Die 10 besten Synth-Pop-Alben der 80er Jahre, die man auf Vinyl besitzen sollte

Orchestral Manoeuvres in the Dark: Organisation

Im Jahr 1980 war Orchestral Manoeuvres in the Dark ein Trio, das aus den Mitbegründern Paul Humphreys und Andy McCluskey sowie Malcolm Holmes (Percussion) bestand und bereits ein Album veröffentlicht hatte. Organisation, das später in diesem Jahr erschienen ist, gilt als dunkler als sein Vorgänger — McCluskey hatte Berichten zufolge in diesem Sommer viel von Joy Division’s Closer gehört (nach dem Tod von Ian Curtis), und dies sowie OMDs Verbindungen zu JD und Factory Records beeinflussten den Klang des Albums. Es enthält mehr Emotionen als die futuristischen Töne ihres ersten Albums. Die Hit-Single „Enola Gay“ bietet einen unglaublichen instrumentalen Refrain, der zusammen mit dem anti-kriegsthematischen Inhalt die frühen Ziele von OMD demonstriert, künstlerische Tiefe über oberflächlichen Pop zu setzen (das würde später kommen). Ein weiteres Highlight ist „Statues“, teilweise über Curtis, und die Traurigkeit ist atemberaubend in der Zeile „Ich kann mir nicht vorstellen, wie das jemals zustande kam.“ Organisation bietet andere Ohrwurm-Melodien und stimmungsvolle Klanglandschaften wie in „2nd Thought“, den langsamen Dancebeat von „Promise“ und die wunderschön eisige „Stanlow“, die mehr ambient im Ton ist. OMDs erste drei Alben sind absolute Klassiker, aber Organisation hebt sich mit seiner atmosphärischen Ambition von den anderen ab.

Yazoo: Upstairs at Eric’s

Synth-Pop-Großvater Vince Clarke verließ Depeche Mode im Jahr 1981 (eine Gruppe, die er mitbegründete und für die er die ersten Singles schrieb) und formte schnell Yazoo (Yaz in den U.S. und Kanada) mit der Sängerin Alison Moyet, die zuvor in Punk- und Blues-Bands gesungen hatte. Ihr Debüt Upstairs at Eric’s (1982) ist der Goldstandard in der frühen Synth-Pop-Ära der 80er Jahre, als die Verschmelzung von organischem und synthetisiertem Sound noch auf der Suche nach ihrem Platz war. Die Zuhörer waren begeistert von den einfachen Melodien, minimalistischen Beats und gefühlvollen Vocals. Die Anfänger-Naivität von „Only You“ sehnt sich nach einer Liebe, die fern scheint, und der Dance-Hit „Don’t Go“ fordert einen Liebhaber auf, zu bleiben. Moyet entblößt die Poser in „Goodbye 70’s“, und ihre Blues-Wurzeln werden in „Winter Kills“ düster. Upstairs at Eric’s hatte in den 80er Jahren eine gewisse Durchhaltbarkeit, mit „Don’t Go“ und dem weiteren Dance-Hit „Situation“, der häufig im Pop- und Alternativradio gespielt wurde. Die U.S.-Veröffentlichung (die „Situation“ enthält) erhielt 2011 eine Wiederveröffentlichung von Mobile Fidelity, und es hat nie besser geklungen.

