Die 10 besten Industrial-Alben, die Sie auf Vinyl besitzen sollten

Throbbing Gristle 20 Jazz Funk Greats

Throbbing Gristle erfand die industrielle Musik. Tatsächlich prägten sie den Begriff - Industrial Records war ihr Label, und die Phrase „industrielle Musik für industrielle Menschen“ wurde zu ihrem Slogan, beginnend mit The Second Annual Report von 1977. Obwohl zu Beginn nicht klar war, was „industriell“ überhaupt bedeutete. Gegründet als COUM Transmissions in Großbritannien Mitte der 70er Jahre, nahmen Genesis P. Orridge, Chris Carter, Cosey Fanni Tutti und Peter „Sleazy“ Christopherson schließlich den Namen Throbbing Gristle an und führten konfrontative Live-Sets auf, die pornografische oder gewalttätige Bilder enthielten, während sie cacophonische Musik schufen, oft mit begleitendem gesprochenem Wort, was letztendlich zu Meisterwerken des Schreckens wie 1978s „Hamburger Lady“ führte.

Ihr Höhepunkt war 1979s 20 Jazz Funk Greats, ein Album, das Throbbing Gristle in ihrem musikalischsten Moment darstellt - obwohl das ein relativer Begriff ist. Das Albumcover zeigt die Band, die fröhlich am Beachy Head posiert, einem berüchtigten Selbstmordplatz in Großbritannien, eine Art Köder-und-Wechsel-Manöver, das dazu diente, ahnungslose Zuhörer zu provozieren, die durch die Plattenladen-Bins blätterten. Doch während dieses Album hart ist, ist es auch rhythmisch und oft in Teilen zugänglich, und bietet ihre Interpretationen von Exotik, Dub und minimalem Synth-Punk im Geiste von Suicide. Es enthält auch „Hot on the Heels of Love“, ihre direkteste Disco-Nummer, die großzügig aus Giorgio Moroders Trickkiste entlehnt ist. Es gibt Momente relativer Ruhe, sogar Hooks, aber jeder Track fühlt sich riskant und unbehaglich an, jeder Moment Melodie existiert, um ein falsches Gefühl der Komfort zu erzeugen - nur um dass die Band es einen Moment später wieder entzieht.

Killing Joke: Killing Joke

Die Londoner Post-Punk-Gruppe Killing Joke hat arguably erst Anfang der 90er Jahre die vollständige Transformation zu Industrial Metal vollzogen, als sie Extremities, Dirt and Various Repressed Emotions veröffentlichten. Doch die Grundlage dieser unerbittlichen, schleifenden Hymnen liegt im harten Punkrock-Stomp ihres selbstbetitelten Debüts. Das Album - obwohl es vollständig mit einer traditionellen Gitarre, Bass, Schlagzeug-Formation erstellt wurde - ist durchtränkt von kalten, metallischen Klängen und ätzenden Effekten. Das Synth-Gebrummele, das „Requiem“ einleitet, ist eine Art primitiver Vorlage für die verarbeiteten, sequenzierten Klänge, die Ministry und Nine Inch Nails später wieder aufgriffen, während Jaz Colemans desorientierender und verzerrter Vokaleffekt in „Wardance“ dem Lied eine Art bizarren Terror verleiht, der auf frühere industrielle Einflüsse zurückzuführen ist. Wenn es um Industrial geht, ist Killing Joke's Debüt wichtiger für das Legen des Fundaments, als das tatsächliche Hören des voll verwirklichten Sounds, aber es ist ein wesentlicher fehlender Link.

