Andrew Bird kehrt seine Probleme nach außen

Dieser Prozess spiegelt Birds anhaltende Faszination für die Trennung zwischen dem Inneren und dem Äußeren sowie die Schwelle wider, die Ideen von einem zum anderen transportiert. Dieses Konzept bildete das Fundament von Inside Problems, Birds neuestem Album, das größtenteils entstand, während der Multiinstrumentalist drinnen festsaß und während des Höhepunkts der Pandemie nicht auf Tour gehen konnte. "Während der Schlaflosigkeit, mit der wahrscheinlich viele von uns zu kämpfen hatten, habe ich diese persönlichen Dämonen in Arbeit umgewandelt", erinnerte sich Bird. "Ich lag einfach da und rief die Melodie von 'Underlands' auf und spielte sie in meinem Kopf ab, und dann diente all das Gerede in meinem Kopf einem positiven Zweck."

Das Ergebnis ist ein Album, das unverfroren mehr Fragen als Antworten hat. "Wie zur Hölle wusstest du es, wenn alles, was du weißt, das ist, was du nicht weißt?" fragt Bird auf dem schwungvollen, aber romantischen, von Lou Reed inspirierten Track „The Night Before Your Birthday.“ Live aufgenommen mit Produktionen von Mike Viola und zusätzlichen Vocals von der Folk-Rock-Musikerin Madison Cunningham, Inside Problems ehrt das ständig sich entwickelnde innere Selbst und findet Trost darin, dass so viel unter der Oberfläche verborgen ist, das wir vielleicht nie verstehen werden. VMP sprach telefonisch mit Bird, um über die Entstehung von Inside Problems, Joan Didion und die Songs zu diskutieren, auf die er sich am meisten freut, endlich live zu spielen.

Dieses Interview wurde gekürzt und zur Klarheit bearbeitet.

VMP: Für das neue Album, wann hat das Schreiben wirklich begonnen und womit hat es angefangen?

Andrew Bird: Das Schreiben begann wahrscheinlich vor etwa drei Jahren, hauptsächlich während der Pandemie. Wir haben letzten Januar daran gearbeitet. Ich rief meinen Freund Mike Viola an, der es produzierte, und er hatte das Jimbo [Mathus]-Album, das ich gemacht habe. Seine Ethik passt zu meiner. Live-Aufnahmen, analoges Band. Wir hatten viel Zeit für die Pre-Produktion. Also kamen wir von Januar bis Mai jede Woche zusammen und probten die Band viel. Und dann gingen wir in den United B Raum in Hollywood, einen alten klassischen Raum aus den 40er und 50er Jahren. Sinatra, Dean Martin, viele großartige Platten wurden dort aufgenommen. Hochdecke. Wir konnten zu viert spielen, uns gegenseitig ansehen, mit live Gesang. Das Schlagzeugset stellte ich etwa fünf Fuß vor mich, und ich konnte mich immer noch hören, ohne Kopfhörer zu singen. Wir nahmen die Platte einfach in 10 Tagen im Mai auf.

Erinnerst du dich, welche Songs die ersten waren, die du geschrieben hast und die den ganzen Prozess begonnen haben?

Ich habe das Gefühl, dass „Underlands“ irgendwie das Vorbild für das Album war. Das war eine Melodie, die ich zuerst auf der Gitarre schrieb. Und ich dachte, „Wow, das wäre wirklich eine großartige [Musik] für einen Film.“ Ich erinnere mich, dass ich es T Bone Burnett vorspielte, als ich an True Detective mit ihm arbeitete. Er sagte das Gleiche.

Ich hatte einfach viel Zeit. Offensichtlich reiste ich nicht. Mein Routine, die mich während der Pandemie einigermaßen gesund hielt, bestand darin, durch meinen alten Katalog von Melodien zu gehen und eine Live-Aufführung eines meiner Stücke aus den letzten 25 Jahren aufzunehmen. Und dann machte ich eine Art improvisierte Solo-Version und stellte sie auf Instagram ein, und so begann ich meinen Tag. Dann machte ich verschiedene Dinge und endete den Tag auf der Couch mit einer Gitarre und arbeitete an diesen neuen Songs. Das Songwriting und das Kreieren dieser Songs waren sehr wichtig für meine mentale Gesundheit.

Als du während der Pandemie alte Songs gespielt hast, hat das deinen Ansatz beim Schreiben neuer Songs beeinflusst? Wurdest du jemals an etwas erinnert, das du früher gemacht hast, was dich inspiriert hat?

