Andrew Bird: Reise zu Echolokationen

von Rudolph Santarromana

Ich möchte, dass Sie dieses Wochenende neue Musik erleben. Nehmen Sie Ihr Vinyl Me, Please Album des Monats, Ihren Cocktail und setzen Sie sich in einen Raum mit einem Fenster. Legen Sie die Nadel in die Rille und hören Sie ein komplettes Album. Schalten Sie Ihr Telefon in den Flugmodus und trennen Sie sich von der Welt.

Wir leben in einer zunehmend digitalen Welt. Wir sind es gewohnt, sofort das zu bekommen, was wir wollen. Sie können alle Informationen, die Sie benötigen, innerhalb von Sekunden erhalten, und Kinder von heute werden den Kampf, tatsächlich ein Wörterbuch zu besitzen oder zu lernen, wie man etwas macht, ohne ein hilfreiches Youtube-Video, nicht kennen. Wollten Sie jemals ein Lied auf der Gitarre oder dem Klavier lernen und haben die Noten oder Akkorde dafür nachgeschlagen, ohne sich jemals hinzusetzen und das ganze Instrument zu lernen? Ich gebe zu, ich habe das schon einmal getan. Wir geraten in die Falle, uns so sehr auf das Endergebnis zu konzentrieren, dass wir manchmal vergessen, wie wichtig die Reise oder das Erlebnis als Ganzes ist. Aber es ist diese Reise, die moderne musikalische Genies schafft. Diese ganzheitliche Sicht auf Musik verkörpert die Suzuki-Methode des Musikunterrichts.

Was ist die Suzuki-Methode, fragen Sie?

Die Suzuki-Methode basiert auf der Art und Weise, wie wir als Kleinkind unsere erste Sprache lernen (sie wird auch „Muttersprache“-Methode genannt). Wir haben kein vorheriges Verständnis von Sprache als Grundlage, aber dennoch verstehen wir Sprache. Dies geschieht, indem man in jungen Jahren beginnt und das Kind mit der Umgebung umgibt, die es nachahmen kann. Wir sprechen mit Babys und bringen ihnen Namen bei, indem wir „Mama“ und „Papa“ wiederholen, bis sie diese Laute nachahmen und „Mama“ und „Papa“ produzieren. Anstatt dem Baby zu sagen, dass es falsch ist, führt ständige positive Verstärkung dieser kleinen Erfolge dazu, dass das Kind seine Fähigkeiten langsam verbessert, bis „Mama“ schließlich „Mutter“ und „Papa“ „Vater“ wird, und das alles passiert, bevor sie überhaupt lesen lernen. Sobald ein grundlegendes Verständnis vorhanden ist, beginnt das Kind zu lesen und zu schreiben. Es gibt keine Tests, Leistungsstufen oder Maßstäbe der Meisterschaft in der Art und Weise, wie wir Sprache lernen, und so geht die Suzuki-Methode das Lehren der „Sprache der Musik“ an.

Der gebürtige Chicagoer Andrew Bird ist ein zeitgenössischer Schüler der Suzuki-Methode, durch den klar wird, welche Art von Musiker diese Methode hervorbringen kann. Er begann im Alter von vier Jahren, eine Version der Geige aus einem Schuhkarton zu spielen. Laut Bird:

„Ich bin wirklich dankbar, dass der Stil der Suzuki-Methode, mit dem ich aufgewachsen bin, ziemlich treu zum Konzept des ‚Lernens durch Hören‘ und der ‚Muttersprache‘ war. Das hat einen großen Einfluss darauf, welche Art von Musiker ich bin.

Wenn das Lesen im Vordergrund gestanden hätte, wäre ich, glaube ich, anders herausgekommen. Die Noten waren vor uns, aber sie waren nur ein Teil der Zeremonie des Spielens. Es war rein nach Gehör. Wir hatten dann einmal in der Woche Gruppenunterricht und Privatunterricht, und es war sehr sozial. Meine Mutter war sehr engagiert. Sie kam zu allem und sie begann tatsächlich, im ersten Jahr (Geige) mit mir zu spielen.

Ich bin dankbarer für die Suzuki-Methode als für jede andere musikalische Gelegenheit, die ich hatte.