Nurse With Wound: Homotopy to Marie

Stephen Stapleton ist nicht nur eine wichtige Figur in der experimentellen Musik, sondern auch eine hochgradig produktive. Sein Katalog umfasst mehr als 60 Studioalben sowie eine lange Liste von Kooperationen mit Künstlern innerhalb der industriellen Musik (Current 93), Prototypen des Genres (Faust) und solchen, die vollkommen außerhalb dessen stehen (Stereolab). Sein Meisterwerk Homotopy to Marie entstand relativ früh in seiner Karriere und ist eine 50-minütige Klangcollage, die die Performance-Kunst-Ästhetik von Throbbing Gristles Avantgardismus mit einem noch absurdesten, surrealistischen Empfinden paart. Selten ähneln Momente auf Homotopy to Marie tatsächlichen Melodien, und diese Momente kommen oft, nachdem der Hörer durch erschreckende Labyrinthe aus klirrenden Becken, gefundenen Dialogen, knarrenden Türen, bellenden Hunden und verschiedenen anderen Geräuschen geführt wurde, die am unheimlichsten sind, wenn das Licht aus ist und alles andere unheimlich still ist. Dass so viel des Albums leerer Raum ist, dient nur dazu, die Geräusche auf Stapletons Tape-Loops umso erschreckender zu machen. Während spätere industrielle Künstler in rhythmischen Mustern solcher harter Geräusche und Effekte Muster fanden, fand Stapleton seine Kunstfertigkeit in einer verzerrten Symphonie des Chaos.

Cabaret Voltaire: 2x45

Sheffield’s Cabaret Voltaire begann genauso wie Throbbing Gristle, durch Performance-Art-Darbietungen gekoppelt mit Tape-Loop-Experimenten. Doch die Band - benannt nach einem Zürcher Club im Zentrum der Dadaistenbewegung Anfang des 20. Jahrhunderts - entwickelte sich durch verschiedene Phasen ihrer Karriere und hinterließ einen frühen Eindruck mit Synth-Punk-Singles wie “Nag Nag Nag”, bevor sie dunklere, härtere Klänge einbezogen, die näher an dem intensiven Ansatz liegen, den wir jetzt als „industrial“ kennen. Ihr viertes Album 2x45, veröffentlicht nach ihren härteren frühen Platten und dem tanzflächenfreundlicheren Material ihrer elektronischen Body-Music (EBM)-Periode, ist Cabaret Voltaires kreativstes Werk und vereint Dance-Punk, No-Wave und den elektronisch geprägten Militarismus des frühen Industrial. Es ist eines ihrer lustigsten Alben, angetrieben von den Grooves von Highlights wie dem Eröffnungstrack „Breathe Deep“ und „Protection“, aber es gehört auch zu den seltsamsten und sinistersten Aufnahmen. Die verzerrten Vocals und die chaotische Dichte von „War of Nerves“ kommen einem funkigen Godflesh gleich. Es gehört zu den zugänglicheren Alben der Band, trotz der manchmal harten Elemente, und wird bemerkenswerterweise als erstes in die UK Albumcharts aufgenommen.

Einstürzende Neubauten: Halber Mensch

Der Name Einstürzende Neubauten bedeutet „collapsing new buildings“, was im Wesentlichen das Ethos der deutschen Band zusammenfasst. Sie nahmen die Idee von Industrial wörtlich und kreierten Klänge aus Metallstücken und Hardware, die harten Geräusche, die sie erzeugten, waren oft näher an Musique Concrete als an tatsächlichem Songwriting. Halber Mensch (Übersetzung: halber Mensch) repräsentierte einen Durchbruch für die Band, da ihre Kompositionen viel musikalischer und menschlicher wurden, wenn auch immer noch ziemlich erschreckend. Der Titeltrack des Albums ist ein Choralstück, zum Beispiel, aber es ist der Stoff von Albträumen - ein Septett von Stimmen, die so klingen, als wären sie in einem Kult-Ritual engagiert. „Yü-Gung“, so aggressiv es sein mag, wird immer noch von einem stetigen 4/4-Beat und Blixa Bargelds rhythmischen Vokalbellen getragen. Es gibt sogar eine seltsame Schönheit in den Höhepunkten „Seele Brennt“ und „Sensucht“. In den Jahren danach würde die Gruppe konventionellere Melodien annehmen, deren Videos sogar ein- oder zweimal in MTVs 120 Minutes ausgestrahlt wurden, aber kein Album vereinte die Kakophonie ihrer Schrottmetall-Instrumentierung so flüssig mit echtem Gesang wie dieses.

