Die 10 besten Alben von The Cure, die Sie auf Vinyl besitzen sollten

Faith

Faith (1981) ist das dritte Studioalbum von The Cure und perfekt geeignet, um aus Fenstern auf verwesende Blätter und totes Aussehen zu schauen. Ein Trio mit Simon Gallup am Bass, der zunehmende Einsatz von Drogen und Alkohol in der Band verlängerte die Aufnahmesessions zu Liedern, in denen Smith Ideen von Glauben und Spiritualität konfrontiert. Musikalisch ist das Album schichtweise und atmosphärisch, selbst bei den schnelleren Nummern wie der Single „Primary“, wo die duellierenden Bässe von Smith und Gallup frenetic und hypnotisch sind. Lyrisch düster und emotional, beklagt Smith, dass er „nicht halten kann, was du verschlingst“ („The Holy Hour“), erkennt, dass „je älter wir werden, desto mehr wissen wir, desto weniger zeigen wir“ („Primary“) und zieht ein gemeinsames Thema des Verlustes des unschuldigen Glaubens an Dinge, während die Kindheit endet, durch. Die funkelnden Töne sind offensichtlich („All Cats Are Grey“ und „Funeral Party“), aber das Herz des Albums ist der abschließende Titelsong, wo Smiths Behauptungen, nichts weiter als Glauben zu haben, nachdem alles tot und vergangen ist, entweder hoffnungsvoll oder bitter sind, je nach Stimmung.

Pornography

Soviel wie Smith später gegen das Gothic-Rock-Etikett protestieren würde, das oft auf The Cure geklebt wurde, es ist nicht zu leugnen, dass es zur Zeit von 1982’s Pornography gilt. Ein verstörender Albumtitel, große voluminöse Haaren, Lippenstift und schwarzer Eyeliner, schwarze Kleidung und Texte wie „Es ist egal, ob wir alle sterben“, das vierte Album der Band ist so gothic, wie es nur geht. Mit derselben Besetzung wie bei Faith (obwohl Gallup nach der Tour für dieses wegging) stürzt sich Smith und die Band in den nihilistischen Abgrund über die Sinnlosigkeit des Lebens („One Hundred Years“) und bedeutungslosem Sex als Todesmarsch („Siamese Twins“) und das ist nur die erste Seite. „The Figurehead“ eröffnet die zweite Seite und das Selbsthassen ist sowohl erschreckend als auch vertraut für jeden, der erkannt hat, dass er eine schreckliche Person ist. Der melodische „A Strange Day“ ist fast fehl am Platz, abgesehen vom unerbittlichen Schlagzeug. Die Klaustrophobie schließt sich bei „Cold“ und dem abschließenden Titelsong, der eine Mischung aus verzerrten TV-Samples, unheimlichen Synths und Smiths Texten ist, die in einen mentalen Zusammenbruch abtauchen. Schalt das Licht aus und dreh die Lautstärke für dieses Stück auf.

The Head on the Door

Smith trat aus dem psychedelischen Seufzer von The Top hervor, beendete sein Engagement als Gitarrist für Siouxsie & The Banshees und strebte nach Erneuerung und Unbeschwertheit. Gitarrist Pearl Thompson (damals bekannt als Porl, der ein Teil von Easy Cure war) und Bassist Gallup traten offiziell wieder bei, Schlagzeuger Boris Williams wurde hinzugefügt, und Tolhurst wechselte zu den Keyboards. Die erweiterte Band inspirierte Smith, die Akustikgitarre zu umarmen und neue Klänge und Stile zu erkunden. Popsongs und skurrile Musikvideos, The Head on the Door (1985) bleibt der perfekte Einstiegspunkt für Cure-Neulinge. Der Albumtitel ist eine Zeile aus der groovy Single „Close to Me“, die aus einem Albtraum von Smith über einen abgetrennten Kopf stammt. So sehr wir hier auch eine Pop-Platte haben, es ist eine Cure-Pop-Platte mit schwebenden Synths und Texten, die einen betrogenen Geliebten bitten, zurückzukommen („In Between Days“), gelähmt von Blut, während Castanets und Flamenco-Gitarre unterstützen („The Blood“), und im Taumel der Taubheit ertrinken („Sinking“). Außerdem erhalten wir unsere erste echte Hymne mit „Push“, mit ihrem 2,5-minütigen Gitarrenintro und dem treibenden Basslauf, der weiterhin ein Favorit bei Live-Shows ist. The Head on the Door verwischte die Grenzen zwischen radiosfreundlicher und dunkler alternativer Musik.

