Schauen Sie die Melodien: Besseres Leben durch Schaltungen

Es ist nicht oft, dass wir für diese Kolumne mehr als ein Jahrzehnt zurückblicken, aber verdammt, ich denke, wir sollten das wirklich öfter tun. Wir leben in einer Zeit, die man leicht als Boomzeit für Rock-Dokumentationen beschreiben könnte, dank Netflix und Amazon, die fast jeden halbwegs anständigen Nischen-Dokumentarfilm aufkaufen, den sie in die Finger bekommen können. Aber all dieser Überfluss macht es zu einfach, von der Flut dieser Veröffentlichungen jede Woche überwältigt zu werden und weniger bekannte Dinge, die noch vor der Zeit herauskamen, als alle ein Mobiltelefon hatten – geschweige denn Smartphones – und Blockbuster der Ort war, an den man ging, um DVDs zu holen, zu verpassen. All dieses Bedauern bringt uns zu Better Living Through Circuitry, einer von Ecstasy durchtränkten filmischen Zeitkapsel über die Techno- und Rave-Kultur, die 1999 veröffentlicht wurde.

Regie führte Jon Reiss, der seine Karriere mit den „Maschinen-Performance-Kunstgruppen“ Survival Research Laboratories begann, bevor Trent Reznor ihn hinter die Kamera für das Video „Happiness in Slavery“ von Nine Inch Nails setzte. Better Living Through Circuitry hat sich besser gehalten, als Sie vielleicht erwarten würden. Der Film dokumentiert das frühe Entstehen einer Szene, die inzwischen einige große Evolutionszyklen durchlaufen hat, immer wieder in und aus dem allgemeinen öffentlichen Bewusstsein auf- und absteigend. Diese großen Meinungsartikel über überbezahlte Vegas-DJs und Masseneinführungsartikel über Skrillex markieren beispielsweise die aktuellste Blase, die kürzlich geplatzt ist oder bald platzen wird, wenn sie es noch nicht ist. Hier ist jedoch ein Film, der Sie zurück zu einer Zeit bringt, bevor all das geschah, als Musiker nicht nur große Flightcases mit abgenutzten 12-Zoll-Dance-Mixen mitschleppten, sondern auch riesige CRT-Monitore, je nachdem, wie verrückt sie mit ihrem Bühnenaufbau werden wollten.

Die überraschendste Erkenntnis, die ich aus Better Living Through Circuitry mitgenommen habe, war ehrlich gesagt, wie wenig sich in der Tanzmusikwelt in den zwei Jahrzehnten seit der Veröffentlichung des Films geändert hat. Der beste Rat zum Feiern? „Bleiben Sie hydriert.“ Analoge Synthesizer? Immer noch vorhanden, und größer denn je. Drogen? Sie bleiben ein komplexer Teil der Kultur, wobei wir heutzutage Organisationen wie DanceSafe haben, die ihr Bestes tun, um den Menschen zu helfen, das sicherstmögliche Gleichgewicht zwischen den Gefahren und den Freuden von welchem Designer-Drogentrend auch immer zu finden, der gerade angesagt ist. Unternehmenswerbung? Die Partymoderatoren, die im Film zu sehen sind, remixieren und mischen fröhlich Logos für ihre eigenen Zwecke, während heute wahrscheinlich die Mad Decent-Kreuzfahrt unironisch von Grape Nuts oder Doritos oder Oscar Mayer oder einer ähnlichen multinationalen Marke „präsentiert“ wird. Also ja, je mehr sich die Dinge ändern, desto mehr bleiben sie gleich.

Der größte Unterschied, den ich feststellen konnte, ist, dass die Welt der elektronischen Musik jetzt wesentlich stärker stratifiziert zu sein scheint. Kleinstadt-Vaporwave-Künstler, die Grenzen auf Bandcamp-Seiten verschieben, und Namen wie Diplo und Steve Aoki, die mehr oder weniger unter dem gleichen Banner firmieren. Einige der im Film interviewten Personen erwähnen, dass die Rave-Kultur bereits relativ Mainstream war, aber die Kultur explodierte weitaus mehr, als man wahrscheinlich in den Jahrzehnten zwischen damals und jetzt hätte erwarten können.

Unerwartet war der (unabsichtlich) traurigste Aspekt dieses Films für mich die Einbeziehung von mehr als einem Musiker, der darüber sprach, wie sie ihre Liebe zur Musik aus dem Durchblättern der Plattensammlung ihrer Eltern gewonnen haben. Ja, dies ist eine Seite für ein Unternehmen, das echte Schallplatten verkauft, also bin ich mir ziemlich sicher, dass die Leserschaft dieses Artikels kein Problem damit hat, die kommenden Generationen mit Stapeln von Vinyl zu inspirieren, aber wenn man an die Kinder von Eltern denkt, deren Musikbibliothek (egal wie großartig oder alltäglich) als eine Reihe von Spotify-Playlists existiert, reicht das aus, um einem das Wasser in die Augen zu treiben.

Von all den Personen, die für den Film interviewt wurden, bietet Genesis P-Orridge, von den Industriepionieren Throbbing Gristle und Psychic TV, die tiefgründigsten Gedanken zu den größeren Implikationen von EDM und Rave-Kultur: „Punk ergriff die Produktionsmittel, Techno ergreift die Wahrnehmungsmittel“, und fügte später hinzu, dass das Genre „Sie lehrt und ermutigt, die Formbarkeit der Realität zu verstehen.“ Obwohl ich nicht völlig davon überzeugt bin, dass elektronische Musik all diese Qualitäten für sich allein hat, hat er/sie nicht Unrecht in einem abstrakten Sinne. Hip-Hop-DJs flippen seit den frühen siebziger Jahren Breakbeats (ganz zu schweigen von den Tape-Recordern der Musique Concrète, die bis in die 1940er Jahre zurückreichen), aber House- und Techno-Produzenten sowie -DJs verleihen ihren Klängen eine ganz eigene futuristische Note.

Weitere Interview-Partner sind DJ Spooky, Roni Size, Electric Skychurch, Carl Cox und Frankie Bones. Zum Glück sind The Crystal Method zur Stelle, um Tipps für die Einrichtung eines Home Studios zu geben, die im Grunde auf „Verdoppeln Sie den Trockenbau“ und „Leben Sie direkt neben der lautesten Autobahn Ihrer Stadt“ hinauslaufen, falls Sie sich das gefragt haben. Fans von EDM, sowohl der Vergangenheit als auch der Gegenwart, sollten sich Better Living Through Circuitry ansehen, wenn sie das noch nicht getan haben.