Foetus: Nail

J.G. Thirlwell hat im Laufe der Jahre fast so viele Pseudonyme angesammelt, wie er Aufnahmen hat - You’ve Got Foetus On Your Breath, Scraping Foetus Off the Wheel, Steroid Maximus und Clint Ruin, um nur einige zu nennen. Doch die Evolution seiner vielen Namen spricht von der ständigen Kreativität des australischen musikalischen Wahnsinnigen. Nail, sein viertes Studioalbum als Foetus (Scraping Foetus Off the Wheel, für die, die mitzählen), ist zugleich sein zugänglichstes und kreativstes Musikset. Eine Verschmelzung der klirrenden, metallischen perkussiven Klänge der Industriekultur mit Blues, Jazz, Post-Punk und sogar Musicals, fühlt sich das Album manchmal an wie Raymond Scotts Zeichentrickmusik, die von bösen Robotern aufgeführt wird.

Thirlwell’s Bezugspunkte sind zahlreich und vielfältig, er entlehnt von Shakespeare im Punk-Blues-Stomp „Throne of Agony“, während „Enter the Exterminator“ Elemente von Griegs „In the Hall of the Mountain King“ integriert und „DI-1-9026“ an Timothy Leary erinnert. Als das Album den letzten Track „Anything (Viva!)“ erreicht, schreit Thirlwell: „Ich kann tun, was ich will!“ In der Tat.

Coil: Horse Rotorvator

Das Cover-Art von Coils Horse Rotorvator, ein einfaches, aber unheimliches Bild eines leeren Pavillons, dessen Schatten sich über ein leeres Feld erstrecken, ist mit einer kurzen Erzählung über ein „immenses Erdbewegungsgerät“ geprägt, das aus dem Kieferknochen der Pferde der vier Reiter der Apokalypse gefertigt wurde. Das ist ein guter Hinweis auf die Art von ominösen Schrecken, die den Hörer auf dem Album erwarten. Während ein Künstler wie Nurse With Wound aufgrund des völligen Unverständnisses dessen, was vor sich geht, erschreckend ist, erzeugt Coil eine ähnliche Art von Horror aus etwas viel Zugänglicherem, sogar Hübschem. John Balance, Stephen Thrower und der ehemalige Throbbing Gristle-Mitglied Peter Christopherson finden Schönheit in der Verderbtheit und umgekehrt, und zeigen eine schmerzlich zarte Seite in der Ballade „Ostia (The Death of Pasolini)“, einem proto-neofolk Klagegesang über den brutalen Mord an dem Filmregisseur Pier Paolo Pasolini im Jahr 1975. Es gibt auch den brutalen marschierenden Stomp von EBM in „Penetralia“ und das blutgerinnende Atonalität in „Blood From the Air“. Eine vertraute Stimme für New-Wave-Hörer erscheint auch auf dem herausragenden Death-Blues-Song „Slur“, nämlich Marc Almond von Soft Cell, der unter dem Namen Raoul Revere kreditiert wird. Tatsächlich hatte Coil nur zwei Jahre zuvor ihr eigenes Cover von „Tainted Love“ gemacht, das Soft Cell berühmt machte, mit Almond, der im Video als Symbol des Todesengels erscheint.

Ministry: The Land of Rape and Honey

Ministrys frühe Jahre verbrachten sie damit, fast alles an die Wand zu werfen und zu schauen, was kleben blieb (Synth-Pop, New Romantic, Goth Rock), und in den letzten paar Jahrzehnten haben sie sich auf politischen, punchline-lastigen Industrial Metal eingestellt. Aber Mitte der 80er Jahre fanden Al Jourgensen und die Truppe ihren Rhythmus, indem sie im Wesentlichen die Vorlage für Industrial Rock schufen. Wo Industrial historisch gesehen einen Fuß im Kunstraum und den anderen auf der Tanzfläche hatte, zog Ministry lange die letztere vor, deren sample-lastigen Klänge eine Kollision elektronischer Beats und schwerer Metallgitarren erzeugten.