Es ist schwer, diese alten Songs zu spielen und eine Art retrospektiven Blick auf die Dinge zu nehmen. Es gibt Zeiten, in denen man das Rad neu erfinden und sich herausfordern und alles dekonstruieren sollte. Und das fühlte sich nicht wie die Zeit an, um wirklich etwas zu stören. Im Laufe all der Jahre gab es eine spezifische Sprache, der ich mir bewusst wurde, wie ich eine Phrase mache – die Tendenzen, die zu etwas werden, das dich als ein einzigartiger Performer identifiziert.

Ich erinnere mich, dass ich vor Jahren ein Konzert mit Allen Toussaint hatte. Wir sprachen vor dem Konzert und er war super nett. Er sagte: „Du hast dein eigenes Ding am Laufen. Du hast deinen eigenen Sound.“ Und dann ging er auf die Bühne und setzte sich in seinen smaragdgrünen Anzug ans Klavier und war sofort er selbst. Er war sofort Allen Toussaint und konnte niemand anders sein. Das hat mich so getroffen, dass ich nur so will, dass ich mich auf der Bühne so leicht sein lassen kann. Das sind die Songs, die so gestaltet sind, dass ich auf die Bühne gehe und es einfach leicht ist.

Sie fühlen sich wie du als Person, als Performer an?

Ja. Und es ist schwer, während dieser Zeit nicht live auftreten zu können. Live aufzutreten, während ich ein Album mache, war in der Regel Teil des Prozesses, weil es mich daran erinnert, wer ich bin und wie ich natürlich klinge. Auf der Bühne gibt es sehr wenig Vorwand, darüber nachzudenken, wie man sich präsentieren möchte oder was auch immer. Deshalb mache ich gerne ein Album in einer Art 10-tägiger kreativer Intensivphase der Performance, nicht des Entscheidens, welche Art von Hall man auf den Gesang legt. Ich mag keine Alben, die wie eine Reihe von Entscheidungen klingen. Es sollte eine Performance sein.

Ich habe den Kurzfilm gesehen, der das Album begleitete. Warum hast du dich entschieden, das zu machen?

Es ist gut, mit den Formaten des traditionellen Musikvideos zu spielen, in dem man seinen Song lipsynct. Ich wollte schon immer vom Skript abweichen. Die Leute hören zu, was du zu sagen hast. Oft, wenn man aufhört zu singen und einfach spricht, kann das einen wirklich Eindruck auf die Menschen machen. Als ich Leonard Cohen auf seiner letzten Tour im Radio City Music Hall sah, stoppte er nach einem langen, langen Konzert des Singens und rezitierte ein Gedicht. Es war der bewegendste Teil der ganzen Show. Es ist wie, wenn dein Lehrer aus der dritten Klasse plötzlich vom Lehrplan abweicht und dir eine persönliche Geschichte erzählt und alle gebannt sind.

Wo kam die Inspiration, die Idee der "Momente dazwischen", die du in dem Film oft erwähnt hast, zu erkunden?

Jedes Mal, wenn ich eine Staatsgrenze überquere und es heißt „Willkommen in Kentucky“ oder so, spüre ich ein Zittern durch mich laufen, wie: „Oh, jetzt bin ich in diesen anderen Staat gewechselt.“ Es geht zurück zu Spielen, die wir als Kinder gespielt haben, wie durch Portale zu gehen und in verschiedene Dimensionen. Diese Idee des Durchgangs und für immer verändert zu werden. Es ist einfach eine ständige Obsession für mich. Die Zufriedenheit, die ich mit einer inneren Welt fühle, die Zufriedenheit, die es mir bringt, mich einfach am Flughafen selbst zu unterhalten. Wenn du da bist und Dateien in deinem Kopf herausziehen kannst und damit herumspielst in Momenten, in denen andere Videospiele spielen oder was auch immer tun, um die Zeit zu vertreiben. Zurück zu der Zeit, als ich allein in einer Scheune lebte und Tag für Tag Musik machte, ohne mit jemandem zu sprechen und dann in mein Auto zu steigen, um alleine auf Tour zu gehen und auf die Bühne zu gehen. Das war das extremste, starrste Beispiel einer inneren Welt, die direkt zu einem Publikum spricht.

Es gibt mindestens zwei Joan Didion-Referenzen auf diesem Album, eine auf ihre tatsächlichen Worte in “Atomized” und dann “Lone Didion”, was ich annehme, ist nur ein Wortspiel. Wie ist dein Verhältnis zu ihrem Werk und warum hat es beim Erstellen dieses Albums für dich Resonanz gefunden?

