Reba McEntires Heilende Musik

Sie bevorzugt knackige Einzeiler, durchtränkt mit plumper Selbstsicherheit. Sie schlendert und posiert, während ihre anderen Landsleute auf Country-Tradition verfallen würden. Sie hat rote Haare. Sie singt über Mord und Prostitution mit einem wissenden Augenzwinkern. Sie liebt Corndogs. Sie ist eine alleinerziehende Mutter, die zwei Jobs hat, ihre Kinder liebt und niemals aufhört. Ihre Lieblingsanekdote aus Interviews handelt davon, wie sie als Kind ihrem Vater half, Bullen zu kastrieren — und glücklich die daraus resultierenden Rocky Mountain-Oysters aß. Es ist leicht, Witze zu machen, weil das genau das ist, was Reba selbst macht, in gewissem Maße freundliche Selbstparodie annehmend, ohne die präzise Kunstfertigkeit und das kraftvolle Gesangstalent zu verlieren, die sie erst in die Lage versetzten, eine öffentliche Persona zu gestalten. Letztendlich ist sie eine toughe Country-Frau im Stil von Loretta Lynn, deren Frechheit ähnlich lange über ihre gefühlvollen Balladen hinwegdauerte.

Doch das war nicht unbedingt das, wonach ihre Fans suchten, als ihr Ruhm Anfang der 90er Jahre seinen Höhepunkt erreichte. McEntire hatte sich als das weibliche Gesicht der neo-traditionellen Bewegung der 1980er Jahre durchgesetzt — eine Reaktion auf den Pop-Crossover-Urban-Cowboy-Trend, der den Jahrgang geprägt hatte. Rebas reduzierte, twangige Loblieder auf Steel Guitar und Geige waren immens beliebt, und ihr Wechsel zu melancholischen Balladen Ende der 80er Jahre machte sie noch beliebter. „Wer auch immer in New England ist“, zum Beispiel, die herzzerreißende Geschichte einer Frau, die sich mit den Küstenabenteuern ihres Mannes abgefunden hat, war die erste Single des gleichnamigen Platin-Albums — ihrem ersten. Vor For My Broken Heart war Rebas letzte Nummer eins im Country „You Lie“, eine schwelgende Ballade, die von warmen Instrumentierungen und einem vollen Chor getragen wurde. Es war eine Version von Reba, die zurücktrat, als sie vom Mittelpunkt des Country zum Rand der „Legenden“-Status wechselte, aber es war die Version, die sie zu einer der größten Künstlerinnen einer der größten Epochen dieses Genres machte.

Nirgendwo ist die Dissonanz zwischen dem zeitgenössischen Meme-Reba und der Superstar-Künstlerin Reba auffälliger als im Licht der Tragödie, die genau zum Höhepunkt ihres Ruhms eintrat. Während Reba das dreifach Platin ausgezeichnete Rumor Has It, das Album vor diesem, bewarb, war ihr Auftrittsplan so eng getaktet, dass sie und ihre Band von Auftritt zu Auftritt mit dem Privatflugzeug reisten. Nach einem privaten Auftritt für IBM in San Diego am 15. März 1991 stürzte eines der Flugzeuge in die Seite des Otay Mountain und tötete alle an Bord: acht Mitglieder ihrer Band und die beiden Piloten.

„Ich folgte Narvel [ihrem damaligen Ehemann] von Zimmer zu Zimmer in unserer Suite, weinend“, schrieb McEntire einige Jahre nach dem Unfall in ihren Memoiren Reba: My Story. „Es war schlimmer als jeder Albtraum, den ich mir vorstellen könnte.“

Ihr Ruhm machte das Grauen, mit einem so akuten, freakhaften Verlust umzugehen, exponentiell herausfordernder — die Presse klammerte sich an die Geschichte und ihre damit verbundenen Geheimnisse, indem sie sogar so weit ging zu suggerieren, dass McEntire selbst fahrlässig gewesen sei, oder dass sie gefühlskalt und unsensibel sein, weil sie einige Monate nach dem Absturz wieder zur Arbeit zurückkehrte.

