Die Brücke zwischen Publikum und Performer mit Jen Cloher

##Vinyl Me, Please: Über welchen Zeitraum haben Sie Jen Cloher geschrieben?

##Jen Cloher: Ich habe ein paar Jahre an diesem Album gearbeitet, und ich habe mir absichtlich diese Zeit genommen aus zwei Gründen. Erstens wusste ich, dass ich sehr bewusst darüber schreiben wollte, worüber ich in diesem Album sprechen wollte, und es fühlt sich für mich wie eine Zeit in der Welt an, in der es wichtig schien, zu verlangsamen und darüber nachzudenken, was mir wichtig ist, was mir wichtig ist und was ich in meinen Liedtexten kommunizieren möchte. Der andere Grund, warum ich es langsam angegangen bin, war, dass ich viel Arbeit in anderen Bereichen hatte, hauptsächlich in der Verwaltung von Milk! Records, dem Label, das Courtney und ich 2012 gegründet haben. Das wurde ziemlich beschäftigt, also war es ein bisschen ein Jonglierakt, Zeit zu finden, um das Album zu schreiben, aber letztendlich habe ich es geschafft.

##Hat Ihre umfangreichere Erfahrung mit der geschäftlichen Seite der Musik – Verwaltung von Milk! und Gründung von I Manage My Music – Ihre Herangehensweise an die Erstellung dieses Albums beeinflusst?

Ich denke, es lag eher an meiner Perspektive als Künstler in Australien und wie schwierig es sein kann. Ich denke, was in Australien speziell ist – ich bin mir nicht sicher, ob Amerikaner oder Europäer das empfinden – ist diese Isolation, weil wir so weit vom Rest der Welt entfernt sind. Obwohl wir das digitale Zeitalter haben und Musik mit einem Klick an andere Teile der Welt teilen können, gibt es immer noch die tatsächliche physische Distanz von tausenden Kilometern. Und die Kosten, um zu diesen Orten zu reisen und eine Band an diesen Orten zu touren. Darüber schreibe ich ziemlich offen auf dem Album.

##Gab es irgendwelche Auswirkungen Ihrer Erfahrungen in der Musikindustrie – einer Branche, die manchmal als „Boys Club“ bezeichnet wird – auf den Song „Strong Woman“?

Ich kenne viele Frauen in der Musik in Australien, jüngere Frauen, die sich selbst wirklich finden, Frauen in ihren Teenagerjahren und frühen Zwanzigern, und sie finden ihren Platz in der Musik – ob sie nun arbeitende Musikerinnen und Songwriterinnen sind oder innerhalb der Branche als Rezensentinnen, im Management, was auch immer, arbeiten. Und ich habe wirklich viel von ihrer Verletzlichkeit gesehen, wissen Sie, die Verletzlichkeit, ihren Platz zu finden, ihren Weg zu finden. Und so hat mich das an meine eigene Reise denken lassen, und obwohl ich nicht sagen würde, dass ich gelandet bin und alle Antworten hatte und wusste, was ich tat – es war eine lange Reise, um an den Punkt zu gelangen, an dem ich das Gefühl hatte, dass ich überhaupt einen Song wie "Strong Woman" schreiben konnte – aber es ist eine Anerkennung dessen, dass ich extrem viel Glück hatte, dass ich diese sehr starke matriarchale Linie hatte. Die indigenen Māori von Neuseeland sind die Linie meiner Mutter, also komme ich aus der Māori-Heritage, und es gibt eine echte Stärke, die durch diese Frauen läuft, und es war irgendwie natürlich in mir, weil es sowohl durch das Beispiel als auch vielleicht durch die Genetik weitergegeben wurde. Und ich denke, in gewisser Weise anerkenne ich, wie dankbar ich war, dass ich solche starken weiblichen Vorbilder in meinem Leben hatte und dass es mir ermöglichte, einige Risiken einzugehen und ein bisschen mehr Selbstvertrauen zu haben.

Und direkt in Bezug auf die Musikindustrie las ich diesen großartigen NPR-Artikel über Frauen in der Musik und darüber, all diese Arten von Listen neu zu definieren, wie diese müden, alten Listen von klassischen Rockalben von Männern. Und sie listeten 150 der größten Alben aller Zeiten von Frauen auf. Und es war so fantastisch. Ich blätterte durch diese Alben und dachte: „Wow, erstaunlich!“ Der Beitrag der Frauen zur Musik ist nicht symbolisch; er ist riesig. Und es ist wahr, wie sie irgendwie darauf hinweisen, es ist diese seltsame Geschichte, die erzählt wurde, dass Frauen außen vor sind oder eine Minderheit sind oder nichts zu bieten haben oder keine klassischen Alben geschrieben haben oder nicht in einem Satz mit Bob Dylan oder Neil Young oder Leonard Cohen genannt werden sollten, und das ist Quatsch. Es gibt all diese unglaublichen Songwriter und Künstlerinnen, aber ich denke, es gab nicht wirklich eine Kultur, in der diese Künstlerinnen vollständig für ihren Beitrag anerkannt wurden.