Die Bücher auf meinem Nachttisch in den letzten drei Jahren werden auf irgendeine Weise in meiner Arbeit enden. Der Song “Lone Didion”, ja, er begann als Wortspiel. Ich hatte eine Melodie und anfänglich dachte ich [singt] Ponce de León aus irgendeinem Grund. Und ich dachte, nun, ich möchte kein Lied über Ponce de León schreiben. Ich las The Year of Magical Thinking und dachte, oh, Joan Didion. Ich musste irgendwie den Vokal dehnen, um das zum Laufen zu bringen. Gleichzeitig erinnerte ich mich an eine Geschichte. Ein Freund von mir war der Maître d' in einem Restaurant in New York, wo Joan Didion und ihr Mann jeden Samstagabend als Stammgäste kamen und sehr spezifische Dinge und Getränke bestellten. Sie arbeitete dort, als Didion ihren Mann und später ihre Tochter verlor. Sie kam fünf Wochen lang nicht und kam dann einmal, allein, und bestellte die gleichen Dinge. Diese Geschichte hat mich wirklich getroffen, während ich ihren Bericht über diese Zeit las. Wenn man auch eine einmal entfernte Anekdote von jemandem hat, der das gesehen hat, wie kann man das nicht in dem, was man tut, ansprechen? Ein Album während eines Zeitraums von zwei oder drei Jahren zu machen, man nimmt die Dinge, die einen getroffen haben oder getroffen haben, einschließlich der eigenen Melodien, die in den Kopf kommen. Man nimmt einfach die wichtigsten Dinge und ordnet sie in Liedform an. Manchmal ist es so einfach.

Auf welche Songs freust du dich am meisten, live von diesem Album zu spielen?

Ich denke, „Make a Picture“ wird wirklich Spaß machen, live zu spielen. Es hat einige Elemente von „Roma Fade“ in der Vergangenheit. „Atomized“ ist ein Hit und kann so viele Dinge sein. Es wird wahrscheinlich live ein anderes Leben annehmen als auf dem Album. Die Songs, die am wenigsten explizit darüber sind, was sie sein sollen, haben die wenigsten Akkorde und sind in der Regel am interessantesten live. Weil es nicht zu viel eines Plans gibt. Trotzdem liebe ich es bis heute, den Song „Why?“ von vor 20 Jahren zu spielen, weil es einfach eine 32-taktige groovige Jazzballade ist. Es ist so elastisch. Es kann die Art und Weise aufnehmen, wie du dich in diesem bestimmten Moment fühlst. So meine ich explizit. Es gibt nicht zu viele Anweisungen, die damit kommen.

In der Vergangenheit hast du aufregende Duette mit St. Vincent und Fiona Apple gemacht. Ich habe das Gefühl, für dieses Album ist es Madison Cunningham. Wie habt ihr euch verbunden?

Ich habe sie wahrscheinlich vor fünf oder sechs Jahren getroffen. Ich begann, sie in Live From Here, der Show, die Chris Thile von Prairie Home Companion übernommen hat, zu hören. Ich dachte, wow, was für eine Stimme. Sie ist auch eine großartige Gitarristin, und eine Zeit lang war sie in meiner Band als Gitarristin. Ich denke, das war die coolste Band, die ich je hatte. Ein guter Teil dieser Tour war, dass Madison eröffnete und dann in meiner Band spielte. Es ist einfach eine sehr seltene Sache, dieses Musiker- und Stimm-Control.

Ich muss fragen, dein letztes Originalwerk hieß My Finest Work Yet, aber das ist nicht der Titel dieses Albums. Würdest du das hier als deine beste Arbeit bisher betrachten?

Ich meine, ich habe nicht die Perspektive, um darüber zu kommentieren, aber Leute haben mir gesagt, dass ich dies so hätte nennen sollen. Ich wusste, dass ich auf etwas wie das bereit war, wenn ich irgendetwas "mein bestes Werk bisher" nenne. „Bisher“ ist das Schlüsselwort. Ich meine, die letzten drei Alben, die Titel sind sehr klar, zumindest für mich, um über mich selbst Witze zu machen. Weißt du, Are You Serious, Inside Problems... Wenn man so viele Alben hat, muss man diese Haltung einfach einnehmen. Früher haben alle gefragt: „Ist das dein definitives Werk?“ Deshalb habe ich begonnen, den Titel einfach nicht ernst zu nehmen.

Was ist der Titel Inside Problems speziell, der dich zum Lachen bringt?

Alles könnte so simpel auf eine Frage von inneren und äußeren Problemen reduziert werden. Es kam mir witzig vor. Für mich ist es wie: „Was ist mit dir los?“ „Oh, ich habe diese inneren Probleme.“ Es sind speziell die Art, die innerlich sind, weißt du? Das ist mein verdrehter Sinn für Humor, schätze ich.