Standing on a Beach: The Singles

Ja, das ist eine Singles-Kompilation. Aber es ist eine wirklich großartige. Indem sie auf dem Erfolg von The Head on the Door aufbauen, wurde Standing on a Beach (1986) veröffentlicht, um die Hörer mit dem früheren Katalog der Band vertraut zu machen. Die Vinyl-Version enthält frühe Singles wie „Boys Don’t Cry“ sowie mehrere fantastische Non-Album-Singles wie den Dance-Nummer „The Walk“, das skurrile „The Love Cats“, „Let’s Go To Bed“ und das unheimliche, inspiriert von einem Kinderbuch „Charlotte Sometimes“, das allein den Erwerb dieser Kompilation erforderlich macht. Und da diese Liste der 10 besten Titel einige frühe Alben auslässt, werden Sie dennoch Songs wie das ätherische „The Caterpillar“ und das perfekte „A Forest“ haben wollen. Wie jede großartige Retrospektive, die ihren Namen verdient, ist dieses Album nicht nur eine großartige Einführung in ihre Post-Punk-Anfänge und den Fortschritt zu alternativen Radio-Hits, es beweist auch, dass The Cure nicht einfach beschlossen hat, mit „In Between Days“ in Popsongs einzutauchen, sondern dass sie dies seit dem Anfang getan haben.

Kiss Me Kiss Me Kiss Me

Für jeden, der Robert Smith nicht als echten Gitarrenhelden betrachtet, hören Sie sich den Eröffnungstrack „The Kiss“ an. Über eine Minute lang kreischt und schneidet die Gitarre, während die düsteren Keys und Drums zu einem kraftvollen Höhepunkt aufbauen, bei dem Smith seine verächtlichen Texte ausspuckt und wimmert. Es ist eine Erinnerung daran, dass trotz dessen, was der Hörer aus radiofreundlichen Singles wie „Just Like Heaven“ und „Why Can’t I Be You?“ gehört hat, das Doppel-Album Kiss Me Kiss Me Kiss Me (1987) eine eklektische Mischung aus Pop und Seufzer darstellt. Mehrere Persönlichkeiten sind zu sehen: Popstar (die genannten Singles sowie „Hot Hot Hot!!!“), psychedelisch-goth Hero (“Torture“, „If Only Tonight We Could Sleep“ und „The Snake Pit“), verletzter Romantiker („Catch“, „One More Time“, „How Beautiful You Are“ und „A Thousand Hours“) und der widerwillige Mentor für Cure-Verehrer überall im Abschlusslied „Fight“, wo er die Hörer drängt: „Wenn das Weh tun beginnt und die Albträume anfangen, erinnere dich, du kannst den Himmel füllen, du musst dich nicht ergeben.“ The Head on the Door legte den Grundstein, aber Kiss Me war die Erntee, ein internationaler Erfolg, der die Band in den Mainstream katapultierte.