Eine Zeit lang weigerte sich McEntire, Interviewfragen über den Unfall zu beantworten, und ließ eine exklusive Berichterstattung in People als ihre Erklärung dienen. Auch wenn sie in den letzten Jahren offener darüber gesprochen hat, wird sie normalerweise emotional, wenn sie es tut.

„Zuerst ließ es mich fühlen wie: ‚Mann, all meine Freunde, die ich habe, ich werde sie sehen, ich werde ihnen schreiben ... Ich werde in großem Kontakt mit meiner Familie bleiben‘“, sagte sie in einem Interview von 1993 bei 20/20. „Und im nächsten Atemzug würde ich sagen: ‚Ich möchte nie wieder so nahe an irgendjemanden in meinem Leben sein.‘“

Es war eine unmögliche Situation. Indem sie wieder auf die Bühne und ins Studio zurückkehrte, sah sich McEntire Kritik und Andeutungen ausgesetzt, dass sie aus der Tragödie Kapital schlagen würde. Wenn sie es nicht getan hätte, wäre sie jedoch in ihrem Schmerz verweilt. „Ich fürchtete, wenn ich mir erlaubte, so lange so stark zu leiden“, schrieb sie, „würde ich vielleicht nie mehr zur Arbeit zurückkehren.“

So begann McEntire an einem neuen Album zu arbeiten, wobei sie Berichten zufolge 1.000 Lieder hörte, bevor sie sich auf die 10 festlegte, die schließlich auf For My Broken Heart erschienen. „Ich suchte Trost in den Orten, wo ich ihn immer zuvor gefunden hatte — im Herrn und in meiner Musik“, sagte sie in ihren Memoiren. Als sie zu Nashvilles Emerald Sound Studios — dem Studio, in dem sie Rumor Has It aufgenommen hatte — mit Produzent Tony Brown zurückkehrte, mit dem sie erstmals an Rumor gearbeitet hatte, ging Reba jedoch einen ganz anderen Ansatz bei ihrem neuen Projekt.

„Rumor Has It war einfach die 10 besten Lieder, die ich finden konnte, was normalerweise meine Vorgehensweise ist“, sagte sie USA Today. „Aber ich wollte, dass dies ein Tribute-Album wird, und es konnte kein Tribute-Album sein, wenn es ein fröhliches, temporeiches Album war. Und ich habe sowieso nicht das Gefühl, auf diese Weise zu singen. Der Schmerz ist nicht ... er ist noch nicht vorbei. Die Wunde ist nicht verheilt.“

Unterstützt von einer Reihe erstklassiger Studiomusiker und -sänger, darunter der Geiger Mark O’Connor, der Bassist Leland Sklar und Vince Gill (ja, der berühmte), machte Reba sich daran, all diesen Schmerz in Liedern zu vermitteln. Der Titelsong und die erste Single des Albums handelt angeblich von einer anderen Art des Verlusts: Scheidung — durch die McEntire auch kürzlich gegangen ist, als sie sich 1987 von ihrem ersten Ehemann Charlie Battles getrennt hat. Aber die gefühlvolle Ballade, geschrieben von Liz Hengber und Keith Palmer (zwei damals neuen Mitarbeitern von McEntires Starstruck Entertainment), handelt mehr von Widerstandsfähigkeit als von Verzweiflung. Sie vermittelt jedoch ein lebendiges Bild des alltäglichen Missmuts, der auf eine erschütternde Lebensveränderung folgen kann. „Die Uhr tickt weiter, das Leben geht weiter / Das Radio spielt immer noch ein Lied“, singt sie. „Es kostet all die Kraft, die ich habe / Um zum Kaffeekocher zu taumeln.“