Depeche Mode: Music for the Masses

Wie ein Schlagmann, der seinen Wurf ansagt, nannte Depeche Mode ihr sechstes Album Music for the Masses (1987) und der Ehrgeiz des Albums brachte DM aus den Jugendzimmern heraus und in die Stadien. Der Eröffnungssong „Never Let Me Down Again“ ist ein Hit mit Sänger David Gahan in Höchstform, gedacht für hohe Lautstärke und mit Led Zeppelin-Drum-Samples versehen. Geht es um Drogen? Um einen gleichgeschlechtlichen Liebhaber? Ist das wichtig? Mehr als ein paar Leute haben die Nadel aufgehoben, um dieses Album neu zu starten, nur um die schiere Pracht davon zu erleben. „Strangelove“ ist eine Ode an Kink, in der Art von „Master and Servant“, aber anstatt Schockwert zu erzielen, wie „Strangelove“, ist DM erwachsen geworden. Das lange Intro zu dem kraftvollen „Behind the Wheel“ hat sowohl Gahan als auch Martin Gore in Harmonie, die über die Hingabe an einen Partner singen. „Sacred“ gesteht die vollständige Hingabe an die Liebe, das noir-hafte „To Have and To Hold“ ist jemand, der am Boden ist und sich etwas Gutes wünscht, bevor er in „Nothing“ und seinem verführerischen Tanzgroove spiralisiert. Music for the Masses ist sexy, bombastischer Synth-Pop vom Feinsten.

The Human League: Dare

The Human League mag für die Uninitiierten an ’80er Kitsch erinnern, aber Musikfans wissen, dass die Band ein Pionier des Synth-Pop war, der Künstler von Vince Clarke bis Moby beeinflusste. Gegründet 1977, waren die Human League bis 1981 eine neue Band, nachdem zwei Gründungsmitglieder Heaven 17 gegründet hatten, und Sänger Philip Oakey und Philip Wright suchten nach neuen Mitgliedern (Sängerinnen Joanne Catherall und Susan Ann Sulley sowie Synth-Spieler Ian Burden und Jo Callis) und konzentrierten sich auf Oakeys Ziel, mehr Mainstream-Erfolg zu haben. Unter dem Druck, abzuliefern, veröffentlichten die Human League ihr drittes Studioalbum Dare (1981). Dance-Songs wie „The Sound of the Crowd“ und „Love Action (I Believe In Love)“ fügen sich bequem neben den avantgardistischen Tracks wie „Seconds“ und „I Am The Law“ ein. Aber vergessen wir nicht den beliebtesten Song auf dem Album, „Don’t You Want Me“, ein Duett zwischen Oakey und Sulley über einen berechtigten Mann, der verbittert ist, dass seine erfolgreiche Ex-Freundin auf sich allein gestellt sein will; der unvergessliche Refrain des Songs birgt einen Hauch von Gefahr, der im Musikvideo deutlicher wird. Genre-definierend, bleibt Dare als eine Kombination aus Kunst-Pop und emotionaler Resonanz bestehen.

Berlin: Pleasure Victim

Bevor der Top Gun Soundtrack ihnen internationale Sichtbarkeit brachte, war Berlin eine kämpfende Band in der Musikszene Südkaliforniens. Nicht unbedingt ein elektronischer Akt, sondern eine New Wave-Band, die daran interessiert war, Synthesizer mit traditionellen Instrumenten zu verbinden, schuf Berlin dennoch Synth-Pop-Großartigkeit auf dem zweiten Album Pleasure Victim. Ursprünglich 1982 von einem kleineren Label veröffentlicht, bevor es im folgenden Jahr bei Geffen erneut veröffentlicht wurde, ist das Album die musikalische Verkörperung der frühen 80er Jahre von neonbeleuchteten L.A. Straßen. Mit dem Mut eines kühnen Titels und Sängerin Terri Nunns furchtloser Erscheinung als Objekt der Begierde bereitete Berlin den Boden für den Aufstieg der New Wave in SoCal. Der Nepp-Hit „Sex (I'm A...)“ wurde von einigen Radiosendern wegen expliziten Inhalts möglicherweise verboten, aber er hatte im Laufe der Jahre einen Kultstatus. Synthesizer wehen in dem schnell gestimmten „Masquerade“ nieder. Eine rasante Synth-Linie, europäische Bildsprache und Nunns zunehmende Wut auf einen Liebhaber machten „The Metro“ zu einem Synth-Pop-Dance-Klassiker, der garantiert Partygänger zum Tanzen und Mitsingen bringt.