Disintegration

Disintegration’s üppige Perfektion bedeutet, dass es den Soundtrack einer Nacht des Herumwanderns in Herzschmerz oder eines zärtlichen Abends des atemlosen Tasten und verwischten Lippenstifts liefern kann. Nach dem Erfolg von Kiss Me war die Band (mit Roger O’Donnell an den Keyboards) an einem kreativen Höhepunkt, aber Smiths depressive Tendenzen, seine zunehmende Desillusionierung darüber, was Pop-Erfolg für die Band bedeutete, und der Drang der Bandkollegen, Smiths Kindheitsfreund Tolhurst zu feuern (dessen Süchte einen bedeutenden Beitrag verhinderten) inspirierten eine Rückkehr zu dunkleren Themen von Liebe und Verlust. Trotz des unbehaglichen Empfangs durch das Label, das Pop-Songs à la Kiss Me erwartete, wurde 1989’s Disintegration ihr erfolgreichstes Album. Die Singles „Pictures of You“, „Lullaby“ und „Lovesong“ (geschrieben für Smiths Frau) wurden extensiv im Radio gespielt. Schichten aus schimmernden Gitarren und Synths, eine Neigung zu langen instrumentalen Intros, ein Albumopener, der alles definiert, was ein Albumopener sein sollte („Plainsong“), ein schneidender Titelsong, Liebe, Wut und Selbsthass, wer hätte gedacht, dass ein Album über den Zerfall die Band zum Rock-Stadion-Star machen würde?

Wish

1992’s Wish ist Traum-Pop-Exzellenz und jeder, der etwas anderes sagt, hat den Punkt verpasst. Sicher, es war kein von Anfang bis Ende stürzen in die Sümpfe der Traurigkeit, wie es die Hardcore-Fans wollten, aber in vielerlei Hinsicht ist Wish der lyrisch reifere Verwandte zu Disintegration. Immer noch ein Quintett mit Perry Bamonte, der O’Donnell an den Keys ersetzt hat, wiederholt das Album das übergeordnete Thema von Enden und schief gelaufener Liebe, aber anstelle selbstbezogener Introspektion befasst es sich mit zärtlicher Nostalgie und einer es-ist-besser-so Melancholie. Endlose Liebe wird erklärt („High“), nur um in „Apart“ von emotionaler Distanz überwältigt zu werden. „From the Edge of the Deep Green Sea“ ist ein wütendes Durcheinander aus Gitarren und Herzen in einer Geschichte über ein Paar, das nicht zusammen sein sollte, aber der Erzähler kann nicht loslassen (bereiten Sie sich auf ein gesichtsschmelzendes Smith-Gitarrensolo vor). Wir fahren mit der Liebesachterbahn auf dem makellosen „Friday I’m In Love“, aber es gibt Vertrauensprobleme und er kann einfach nicht mehr so tun („Trust“ und „A Letter to Elise“). „Cut“ rockt mit Verzweiflung und Gift, aber die Dinge verlangsamen sich beim schönen „To Wish Impossible Things“, das vor Bedauern schmerzt. Schließlich wird uns gesagt, „bitte hör auf, mich zu lieben / ich bin keines dieser Dinge“ im Abschlusslied „End“, das die Zuhörer fragen ließ, ob er mit einem Geliebten oder mit Fans spricht. Die Sorge über die Band, die sich trennt, wurde nur durch die Abgänge von Williams und Thompson nach dem Ende der Tour verstärkt.

Paris

Ich weiß, ich weiß, warum lasse ich dich nach einem Doppelalbum verlangen, das hunderte von Dollar auf Discogs kostet? Die kurze Antwort: Es ist ihr bestes Live-Album. Außerdem hast du nicht gelebt, bis du einen Live-Auftritt von The Cure gehört hast. Wenn du frühe Cure hören möchtest, greif zu Concert; wenn du die Hits hören möchtest, hol dir Show. Aber wenn du eine Band in ihrer fünfköpfigen Besetzung sehen möchtest, die Songs spielt, die am besten definieren, was The Cure für seine treuen Fans bedeutet, dann hol dir Paris (1993). Aufgenommen im Oktober 1992 in Paris während ihrer Wish-Tour, umfasst es die majestätisch dunklen „The Figurehead“ und „One Hundred Years“ von Pornography und die ominösen „At Night“, „In Your House“ und „Play for Today“ von Seventeen Seconds. Das Album funktioniert als stimmungsvolle Atmosphäre und verleiht den früheren Tracks eine Üppigkeit, die in den Studio-Versionen nicht existiert. Der bewundernde Applaus hört nie auf und die Band ist eine gut einstudierte Einheit, mit einem spielerischen Smith bei „Catch“, „Dressing Up“ und „Close to Me“ und zufriedenstellend tragisch bei „Apart“, „Lovesong“, „A Letter to Elise“ und „Charlotte Sometimes“. Die traurigen Texte dämpfen niemals die fröhliche Stimmung aller, die einer der besten Rockbands aller Zeiten lauschen.