Der hymnenartige Synthesizer, der das Lied (und das Album) einführt, deutet auf seine nachdenkliche Stimmung hin; kombiniert mit den Kirchenchor-Stilen ihrer Backing-Sänger und Rebas zitternden Melodien, verdeutlicht es, dass dies ein Lied über eine Trennung ist und noch viel mehr. Das Album ist im Wesentlichen zwischen Liedern wie „Broken Heart“ — über die Heilung nach Verlust, über das Weitergehen — und völlig herzzerreißenden Balladen unterteilt. „Bobby“, der einzige Titel des Albums, der von McEntire selbst zusammen mit dem legendären Don Schlitz geschrieben wurde, handelt von einem Jungen, dessen Vater wegen Mordes an der Lebensunterstützung seiner Mutter im Gefängnis sitzt, nachdem sie nach einem schrecklichen Unfall hirntot war. „Der größte Mann, den ich nie kannte“ erzählt die Geschichte, wie wir manchmal keine Zeit dafür nehmen, die Menschen, die uns am nächsten stehen — in diesem Fall einen distanzierten Vater — kennenzulernen, bevor es zu spät ist. „Ich würde nicht so weit gehen“ muss für Reba eine persönliche Resonanz gehabt haben, mit der Geschichte einer jungen Liebe, die durch Ehrgeiz behindert und das Bedauern, das folgte. „All dressed up (with nowhere to go)“ ist eine herzzerreißende, alltägliche Geschichte von einer Frau in einem Altersheim, die sich jeden Sonntag auf den Besuch ihrer Familie vorbereitet. Mit unverwechselbaren Background-Vocals von Vince Gill singt McEntire die harte Wahrheit: Sie kommen nie.

Dies sind Geschichten ohne Erlösung, ohne einen fröhlichen Twist oder optimistische Perspektive. Wenn Countrymusik so oft aus der charakteristischen Mischung von Pathos und Humor des Blues schöpft, scheut sich Broken Heart nicht davor, tiefes, ehrliches Bedauern auszudrücken, ohne ein einfaches Heilmittel. Es ist am eindringlichsten im Abschlusslied des Albums, „Wenn ich nur gewusst hätte“ — ein Lied, das so herzzerreißend ist, dass McEntire es selten live spielt. Im Studio konnte sie es kaum durchstehen. Die verständliche Emotion in ihrer normalerweise starken, unverrückbaren Stimme ist durchweg hörbar; es gibt Zittern, die nicht absichtlich klingen, Worte, die auslaufen anstatt mit ihrem typischen Punch getroffen zu werden. Es ist ein Lied, das scheinbar für diesen Anlass geschrieben wurde und ohne die einfache Arrangements und die rohe Emotion, die Reba hineinlegte, wahrscheinlich wehmütig geklungen hätte.

Das Album wurde ihr erfolgreichstes bis heute und erreichte Platz 13 auf der Billboard 200. Aber ihr aufrichtiger Kummer — übersetzt durch klaren, geschickt umgesetzten Country-Pop — ist eine Errungenschaft, die sich nicht unbedingt im Erbe von McEntire widerspiegelt. Es ist ein Aspekt dessen, wie geschickt sie als Sängerin ist; die emotionale Kraft ihrer Darbietungen wird manchmal für selbstverständlich gehalten, da sie mühelos wirkt. Wahrscheinlich, weil sie ihre eigenen Lektionen über das Weitergehen und Stärke — eine andere Art von Härte — so zu Herzen genommen hat, wie in einem der anderen großen Singles des Albums, „Gibt es ein Leben da draußen“. So, wie es performt wird, wird aus dem, was vielleicht eine Klage einer eingesperrten Hausfrau gewesen wäre, eine optimistische Hommage daran, Neugier, Tapferkeit und Lebensfreude zu umarmen, selbst wenn es unmöglich erscheint.

„Musik ist manchmal so seltsam“, schrieb McEntire in My Story. „So therapeutisch und heilend. Es ist fast so, als würde sie darauf warten, für Sie da zu sein, wenn Sie sie brauchen — genau wie ein guter Freund mit offenen Armen.“ Wenn sie über den Unfall spricht, sagt Reba immer das Gleiche: Unmögliche Tragödien geschehen viel zu oft. Gehen Sie zu diesen Freunden, umarmen Sie sie, sagen Sie ihnen, wie sehr Sie sie lieben. Morgen ist vielleicht nicht versprochen, aber sie sind heute hier.