Wie alle Genres war Funk ein Produkt der Umstände. Nicht im zufälligen Sinne des Wortes, sondern im Sinne, dass Kunst den Kontext des Moments formt und sich anpasst. Für James Brown war Funk eine Scheidung vom Soul-Sound – und der Band – die ihn geprägt hat. Für George Clinton war es ein Neuanfang nach dem Verlust eines Rechtsstreits und dem Finden von LSD. Und für Sly Stone war es ein Spiegel der Zeiten und seiner Seele: fröhlich und optimistisch in den 60ern, zynisch und melancholisch als sich das Jahrzehnt wandte.
Beginnend in den mittleren 1960er Jahren nahmen diese Vorreiter des Funk Soul, Jazz und R&B und reduzierten sie auf ihre wesentlichen Komponenten. Durch Variationen von Tempo, Takt und Instrumentierung verwandelten sie angestaubte Songstrukturen in zyklische Grooves, die von Bass, Rhythmusgitarre, Schlagzeug, Bläsern und später Synthesizern angetrieben wurden. Manchmal komisch, beißend und gleichzeitig fremdartig, ist Funk Musik in ihrem ursprünglichsten und aufregendsten Potenzial.
Obwohl seine Popularität in den mittleren bis späten 70ern nachließ, ist Funk nie wirklich gestorben. Rick James und Prince hauchten ihm in den 80ern mit Synthesizern und Stil neues Leben ein. Und in den 90ern war er überall zu hören, von den sample-lastigen Hip-Hop-Klängen von Dr. Dre bis zu den Basslinien der Red Hot Chili Peppers. Bis heute treibt der Groove, den Funk angestoßen hat, Hits für Künstler wie Maroon 5 und Bruno Mars sowie für ein ganzes Album von Childish Gambino an.
Die folgenden Alben zeigen jeweils einen anderen Geschmack des Funk. Einige werden Sie zum Tanzen bringen, einige werden Sie zum Nachdenken anregen, aber sie werden Ihnen alle mindestens einmal ein Lächeln ins Gesicht zaubern. Dies sind 10 der besten Funk-Alben, die man auf Vinyl besitzen sollte.
=> Ein definitives Protestalbum und eine Abkehr von der psychedelischen Soulmusik, die den Aufstieg der Band antrieb, There’s A Riot Goin’ On behandelt ebenso sehr die Herausforderungen, mit denen afroamerikanische Menschen nach der Bürgerrechtsbewegung konfrontiert waren, wie es Slys eigenen Dämonen thematisiert. Die Spannungen zwischen den Bandmitgliedern, fordernde Plattenbosse und weitverbreitete Drogenprobleme, kombiniert mit häufigem Overdubbing im Mix des Albums, führten zu einem nebulösen Klang, der das soziale Klima der frühen 70er Jahre verkörperte. „Luv N’ Haight“ predigt Slys drogeninduzierte Isolation mit der wiederholten Zeile „Fühlt sich so gut in mir an; möchte mich nicht bewegen.“ Eine langsame Neuaufnahme des vorherigen Hits der Band „Thank You (Falettin Me Be Mice Elf Agin)“ wird auf dem Titel „Thank You for Talkin’ to Me, Africa“ destilliert und funkifiziert, was seine Zynik gegenüber der Band und der Welt um ihn herum weiter verdeutlicht. Die Bedeutung von There’s A Riot Goin’ On als Funkalbum, Künstlerprofil und kulturellen Kommentar kann nicht überbewertet werden und positioniert es als eines der mächtigsten Alben des 20. Jahrhunderts.
=> Zu dem Zeitpunkt, als 3+3 1973 erschien, hatten die Isleys über 20 Top-100-Songs in den Charts. Ihre vorherige Veröffentlichung war eine Best-of-Sammlung, die für die meisten Bands eine erfolgreiche Karriere markieren würde. Aber anstatt zu verblassen, entschieden sich die Isleys für eine Wiedergeburt. Zum ersten Mal schlossen sie offiziell drei jüngere Mitglieder der Familie ein – Chris Jasper sowie Ernie und Marvin Isley – die Katalysatoren für ihren Übergang von Motown zu einem funkigeren Sound. Die Bassarbeit von Marvin und die Lead-Gitarre von Ernie (ein offensichtlicher Schüler des ehemaligen Bandkollegen Jimi Hendrix) stechen hervor und verwandeln Klassiker wie „Who’s That Lady“ (umbenannt in „That Lady, Pt. 1 & 2“), „Summer Breeze“ von Seals & Croft und „Listen to the Music“ von den Doobie Brothers in funk-rock Schätze. Auch die Originale sollten nicht unterschätzt werden (siehe die entspannte Top-Fünf R&B-Single „What It Comes Down To“). 3+3 ist sowohl ein Meisterwerk der Coverversionen als auch ein essentielles Werk im Funk-Kanon.