Bloodflowers

Gelobt als Rückkehr zur Form nach dem ungleichmäßigen Wild Mood Swings (1996) (das die Rückkehr von O’Donnell und die Hinzufügung von Schlagzeuger Jason Cooper sah), wurde Bloodflowers (2000) als in derselben Reihe wie Pornography und Disintegration (Teil einer Trilogie) beworben. Es gab keine kommerziell veröffentlichten Singles und keine offenen Pop-Elemente. Die meisten Songs sind länger als fünf Minuten und Bloodflowers hat sogar den längsten Albumtrack bis jetzt (das seltsam erotische „Watching Me Fall“ mit 11:13 Minuten). Es ist zunächst schwierig, es mit den früheren Meisterwerken der Band zu vergleichen, aber es ist ein kohärentes Album, das an dir nagt, dich unter die Haut geht, bis Smiths einfache Texte das Gewicht der Welt tragen. Vertraute Gitarrenflange-Effekte, erforderliche Gallup-Basslinien und O’Donnell-Keyboardschmuck, es ist wie von einem alten Freund umarmt zu werden. Gestörte Beziehungen werden untersucht („The Loudest Sound“) und in „39“ wird das Altern widerwillig anerkannt (angemessen betitelt, da Smith 39 bei den Aufnahmen war). Es war ihr letztes Studioalbum für das langjährige Label Fiction Records und es fühlte sich erneut so an, als würde die Band sich verabschieden; das Album wird von zwei Songs eingerahmt, die über Endlichkeit sprechen. Episch und bittersüß, Bloodflowers ist massiv unterbewertet.

The Cure

Unter Vertrag bei Geffen und arbeitend mit Produzent Ross Robinson (bekannt für seine Arbeit mit Korn) und seinem I AM-Label, mussten Smith und die Band sich 2004 inmitten eines Post-Punk-Revivals mit vielen neu aufkommenden Bands, die The Cure als große Einflussnahme nannten, ihrer Rolle als ältere Staatsmänner stellen. Robinson forderte sie heraus, ihr zwölftes Studioalbum The Cure live gemeinsam aufzunehmen, wobei Smiths Gesang in den Vordergrund gestellt wurde, was eine Unmittelbarkeit und Rohheit mit sich brachte, die man auf anderen Cure-Platten nicht bekommt. Er schreit und knurrt im Eröffnungssong „Lost“ in einem kathartischen Ausdruck von Verwirrung und Wut, der schockierend und hypnotisierend ist; gefährliche Psychedelie schleicht sich in „Labyrinth“ und neckt mit „The Promise“. Verdrehte Popsongs gibt es ebenfalls reichlich mit „The End of the World“ und dem schwindeligen „(I Don’t Know What’s Going) On“. Der zusätzliche Vorteil, das Album auf Vinyl zu bekommen, sind die vier Bonustracks, sodass Sie die liebevolle „Truth Goodness and Beauty“, „Fake“ und Smiths bevorzugten Abschluss „Going Nowhere“ im Kontext des Rest des Albums hören können (mit zusätzlich „This Morning“ angehängt). Laut, gitarrenlastig und mit sehr wenigen der filmischen Synths und langen instrumentalen Intros, die wir gewohnt sind, erinnert The Cure uns daran, dass selbst legendäre Ikonen überraschen können.