##Wie hat Ihre australische Identität Ihr Schreiben auf diesem Album beeinflusst, insbesondere bei „Regional Echo“ und „Great Australian Bite“?

Diese Songs im Besonderen und der zweite Song „Analysis Paralysis“ sprechen sehr direkt darüber – es gibt ein merkwürdiges... es ist wie ein Kleinstadt-Mentalität in Australien. Wenn Sie aus einer kleinen Stadt kommen und irgendwie Erfolg haben, wollen die Leute sicherstellen, dass Sie nicht zu groß für Ihre Stiefel werden? Ich weiß nicht, ob das in Amerika passiert, wo es heißt: „Uh-uh, denken Sie nicht, dass Sie jetzt zu gut sind.“ Ich lebte in den Staaten, als ich 10 Jahre alt war, und ich habe tatsächlich den Unterschied in der Einstellung zur Verfolgung Ihrer Träume gespürt. Da war diese viel größere Einstellung, bei der die Leute ziemlich positiv und ermutigend waren. Und als ich nach Australien zurückkehrte, bemerkte ich, dass das nicht da war.

Historisch gesehen stammt die weiße australische Kultur von Sträflingen, die wir auf Tour-Schiffen hierher gebracht haben, und es war wirklich eine Strafe, nach Australien gebracht zu werden. Es wurde auf diesem sehr rauen Land besiedelt, das für diese englischen Bauern sehr schwer zu erhalten war. Sie wussten nicht, wie man mit dem Klima hier unten umgeht, es ist hauptsächlich Wüste, wissen Sie, das Herz Australiens ist hauptsächlich Wüste. Natürlich gab es eine unglaubliche, uralte indigene Kultur, die hier seit vierzigtausend Jahren existierte. Niemand dachte daran, vielleicht zu fragen, wie man in diesem Land am besten lebt. Das ist eine ganz andere Geschichte. Obwohl ich darauf in „Regional Echo“ Bezug nehme: „Der australische Traum verblasst/gestohlen sowieso.“ Es gibt definitiv eine Narbe in unserem nationalen Bewusstsein darüber, dieses Land praktisch den Leuten gestohlen zu haben, die hier lebten. Es hat eine Art Welleneffekt, wie alles, Sie können die Vergangenheit nicht zudecken und so tun, als wäre es nicht passiert. Und ich denke in gewisser Weise, wir bleiben absichtlich klein und ziehen uns gegenseitig zurück, um nicht zu groß für unsere Stiefel zu werden, weil es tatsächlich eine Art Scham rund um unsere Gründungsgeschichte in Bezug auf die weiße Kultur hier gibt.

##Da Sie schon eine Weile in der Szene sind, teilen Sie die Meinung, dass sich die Musikszene in Australien in letzter Zeit weiterentwickelt und an Fahrt gewonnen hat?

Es fühlt sich an, als ob sich die Welt in den letzten 5 bis 8 Jahren mehr auf australische Musik konzentriert. Es fühlt sich an, als gäbe es eine echte Verschiebung hin zu globalem Publikum, das unser Weltklasse-Niveau anerkennt. Und ich denke, das hat unsere Kultur hier in Australien wirklich verändert. Die tatsächliche Wahrheit – es ist irgendwie traurig – ist, dass wir aufgewachsen sind – ich meine, ich bin jetzt 43, aber ich bin mit dem Glauben aufgewachsen, dass echte Musik im Ausland passiert. Als ob echte Musik aus Amerika käme und echte Musik aus dem Vereinigten Königreich und Europa käme. Und das ist ein sehr verbreitetes Glaubenssystem meiner Generation. Und es wurde als „kulturelles Zusammenzucken“ beschrieben, bei dem wir nicht das Selbstbewusstsein hatten zu glauben, dass die Musik, die wir in diesem Land gemacht haben, großartig ist. Und daher ist es wirklich, wirklich gut zu sehen, dass eine neue Generation von Künstlern aufkommt und diese Beispiele von Leuten wie Courtney und Tame Impala und Flume und Tash Sultana und King Gizzard und der Lizard Wizard hat, die tatsächlich wirkliche Wellen auf der ganzen Welt machen. Es ist also eine großartige Zeit, um Musik in diesem Land zu machen. Aber, nur um es mit ein bisschen Realität zu verankern, für eine australische Band in die Staaten zu touren – nur um eine vierköpfige Band in die Staaten zu bringen, mit Flugtickets, Hin- und Rückflug und Visa – kostet etwa 15.000 Dollar, und Sie haben noch nicht einmal eine Show gespielt.