Musikalisch gesehen ist das Wichtigste daran, dass ich, da ich nicht sofort lernte, Noten zu lesen, eine direkte Verbindung zu dem herstellen konnte, was in meinem Kopf war. Das ermöglicht es der Musik, nicht nur in meinem Ohr zu sein, sondern auch aus meinem Kopf auf mein Instrument zu kommen. Und als Schriftsteller, Komponist und Improvisator war es, als ich den Sprung von klassischer Repertoire zu Volksmusik oder Jazz machte, kein großer Sprung. Und ich sah andere Musiker um mich herum—Menschen im Konservatorium—die sich keinen Zentimeter ohne die geschriebenen Noten bewegen konnten“.

Diesen Winter nahm Andrew Bird seine intimen „Gezelligheid“-Auftritte (niederländisches Wort, das grob übersetzt ‚gemütlich‘ oder ‚urig‘ bedeutet) an vier aufeinanderfolgenden Abenden in der Fourth Presbyterian Church in Chicago wieder auf, und ich war dabei. Es war nicht das erste Mal, dass ich ihn live sah, aber ich würde sagen, es war mein Lieblingsauftritt. Bevor die Türen geöffnet wurden, ging die Sicherheit die Schlange entlang und bat alle, ihre Telefone nicht für Fotos, Videos, Aufnahmen jeglicher Art oder sonstige Verwendungen zu nutzen—es war schließlich eine Kirche. Und ehrlich gesagt, würde eine Aufnahme der Erfahrung nicht gerecht werden. Es wäre wie eine Geschichte zu erzählen, das uninteressierte Aussehen Ihres Publikums zu sehen (auch wenn ich jetzt Ihre Gesichter nicht sehen kann) und mit „Sie mussten dabei sein“ zu enden, was wir, ich bin sicher, alle schon einmal gemacht haben, also werde ich mich davon abhalten, diesen Weg zu gehen. Was ich sagen werde, ist, dass die Liebe zum Detail offensichtlich war, sowohl akustisch als auch visuell, und sie gut mit der intimen Atmosphäre der Veranstaltung harmonierten. Schließlich hat jede Show eine Geschichte, die das gesamte Erlebnis umfasst.

Mit dem Gedanken an die Umgebung im Hinterkopf: „Ein neues fortlaufendes Projekt von [Bird] namens Echolocations ist eine Erweiterung von Gezelligheid, bei der [er] ‚zur Umgebung spielt‘, sei es ein Canyon in Utah oder ein Aquädukt aus dem 18. Jahrhundert in Lissabon.“ Der erste Teil der ‚Echolocations‘-Serie wurde Anfang dieses Jahres veröffentlicht. Echolocations: Canyon wurde in den Coyote Gulch Canyons in Utah aufgenommen. Hört genau hin, und man kann das Echo an der Steinwand des Canyons und das Rauschen eines Wasserstroms am Boden dieser Ambient Komposition hören. Zukünftige geplante Teile von Echolocations sind: Fluss, Stadt, See und Wald.

Die Entstehung von Echolocations: Canyon

Soundcloud von Echolocations: Canyon

Andrew Bird macht weiter Musik und ist ein großer Befürworter der musikalischen Beteiligung von Jugendlichen, basierend auf den positiven Erfahrungen, die er als Kind gemacht hat. Bird trat im The Hideout zum Abschluss seiner Gezelligheid-Serie 2015 in Chicago auf, und alle Einnahmen gingen an das Andrew Bird Stipendium, das eingerichtet wurde, um Musikunterricht für Schüler der Chicago High School for the Arts zu bezahlen. Er sagt: „Musik bereichert Ihr Leben… Sie schafft andere Menschen mit anderen Werten. Werte, die tiefer gehen als das Streben nach Geld und materiellen Dingen.“

Denken Sie das nächste Mal, wenn Sie irgendwohin unterwegs sind, an Ihre Reise und die Vorteile, die das Erlebnis mit sich bringen kann. Integrieren Sie all Ihre Sinne und seien Sie im Moment präsent. Diese Erfahrungen können zu etwas Vollerem führen, als Sie ursprünglich beabsichtigt hatten. Für Andrew Bird ist Musik mehr als die richtige Kombination von Klängen und Instrumenten—sie spiegelt auch Ihre Umgebung wider. Schließlich ist Musik ein Erlebnis, richtig? Deshalb lieben wir Schallplatten. Das Gewicht der Platte in unseren Händen, das Bewundern des großen Albumcovers, die Schönheit der schwarzen, pinken, lila, roten oder klaren Platte selbst und das Hören der ersten paar Knistergeräusche, während die Nadel ihren Weg in die Rille findet, all das lässt uns wissen, dass es echt ist. Ein digitaler Bildschirm kann ein solches Erlebnis nicht bieten.