The Land of Rape and Honey ist keineswegs ihr am stärksten gestrafftes Album, aber es ist ohne Zweifel ihr bestes, eine kreative Explosion von dunkel atmosphärischer Bedrohung und purer Lautstärke. Mit „Stigmata“ schufen sie eine Clubhymne, die mit ihrer früheren, kitschigeren Single „Every Day Is Halloween“ konkurrieren kann, während „The Missing“ sie weiter in die Metal-Ästhetik drängt und „Golden Dawn“ eine apokalyptische, filmische Atmosphäre heraufbeschwört, die Bilder von zerfallenden Gebäuden und Rauchschwaden hervorruft. Obwohl Ministry weit entfernt ist von der ernsthaftesten Band in der Geschichte des Industrial, waren sie die ersten, die es als großangelegte, mainstreamfreundliche Produktion meisterten.

Godflesh: Streetcleaner

Justin Broadrick war erst 19 Jahre alt, als er mit Godflesh sein wegweisendes Industrial-Metal-Debüt mit Streetcleaner im Jahr 1989 ablegte. Das ist eine bemerkenswerte Tatsache, wenn man bedenkt, dass es nicht klingt wie das Werk eines kaum erwachsenen Menschen - es ist der Sound, den man von bösartigen, unsterblichen Wesen erwarten würde, die unter der Erdoberfläche leben. Wo die Wurzeln des Industrial Metal hauptsächlich von Künstlern stammen, die aus den frühen, post-punkigen Wurzeln des Industrials evolvierten - wie Killing Joke oder Ministry - waren Godflesh's Mitglieder bereits teilweise im Metal selbst etabliert, Broadrick hatte kurzzeitig bei Napalm Death gespielt, bevor er das Tempo verlangsamte und eine Drum-Machine einsetzte. Streetcleaner ist daher kein Dance-Album - es ist eine harte Serie von pitch-shifted Urgeschrei, mahlenden Gitarrenriffs und Roland-Bass-Thumps. Es ist der Sound einer besonders sadistischen Dystopie.

Nine Inch Nails: The Downward Spiral

Für die überwiegende Mehrheit der wegweisenden Industrial-Acts war die Akzeptanz im Mainstream nicht viel von Bedeutung, und im Fall von Throbbing Gristle war der crossover Erfolg eine Idee, die gänzlich gegen ihre provokativen Empfindungen ging. Doch für Trent Reznor, einem Künstler, der tatsächlich mit Mitgliedern von Throbbing Gristle zusammenarbeitete, waren Pop und Industrial keine Widersprüche. Rolling Stone beschrieb Nine Inch Nails' Debüt Pretty Hate Machine als „das erste Singer/Songwriter-Industrial-Album“, und mit dem 1994 nachfolgenden The Downward Spiral nutzte Reznor dieses frühe Konzept, um ein zusammenhängendes, konzeptionelles Art-Rock-Album zu schaffen und die Werkzeuge des Industrial zu nutzen, um seinen weiten Sound zu gestalten.

Bei seiner Veröffentlichung war The Downward Spiral ein beispielloser Durchbruch für die industrielle Musik, der sowohl die manischen Extreme der samplebasierten industrialen Metal („March of the Pigs“) als auch seine introspektivsten und verheerendsten Ballade („Hurt“) zeigt. Manchmal ähnelt das Album sogar einem robotischen Wesen, das durch Funkenregen stapft, wie im furiosen „Reptile“. Es ist ein Meisterwerk der Produktion, das die Idee von industrialer Musik universell anerkannt machte, dank nicht zuletzt dem durchschlagenden Erfolg des Sex-Hits „Closer“. Die Tatsache, dass Maxwell den Titeltrack einige Jahre später bei MTVs Unplugged coverte, markierte einen etwas surrealen Moment, in dem die Grenze zwischen einst von Lärm geprägter Underground-Kultur und Top 40 endlich verschwommen war.