##Das Video zu „Forgot Myself“ ist wunderschön und konzeptionell wirklich interessant. War es Ihre Idee?

Es war eigentlich die Regisseurin Annelise Hickey... Sie kam irgendwie zu einer perfekten Zeit. Sie ist ein Fan, und wir beide haben uns wirklich gegenseitig inspiriert. Ich bin nicht der größte Fan davon, Clips zu machen – es kann etwas nervenaufreibend sein – und es endete damit, dass es wirklich Spaß machte und inspirierend war... Sie wissen, diese Erfahrungen im Leben, bei denen Sie einfach nur dastehen und denken: „Es gibt keinen anderen Ort, an dem ich gerade lieber wäre, das ist großartig, ich tue, wofür ich geboren wurde?“ Und so fühlte ich mich, als ich den Clip mit ihr machte, ich dachte: „Ich bin so glücklich, mit dieser Gruppe von Menschen Kunst zu machen.“ Und es fühlte sich so an, als ob dieser Clip vielschichtig war, etwas zu sagen hatte und ästhetisch wirklich schön gemacht und von Simon Walsh gedreht wurde.

##Hat etwas, das Sie zu der Zeit hörten, als Sie das Album geschrieben oder aufgenommen haben, den Entstehungsprozess beeinflusst?

Wir haben das Album schließlich in Chicago im The Loft gemischt, dem Aufnahme- und Clubhaus von Jeff Tweedy und Wilco, und es ist wie ein kleines Museum voller amerikanischer Musikutensilien, und es ist ein ziemlich erstaunlicher Raum. Ich habe definitiv beschlossen, mit ihrem Ingenieur Tom Schick zu arbeiten, der viele der jüngsten Wilco-Alben gemacht hat. Er hat ein Tweedy-Album „Sukierae“ aufgenommen, ein Album, von dem ich ein großer Fan bin – ich denke, die Songs darauf sind einfach fantastisch, und ich liebe, wie das Album so echt klingt. Die Art, wie das Album gemischt wurde und der Ingenieur, den ich verwendet habe, basierten auf einigen der Musik, die ich um die Zeit hörte, als ich das Album schrieb.

##Wie war der tatsächliche Aufnahmeprozess?

Ich bin ein großer Fan eines australischen Songwriters und Musikers namens Greg Walker, der vielleicht fünf Alben als Machine Translations über Spunk Records veröffentlicht hat. Er ist auch ein unglaublicher Komponist und Arrangeur für Fernsehen und Film. Er hat ein Studio im – es heißt Gippsland – dieser schönen, üppigen, grünen Gürtellandschaft. Viele Kühe und Schafe und sanfte grüne Hügel etwa eineinhalb Stunden außerhalb von Melbourne. Ich dachte, es wäre lustig, dort aufzunehmen – er hat dort eine Art Scheune. Wir verbrachten etwa 10 Tage dort mit unseren Partnern und Haustieren – unser Schlagzeuger hat ein paar Hunde, die auch dabei waren. Und, weil Bones Bass in meiner Band spielt und auch Bass in Courtneys Band spielt, hatten sowohl ich als auch die Partner von Bones viel Zeit getrennt von unseren Partnern verbracht, wegen der erfolgreichen Karriere, die sie hatten. Also wollte ich wirklich sicherstellen, dass Partner nicht vom Aufnahmeprozess des Albums ausgeschlossen werden, um alle dabei zu haben und trotzdem ein Album zu machen.

##Courtney hat dieses Album mit Ihnen aufgenommen – wie war es, gemeinsam Songs über Ihre Beziehung aufzunehmen?

Ich denke, dass wir beide irgendwie verstehen, dass Songwriting Songwriting ist und in gewisser Weise ein kleiner Schnappschuss einer Geschichte ist. Ich war sehr offen mit Courtney darüber, wie sehr ich darunter litt, dass sie so oft weg war, aber ich wollte sie in keiner Weise zurückhalten. Also war es kein Schuldtrip – ich verstand völlig, dass sie dieses Zeitfenster hatte und ein Publikum, das sie auf der ganzen Welt spielen sehen wollte, aber ich musste auch ehrlich sein, wie es sich anfühlte. Aber es war wirklich gut, darüber in meiner Musik schreiben zu können, damit ich für sie nicht wie eine kaputte Schallplatte klang.

Jede Beziehung hat ihre Kämpfe und Turbulenzen, und ich habe das Gefühl, je mehr wir über unsere Menschlichkeit und das, was wir alle gemeinsam haben, die emotionalen Reaktionen auf Dinge im Leben teilen, desto mehr respektieren das die Leute. Ich habe nicht das Gefühl, dass das Wissen um diese Dinge eine seltsame Beziehung zu meinem Publikum erzeugen wird, im Gegenteil.