Wenn es sich seltsam anhört, sich Hip-Hop, Big Bands und Samba auf derselben Party vorzustellen, werden Sie definitiv von Samba-Rock überrascht sein, einem authentischen musikalischen Ausdruck aus den schwarzen Gemeinschaften São Paulos.
Wahrscheinlich ist es eines dieser Genres, von denen Sie noch nie gehört haben (tatsächlich haben viele Brasilianer außerhalb São Paulos das auch nicht), entstand Samba-Rock aus der Begegnung der populärsten schwarzen Rhythmen aus Brasilien und den USA. Obwohl Samba-Rock erst in den 1970er Jahren zu einem „Ding“ wurde, reichen seine Wurzeln bis in die späten 1950er Jahre zurück, als Rockmusik begann, sich auf der ganzen Welt zu verbreiten.
Ab den 1950er Jahren herrschte Rockmusik über die Tanzsäle Brasiliens. Sich den neuesten Trends im Radio anpassend, wurden die Ghettos von São Paulo bald von amerikanischer schwarzer Musik hypnotisiert. Zusammen mit Samba und Bolero waren der Klang von Blues, Jazz und Rockmusik zu jeder Party damals unverzichtbar. Bill Haley und Johnny Rivers gehörten zu den Favoriten, zu denen bei Hochzeiten, Geburtstagsfeiern und Familienfeiern getanzt wurde.
Samba-Rock entstand erstmals als Tanzstil, bedingt durch die Dynamik, mit der sich die Diskokultur in São Paulo entwickelte. Obwohl die meisten schwarzen Feiern als kleine Familienversammlungen im Garten eines Verwandten begannen, wurden sie bald größer und verlagerten sich in kommerzielle Veranstaltungsorte. Als die Partys immer mehr Menschen aus den verschiedensten Randgebieten von São Paulo anzogen, gaben sie bald dem grundlegendsten Charakter des Samba-Rock Leben: dem Discjockey, dessen erster Vertreter, zumindest in Brasilien, der 85-jährige Osvaldo Pereira, auch bekannt als „Orquestra Invisível (Unsichtbare Orchester) Let’s Dance“ ist.
Das große Debüt von Pereira als DJ fand 1958 im Stadtzentrum von São Paulo statt. „Die Partys fingen an, überfüllt zu werden, und die Räume für die Partys wurden größer. Da dachte ich daran, mein eigenes Equipment zu bauen, das leistungsstark und dem Klang der Live-Orchester treu sein musste“, sagt der Pionier, der sich auch an die erstaunten Reaktionen des Publikums auf seine etwa 100-Watt-Maschine erinnert, die eine rudimentäre Version eines Crossover beinhaltete (mit dem er die Klangfrequenzen steuern konnte).
Mit Pereira wurde die Ära der „unsichtbaren Orchester“ (auch DJs genannt) offiziell in der schwarzen Gemeinschaft von São Paulo eingeleitet. Bei den „mechanischen Bällen“ — einer weiteren Bezeichnung für schwarze Feiern, da die Live-Orchester nur bei Partys von Weißen spielten — spielten DJs unterschiedliche Musikgenres, die von „Partido Alto“ Samba-Musik bis zu italienischem Rock reichten. Von Lindy Hop und Rockabilly bis zu Samba de Gafieira wurde alles paarweise getanzt, und die Partygäste wechselten sanft von einem Tanzstil zum anderen, je nach Wahl des DJs. Als die DJs jedoch Waldir Calmons „Rock Around the Clock“, eine Samba-Version von Bill Haleys Song, spielten, waren schwarze Partys nie mehr dieselben: allmählich verwandelten sich die Partygäste alle Rock- und Samba-Bewegungen in einen einzigen Tanzstil, der später Samba-Rock genannt wurde.
„Tanztechnisch geht es beim Samba-Rock um Entspannung und Konzentration, alles auf einmal. Es vereint das afrikanische 'ginga' (Körperfluss aus Capoeira), das an den Füßen und Hüften präsent ist, und die europäische Referenz der Salonetikette“, erklärt Mestre Ataliba, einer der ersten Samba-Rock-Tanzlehrer in São Paulo, der den Dialog zwischen Samba-Rock und musikalischer Vielfalt feiert. „Wir können dazu zu den Klängen von Rita Pavone, Samba-Pagode, Reggae, R&B tanzen. Es umfasst wirklich jede Musikkultur“, sagt er.
Als Samba-Rock in den 1970er und 1980er Jahren zunehmend an Fahrt gewann, erlangten mehrere brasilianische Bands und Sänger Sichtbarkeit in der schwarzen Musikszene von São Paulo. Einige von ihnen wurden tatsächlich als Samba-Rock-Musiker bezeichnet, wie der legendäre Jorge Ben Jor, ein Carioca Sänger, Instrumentalist und Komponist. Autor von „Mas que Nada“ — einer weltberühmten Komposition, insbesondere durch Sergio Mendes’ Klavierfassung — wird Jorge Ben Jor von einigen als der „Vater des Samba-Rock“ angesehen, hat sich jedoch nie als solcher erklärt. Dennoch sind mehrere von Ben Jors Songs bis heute Favoriten bei traditionellen Samba-Rock-Partys. Trio Mocotó, das mit Ben Jor, aber auch mit Namen wie Vinícius de Moraes aufgenommen hat, wird stark mit der Samba-Rock-Band der 1970er Jahre assoziiert. Auch als Gründer des Samba-Rock angesehen, war der Perkussionist und Sänger Branca di Neve in den 1980er Jahren ein großer Erfolg bei schwarzen Partys in São Paulo, insbesondere für seine Alben „Branca Mete Bronca“ (Bände 1 und 2).
