Ein Albert King Primer

"Ich spiele die singende Gitarre," sagte Albert King Guitar World im Jahr 1991. "Das habe ich schon immer gesagt." Es war eine zutreffende Selbstreflexion: Obwohl er technisch nicht so versiert war wie andere Ikonen des Blues – oder auch seine Nachfolger im Rock, darunter Eric Clapton und Stevie Ray Vaughan – spezialisierte sich King auf grollende, lyrische Soli, die auf einer emotionalen Ebene jenseits des Blitzes resonierten und Herzschmerz und Kummer besser als ein Gesang vermitteln konnten.

Diese rohe Kraft festigte ihn als einen der am meisten verehrten Spieler des Genres, insbesondere während seiner ikonischen Zeit beim Stax-Label in Memphis ab 1966. Über fast ein Jahrzehnt hinweg verfeinerte der in Mississippi geborene Musiker einen formbaren Stil des elektrischen Blues, der von seinen eigenen Gitarrenhelden (darunter T-Bone Walker), sowie von Bläsersoul, Jazz, Funk und Gospel beeinflusst war – letzteres schlich sich während seiner Kindheit beim Singen in der Kirche ein.

King wurde technisch als Albert Nelson geboren, aber er nahm seinen Bühnenname in den frühen 1950er Jahren an – ein klarer Versuch, von der Berühmtheit von B.B. King zu profitieren. (Der Legende nach behauptete er sogar, B.B.s Halbbruder zu sein und nannte seine Gitarre "Lucy," eine Anspielung auf B.B.s Markenzeichen "Lucille.") Und obwohl er nie den gleichen Ruhm wie sein Kollege erreichte, wurde er fast ebenso einflussreich: Der linkshändige King nutzte einen unorthodoxen Spielstil – eine alternative Stimmung auf einer rechtshändigen Gitarre, die umgedreht war –, der seinen stechenden, gebogenen, vibrato-reichen Leads einen charakteristischen Klang verlieh.

Sein Stax-Debüt, Born Under a Bad Sign von 1967, wurde zu einem definitiven Meilenstein für die aufstrebenden Blues-Rock- und Psych-Rock-Künstler der Ära: Clapton kopierte King's Stil berühmt auf Creams "Strange Brew" von jenem Jahr, und Jimi Hendrix studierte eingehend sein Griffbrettspiel. ("Hendrix machte Fotos von meinen Fingern, um zu versuchen, herauszufinden, was ich tat," sagte er Guitar World. "Er hat es nie ganz herausgefunden, aber Jimi war ein verdammt guter Gitarrenspieler, der schnellste Typ überhaupt zur damaligen Zeit.")

Obwohl seine Produktivität in den späten 1970er Jahren nachließ, blieb King sein ganzes Leben lang aktiv: Er spielte seine letzte Show zwei Tage vor seinem Tod im Dezember 1992, und sein letztes Album, Red House, erschien im Vorjahr. Es gibt unvergessliche Momente in seinem Katalog, aber King erreichte einen kreativen Höhepunkt während seiner Zeit bei Stax. Um den Unvertrauten einen Ausgangspunkt zu bieten, lassen Sie uns die fünf Alben noch einmal anschauen, die es zuerst zu überprüfen gilt.

Born Under a Bad Sign (1967)

Wenn Sie sich nur ein King-Album ansehen, dann schauen Sie sich sein monumentales Debüt bei Stax an. Unterstützt von der erstklassigen Begleitband des Labels – darunter Booker T. & the M.G.'s, die Memphis Horns und Isaac Hayes an den Tasten – wagt sich der Gitarrist von den sehnsüchtigen, sozial bewussten Blues des Titeltracks ("Ich kann nicht lesen, habe nicht gelernt zu schreiben / Mein ganzes Leben war ein einziger großer Kampf," singt er mit einem rauen, seidigen Vibrato) zur taufrischen, gospelgetönten Ballade "I Almost Lost My Mind" bis hin zur flinken Version von Tommy McClennans "Crosscut Saw," die auf einem afro-kubanischen Groove basiert.

Jammed Together (Mit Steve Cropper, Pops Staples) (1969)

Staxs hauseigener Ass Steve Cropper hatte King bereits bei mehreren Sessions unterstützt, bevor dieses groovige, entspannte Album entstand – er bot eine konstante Gitarrenverankerung für die Leitfeuerwerke des Bandleaders. Aber er und "Pops" (oder "Pop") Staples erhalten eine Co-Leitungsbezeichnung auf Jammed Together, ein passendes Zeugnis für Croppers eigenen Einfluss mit seiner Band Booker T. & the M.G.'s. Die Atmosphäre hier ist locker und verspielt, die drei Gitarristen tauschen Soli und Riffs über einer immer kochenden Rhythmussektion. Die Originaltracks strotzen vor Selbstvertrauen (einschließlich Croppers souligem Leadvokals auf "Water"), aber die unkomplizierten Coverversionen haben den größten Punch, insbesondere eine funky, von King angeführte Version des Ray Charles-Klassikers "What'd I Say."

Lovejoy (1971)

Memphis Soul-Produzent Don Nix führte King auf Lovejoy in funkigere Gefilde, indem er eine erweiterte Crew von Session-Spielern beschäftigte – darunter Schlagzeuger Jim Keltner und Muscle Shoals Bass-Gott David Hood –, die seiner etablierten Blues-Palette extra Muskeln verliehen. Das Album beginnt mit einer polierten Version des Rolling Stones "Honky Tonk Woman," die raue Gitarrenlicks und schnappendes Klavier vermischt; und seine Interpretation von Taj Mahals "She Caught the Katy (and Left Me a Mule to Ride)" beschwört ebenfalls ein Stones-ähnliches Selbstbewusstsein herauf, mit King, der über eine "störrische Frau" stöhnt, mitten in den fetten Riffs. Aber das Herzstück ist der tief funky "Bay Area Blues," mitverfasst von Bassist Donald "Duck" Dunn, der das harte Leben auf Tour dokumentiert.

I'll Play the Blues for You (1972)

Während Lovejoy sanft in Funk-Gewässer watete, tauchte I'll Play the Blues for You ins tiefe Ende (und, nun ja, ins Tieftöner): James Alexanders stampfender, melodischer Bass trägt das meiste Material, einschließlich des maximalistischen Grooves von "I'll Be Doggone" (ausgestattet mit Wah-Wah, Hörnern und Congas) und dem sich brüstenden "Little Brother (Make a Way)." King fühlt sich wohl, als ein Teil eines größeren Puzzles zu agieren – wie bei "Breaking Up Somebody's Home," bei dem seine sengenden Gitarrenspuren durch wogende Hammond-Orgel- und brüllende Baritonsaxophonlinien gewebt sind.

I Wanna Get Funky (1974)

Mission erfüllt. Auf dem vorletzten Album seiner prägenden Stax-Phase (veröffentlicht ein Jahr bevor das Label Insolvenz anmeldete), dehnt sich King weiter über das Standard-12-Takte-Blues hinaus mit filmischen Soul-Arrangements (dem mit Hörnern und Streichern verzierten Arrangement von "Flat Tire") und periodengerechtem Funk (eine aggressive, fast achtminütige Überarbeitung von "Crosscut Saw," die sich zur Mitte hin in einen schleichenden Groove verwandelt). Er liefert auch einige seiner geschmackvollsten Soli heraus, darunter, auf dem letztgenannten Stück, ein Strom gebeugter Noten, der rauchiger ist als der Zigarettenrauch, der das Albumcover ziert.