New Order: Low-Life

Der Druck und Zug zwischen Dance und ihren Post-Punk-Wurzeln auf den ersten beiden Alben und Singles ließ frühe New Order-Fans unsicher sein, wohin es geht, aber das dritte Album Low-Life (1985) festigte die Richtung der Band in Dance-Rock und Synth-Pop. Gitarren und Peter Hooks charakteristische Basslinien bleiben, aber der Ton wird durch atmosphärische Synths verankert, die mit den dunkleren Emotionen des Albums kompatibel sind. Eine helle Harmonika eröffnet „Love Vigilantes“ über einen heimatsehnsüchtigen Soldaten, aber es verwandelt sich in Horror, als ihm klar wird, dass er tot ist. Wut wird in „Sunrise“ ungeschönt dargestellt, der mit einer düsteren Synth-Linie beginnt, bevor Hooky mit dem Bass einsteigt, Bernard Sumner kaum im Ton singt, und eine fräsenartige Gitarre es in einem Duell der Saiten übertönt. Die trauernde „Elegia“, als Hommage an Ian Curtis geschrieben, ist ein episches Instrumental, das langsam Schichten von Synthesizer, Bass und schließlich Gitarre aufbaut. Und man kann tanzen und dabei weinen zu „The Perfect Kiss“, das von einer jungen Person handelt, die an die Liebe glauben möchte und ignoriert, welche Krise ihr Freund durchlebt („vorzugeben, seine Waffe nicht zu sehen, sagte ich 'lass uns rausgehen und Spaß haben'“), aber später stirbt ihr Freund. Auf Low-Life gibt es so viel, sodass mit jedem Hören etwas Neues offenbart wird.

Pet Shop Boys: Please

Das Debütalbum von Pet Shop Boys Please (1986) entführt die Zuhörer in eine Welt voller Hedonismus, entfremdeter Jugend und anti-materialistischer Hymnen (das ironische „Opportunities (Let’s Make Lots of Money)“), jedoch in glorösem Synth-Pop und nicht in wütendem Punk. Neil Tennant und Chris Lowe gründeten PSB aufgrund ihrer gemeinsamen Liebe zu Synthesizern und Dance-Musik und beanspruchten den Anspruch, eines der besten Synth-Pop-Duos der 80er Jahre zu sein. „West End Girls“ wurde ein gewaltiger Hit und ist eines ihrer denkwürdigsten Lieder, in dem Tennant einen gleichgültigen, aber hypnotisierenden Rap über die Arbeiterklasse macht, die versucht, sich mit der Oberschicht auf einen Nachtausgang zu vermischen. „Suburbia“ kommentiert suburbanen Gewalt und verweist auf den ikonischen Punkfilm von 1984 Suburbia. Mein persönlicher Favorit ist „Love Comes Quickly“, das davon handelt, dass man sich nicht davon abhalten kann, sich zu verlieben. Spätabend-Hören wird nicht besser. Mit Samples und Techno-Beats gleiten Dance-Hits über einen dunklen Unterton — die Suche nach Verbindung und das Finden von Freude in bedeutungslosen Bestrebungen können die trostlose Realität für viele oder das Risiko, man selbst zu sein, nicht überdecken.

Eurythmics: Sweet Dreams (Are Made of This)

