gesagt, Matt — ins Boot zu holen?

Ich war schon immer ein großer Fan von ihm. Als Ingenieur und Produzent sind die Klänge, die er erzeugt, einfach verrückt — besonders die Schlagzeugklänge. Das ist das Wichtigste für mich, wenn ich darüber nachdenke, wo ich ein Album aufnehme: „Wie wird das Schlagzeug klingen?“ Matt ist selbst ein großartiger Schlagzeuger; ich dachte: „Oh, vielleicht könnten wir ihn auch die Drums spielen lassen.“ Jedenfalls, 2001 oder 2002 hat eine meiner Lieblingsbands aus Tulsa, Ester Drang, ein Album mit Matt in seinem Studio aufgenommen. Ich erinnere mich, davon gehört zu haben, und ihre Platte gehört zu haben und zu denken, sie klingt fantastisch und dann herauszufinden, dass sie dieses Album in einem Studio in... Denton, Texas, aufgenommen haben — und dachte: „Das ist verrückt!“ Seitdem ist [Matts Studio, The Echo Lab] in meinem Hinterkopf als ein Ort, an den ich gerne gehen würde, um aufzunehmen, und diesmal wusste ich einfach, dass ich jemanden wollte, der besser ist als ich, um das Album zu mischen, und Matt ist viel, VIEL besser als ich (lacht). Als wir dort ankamen, hat alles gepasst, und er hat letztendlich das Album produziert. Wir haben es vorher nicht besprochen, aber als wir dort ankamen, begann das einfach zu passieren, und alle waren glücklich, also war es wie: „Okay, cool, das ist es, was wir tun.“

Ist es schwierig, jemand anderen in deine Vision zu bringen oder kreativ auf diese Weise zusammenzuarbeiten? Oder ist das etwas, das dir natürlich kommt?

Es fällt mir anfangs immer schwer, das zu tun — ich denke, ich muss einfach zuerst zu einem Punkt kommen, an dem ich der Person vertraue. Es wurde am ersten Tag, als wir aufnahmen, ziemlich klar, dass Matt und ich in Bezug auf die ästhetische Stimmung und den Klang dieses Albums völlig auf der gleichen Wellenlänge sind. Sobald ich das realisierte, war es einfacher, ihm seinen Raum zu lassen, weil ich wusste, dass das, was er tat, höchstwahrscheinlich großartig sein würde.

Gab es einen bestimmten Moment, der dich denken ließ: „Okay, ich kann mit Matt arbeiten; ich habe die richtige Wahl getroffen?“

Es sind diese Schlagzeugklänge! Das war das erste, was wir machten, und ich dachte: „Ja, das ist es! Das war eine großartige Entscheidung.“

In dieser Hinsicht: Dieses Album ist WEITAUS mehr „produziert“ als deine früheren Alben. Wurde das gut von deinen langjährigen Fans aufgenommen, oder ist das dein „Dylan geht elektrisch“-Moment?

(lacht) Ich weiß nicht. Ich erwarte, dass einige Leute es nicht mögen werden, was in Ordnung ist — aber ehrlich gesagt, als ich High on Tulsa Heat herausbrachte, sagten die Leute, es sei überproduziert, und ich dachte: „Was zum Teufel redest du da? Dieses Album wurde kostenlos in einem Wohnzimmer aufgenommen; du kannst die Klimaanlage im Hintergrund von der Hälfte der Songs hören. Diese Sache ist NICHT überproduziert.“ Ich glaube, das ist einfach etwas, was die Leute sagen, wenn sie ein Album nicht mögen. (schmunzelt) Weißt du? Also ist es mir wirklich egal.