Obwohl all diese Künstler die klangliche Essenz einer Samba-Rock-Party repräsentieren, hat sich keiner von ihnen jemals als Samba-Rock-Musiker erklärt. So erhob sich Samba-Rock offiziell erst in den 2000er Jahren als Musikgenre, mit Bands wie Sandália de Prata und Clube do Balanço. Im Gegensatz zum Tanzgenre erlangte Clube do Balanço notoriety, indem es Samba-Rock in den Mittelklassevierteln von São Paulo spielte. Laut dem Sänger und Gitarristen Marco Mattoli erleichterte genau das die neue Phase des Samba-Rock: „Wir kamen nicht aus den Randvierteln, also hatten wir eine eher outsider Perspektive auf Samba-Rock. Als wir es zum ersten Mal sahen, fühlten wir uns von diesem Schwung hypnotisiert. Was wir taten, war einfach, Licht auf eine Kultur und eine Tradition zu werfen, die immer in den Ghettos war, und sie dann zu anderen Publikum zu bringen“, sagt Mattoli, der die Bedeutung des „Zerstörens der Mauern“ und des Annäherns der Peripherie und des Zentrums von São Paulo hervorhob.
Wie bei jedem Musikgenre haben Samba-Rock-Songs wesentliche gemeinsame Eigenschaften: Sie sind groovig, sie haben “tumxicutumxicutum”, wie Mattoli es ausdrückt, und beziehen sich auf die besondere Onomatopöie des Samba-Rock-Rhythmus. Zu den wichtigsten Instrumenten des Samba-Rock gehören die Trommeln, der Bass, das Klavier und die Bläser. Wenn man an die 1970er denkt, spielten Jorge Ben und Trio Mocotó jedoch immer mit Timba (einer traditionellen Trommel), Pandeiro und der Gitarre. Für Mattoli gibt es eine „interessante Einschränkung“ beim Komponieren von Samba-Rock: „Das Lied muss immer gut zum Tanzen sein, sonst macht es keinen Sinn. Es schränkt zwar den Kompositionsprozess ein, aber schafft eine kulturelle Identität für unsere Band. Heute können wir es nicht mehr als Rock, Samba, Soul oder Funk betrachten. Samba-Rock ist zu etwas Originalem geworden.”
Seit den späten 1950er Jahren bis heute hat Samba-Rock erhebliche Veränderungen durchgemacht — zum Besseren oder Schlechteren. Während Pereira glaubt, dass das Hinzufügen elektronischer Samples zu alter amerikanischer Musik positiv ist, sind einige ihrer Söhne (die meisten von ihnen auch DJs) damit nicht einverstanden. Für Mestre Ataliba hat die Hinzufügung von Samba-Rock in Tanzakademien dazu geführt, dass der Rhythmus etwas von seiner „Ginga“ verloren hat, die in den traditionellen Samba-Rock-Choreografien präsent ist.
Auf der anderen Seite haben Samba-Rock-Enthusiasten allmählich das Bewusstsein für seine Bedeutung gesteigert — nicht nur als Tanz oder Musikgenre, sondern als komplexe kulturelle Bewegung, die aus DJs, Produzenten, Musikern, Videomachern, Wissenschaftlern und Tänzern besteht. Geschlechtergerechtigkeit bei Samba-Rock-Veranstaltungen wird beispielsweise jetzt auf eine noch nie dagewesene Weise debattiert: „Frauen fühlten sich früher wie bloße unterstützende Tänzer bei einer Samba-Rock-Party. Männer standen immer im Rampenlicht, obwohl wir die Mehrheit auf den Tanzflächen sind. Jetzt können Frauen, die sich zuvor unterbewertet fühlten, mit einer anderen Haltung, mit höherem Selbstwertgefühl, tanzen“, sagt Camila Camargo, die 2016 das Projekt „Samba Rock Mulheres“ (Samba Rock Frauen) ins Leben rief, das darauf abzielt, Frauen durch Samba-Rock zu stärken. Im November 2016 als immaterielles Kulturerbe von São Paulo erklärt, scheint Samba-Rock bereit zu sein, der Welt stolz zu erzählen, was es ist: „Tanz, Musik, aber auch Lebensstil, und vor allem ist es die kulturelle Identität der schwarzen Bevölkerung von São Paulo“, schließt DJ Dinho Pereira, Sohn des ersten DJs Brasiliens, Seu Osvaldo.
Headerfoto von Nego Junior.
Beatriz Miranda ist eine brasilianische Journalistin, die zwischen Rio und São Paulo lebt. Sie glaubt, dass die einzige Sicherheit im Leben darin besteht, dass Kunst Berge versetzt.