Eurythmics waren zwar offiziell ein Duo, aber Annie Lennox und Dave Stewart scheuten sich nicht, ein Who’s Who der Musiker zu nutzen, um den gewünschten Klang zu erreichen. Sie nutzten ihr eigenes Studio und später eines, das schließlich Stewart gehören würde, was ihnen die Freiheit gab, mit ihrer gewünschten Mischung aus avantgardistischer und Popmusik zu experimentieren. Ihre Bemühungen zahlten sich auf dem zweiten Album Sweet Dreams (Are Made of This) (1983) aus. Stewarts programmierte Beats und Lennox’ R&B-Stimmen evozierend Yazoo mit einem künstlerischeren Ansatz. Der Eröffnungssong des Albums („Love Is A Stranger“) beginnt leicht mit den Klängen eines Synthesizer-Autoharfen, aber nimmt eine dunklere Wendung, als Lennox warnt, wie Liebe obsessiv und grausam werden kann. Der Titelsong, ein Hit der 80er, erforscht die Suche nach Erfüllung, die möglicherweise physisch sein kann oder auch nicht. Ein weiteres Highlight des Albums ist das wilde Cover von Sam & Daves „Wrap It Up“, bei dem Lennox mit dem Scritti Politti-Frontmann Green Gartside duetiert. Es erinnert den Hörer daran, dass Sweet Dreams ein unterhaltsames Album voller eingängiger Hooks, experimenteller Interludes und einer beeindruckenden Stimme ist.

Soft Cell: Non-Stop Erotic Cabaret

Marc Almond und Dave Ball trafen sich als Kunststudenten im Jahr 1977 und gründeten Soft Cell, eine Gruppe, die vielleicht am besten für ihren weltweiten Hit, das hervorragende Cover von Gloria Jones’ „Tainted Love“, bekannt ist, aber Soft Cell waren alles andere als mainstream. Das Debütalbum Non-Stop Erotic Cabaret (1981) steht im scharfen Kontrast zu den romantischen Synth-Alben, die vom Mainstream gehört wurden, und bietet einen minimalistischen Synth-Stil, der direkt in den experimentellen Underground führt. Sänger Marc Almond übertrug seine Liebe zur Performancekunst und Theatralik in Lieder über suburbanen Frust („Frustration“), Pornokinos („Seedy Films“) und den ärmlichen Lebensstil des Clubgängers („Bedsitter“). Im Kontext des Albums ist „Tainted Love“ viel heimtückischer in seiner Anklage gegen einen selbstsüchtigen Partner. Doch es wird nicht schlüpfriger als „Sex Dwarf“, eine pornografische Fahrt, die dunkle Clubs und Sexgeschäfte beschwört. Komplett mit einem NSFW-Video wurde die Nicht-Single zu einem Lieblingsstück im alternativen Radio. Das Album schließt mit der Ballade und dem UK-Hit „Say Hello, Wave Goodbye“, die von einer beendeten Liebesaffäre handelt, aber Almond klingt eher erleichtert als traurig. Non-Stop Erotic Cabaret ist eine Aussage über Entfremdung, Heuchelei und unverblümte Ausschweifungen. Es ist großartig.

Erasure: The Innocents

The Innocents (1988) ist ein Pop-Meisterwerk und enthält eines der besten Popsongs aller Zeiten. Vince Clarke (ja, er wieder) arbeitete 1985 mit Sänger Andy Bell zusammen und gründete das, was zu einer der beständigsten Ikonen des Synth-Pop geworden ist. Seelenvolle Vocals gepaart mit auf Tempo gebrachten Synth-Beats ergaben eine killer Kombi, und Erasure kam mit dem dritten Album The Innocents in eine echte Schlagkraft und brach durch in den U.S. mit der Stärke der Singles „Ship of Fools“, „Chains of Love“ und dem Klassiker „A Little Respect.“ Selbst die Non-Singles haben einige großartige Refrains, die das Mitsingen erleichtern, und Singen ist, worum es bei diesem Album geht. Bell reißt Sie mit Balladen und Tanz-Perlen vom Hocker, einschließlich des Songs, der ein Single hätte sein sollen, „Phantom Bride“, dem gospel-beeinflussten „Yahoo!“ und dem sozialen Kommentar in „Hallowed Ground.“ Aber allein „A Little Respect“ macht dieses Album perfekt. Die Musik baut sich um Bells Flehen nach Respekt von einem Liebhaber auf und erklärt seine Liebe, macht aber deutlich, dass er mehr als das zu erwarten hat, was er bekommt. Erasure gab dem Synth-Pop eine authentische Hymne, und die Popfans werden immer dankbar sein.