Das ist die richtige Antwort. Es kann definitiv eine Weile dauern, die Leute mitzunehmen, wenn das, was sie lieben, anfängt, anders zu klingen als das, was sie ursprünglich geliebt haben. Ich nehme an, der Aufnahmeprozess für LP5 war zeitaufwendiger als die Alben, die du selbst aufgenommen hast oder in deinem Wohnzimmer aufgenommen hast. Bist du eine Person, die gerne ewig herumtüftelt, oder bist du jemand, der sagt: „Der erste Take ist der beste Take, weiter geht's?“

Ich bin der Typ, der immer den ersten Take haben will, auch wenn es nicht der beste Take ist (lacht). Dieses Mal haben wir mehr Zeit damit verbracht, die Klänge einzufangen, aber die Takes sind alle immer noch ziemlich spontan, wie die Darbietungen auf dem Album. Ich würde sagen, was wir letztendlich haben, ist das Beste aus beiden Welten.

Ich bin normalerweise ziemlich hastig, wenn ich arbeite, also war es gut, jemanden wie Matt dabei zu haben. Ich habe noch nie jemanden getroffen, der so gewissenhaft ist: Er wird 30 Minuten damit verbringen, etwas einzustellen, und du denkst: „Mann, was ist da los?“ aber dann hörst du es und denkst sofort: „Okay, das hat sich gelohnt.“

Bringst du eine komplette Band auf Tour, um den Klang des Albums nachzuvollziehen, oder spielst du in einer reduzierten Form?

Es wird nur ich und John Calvin sein. Wir haben nicht geprobt und herausgefunden, wie wir die neuen Songs spielen werden, aber wir werden es herausfinden.

Ich würde gerne über die beiden instrumentalen Tracks auf dem Album sprechen. Sie sind super eindringlich, wie all deine Musik, aber ich denke, ich betrachte dich in erster Linie als einen Texteschreiber.

Ich war nicht immer ein Texteschreiber. Als ich jünger war und in Bands spielte, war ich immer der Typ in der Band, der das Lied arrangierte — ich schrieb Musik, aber keine Texte. Wahrscheinlich, weil ich nie der Sänger war. Ich schrieb die Akkorde, und ich könnte die Melodie und einige coole Gitarrenparts entwickeln, und ich würde sozusagen leiten: „Du spielst diesen Teil; du spielst diesen Teil.“ Es war mehr wie Komposition und Arrangement. Und dann, als ich in meinen 20ern war, interessierte ich mich für Townes Van Zandt und Steve Earle und wollte lernen, wie sie es machen. Was mich an ihrer Musik beeindruckte, war, dass es etwas ganz anderes war als die Art und Weise, wie ich Songwriting zuvor betrachtete — und ich war so begeistert, zu lernen, wie sie es machten, aber es war musikalisch nicht so befriedigend. Weißt du, die Texte sind der Punkt, also nehmen die Musik und die Produktionsentscheidungen eine untergeordnete Rolle. Also dachte ich jetzt, es wäre lustig, wieder etwas Kompositorisches zu machen.

So viel des Schreibens für das Album lag darin, zu lernen, wieder kreativ zu sein. [So lange], jedes Mal, wenn ich in mein Schreibzimmer ging, um Musik zu machen, hatte ich diesen enormen Druck, dort mit einem guten Song herauszukommen. Ich musste mir selbst wieder beibringen, diese Erwartung über Bord zu werfen und mir zu erlauben, einfach zu sitzen und mit einem Instrument zu experimentieren: kein Druck; es muss nicht einmal ein Song sein; es kann einfach alles Mögliche sein. Diese beiden instrumentalen Tracks sind Dinge, die ich in dieser Zeit entwickelt habe.

Das ist für mich das Schwierigste am Schaffen... irgendetwas: die Erwartung loszulassen, dass du jedes Mal, wenn du dich hinsetzt, etwas Gutes machen wirst. Es hat Jahre gedauert, um für mich und für andere zu schaffen, um zu verinnerlichen: „Es ist in Ordnung, wenn es schlecht ist; du kannst immer zurückgehen und es reparieren.“

Absolut. Ich habe das Gefühl, dass ich erst im letzten Jahr oder so damit anfange, mich damit wohlzufühlen, und ich denke, das Schreiben von LP5 ist der Punkt, an dem das für mich begann.