=> Herbie Hancock mag nicht der erste Name sein, der einem in den Sinn kommt, wenn man an Funk-Essentials denkt, aber er war in den 1970er Jahren ein Pionier der Jazz-Funk-Fusion. Sein erster Ausflug in das Genre kam in Form von Head Hunters, einem rein instrumentalen 4-Song-Jam, das die Begleitband The Headhunters zusammen mit Herbies Interpretation auf E-Piano, Clavinet und natürlich Synthesizern umfasst. Ein bewusster Wandel von seinen vorherigen experimentellen Alben, Head Hunters sprengt die Grenzen des Funk auf jedem Titel, unabhängig von seiner Songstruktur. „Chameleon“ beginnt mit einem einfachen, aber supafly Synth-Basslauf, der sich durch den größten Teil des Songs zieht, während „Sly“, eine Hommage an Sly Stone, jazzig und langsam beginnt, aber schließlich skillvolle Solos von Bennie Maupin auf Saxophon und Herbie auf dem Klavier gewährt. Ein Wendepunkt für Funk-Fusionsalben, Head Hunters sollte nicht verpasst werden.
=> Bis Ende 1970 hatte James Brown zwei der größten Backing-Bands abgebrannt, die es je gegeben hat. Obwohl seine zweite Band, The J.B.’s, ihren Namen behielt, verloren sie an Potenz, als die Brüder Bootsy und Catfish Collins (unter anderen) zu George Clintons Parliament-Funkadelic-Kollektiv wechselten. Aber dieser Verlust hielt Brown und die nächste Version der J.B.’s nicht davon ab, ihr bestes Studioalbum aufzunehmen und eines von Browns letzten Erfolgen, bevor seine Karriere Ende der 70er Jahre einen Abwärtstrend nahm. 1973 veröffentlicht, wurde The Payback ursprünglich als Soundtrack zu einem Blaxploitation-Film konzipiert, wurde jedoch angeblich von den Produzenten und dem Regisseur des Films abgelehnt, weil er nicht funky genug war. Abgesehen von der Wahrhaftigkeit dieser Geschichte ist dieses Album extrem funky. Im klassischen James Brown-Stil lässt er die Band die meiste Arbeit machen und präsentiert Solos von dem unnachahmlichen Fred Wesley auf der Posaune, Maceo Parker auf dem Altsaxophon und St. Clair Pinckney auf dem Tenorsaxophon. Die Band klingt so gut, dass ich ziemlich sicher bin, dass Brown beim fast 13-minütigen Jam „Time is Running Out Fast“ den Heiligen Geist spürt. Wenn Brown uns mit seiner Stimme beschenkt, fügt er sich perfekt in die Band ein und spittet über Rache im Titelsong und beteuert den Verlust in der Ballade „Forever Suffering“. Wenn Sie hören möchten, wie Synergie klingt, ist dies es.
The Commodores: Machine Gun
=> Aufgerissen durch den instrumentalen Titeltrack, Machine Gun ist unverblümt schweißtreibend. Milan Williams’ scharfer, staccato Clavinet durchzieht das gesamte Album, erreicht jedoch sein wahres, funk-futuristisches Potenzial in „Machine Gun“, „Rapid Fire“ und „Gonna Blow Your Mind“ – alles ohne den Dreck der umgebenden Instrumentierung zu kompromittieren. Der wandelnde Bass und die unbestreitbar gruseligen Texte von „Young Girls Are My Weakness“ sind so stinkig, dass Sie sich danach möglicherweise duschen möchten. Und wir dürfen Lionel Richies außergewöhnliche Darbietung in „Superman“ nicht unerwähnt lassen, die als hervorragende Vorstufe zu seiner späteren Solokarriere fungiert. Das Debütalbum der Commodores enthält genau null Balladen und ist durchgehend reiner Funk, und sollte in keiner Sammlung fehlen.
=> Kein anderes Album auf dieser Liste vermittelt die Persönlichkeit seiner Schöpferin stärker als Betty Davis’ They Say I’m Different. Es ist laut, dominant, sexy, oft beängstigend und schafft es dennoch, eine Aura von cooler Gleichgültigkeit zu bewahren. Hören Sie sich einen Track wie „He Was a Big Freak“ einmal an, und Sie werden verstehen, warum ihr Ex-Ehemann Miles Davis dachte, sie sei zu heiß zum handeln. Obwohl es nicht die All-Star-Besetzung ihres Debüts aufweist, gelingt es diesem zweiten Album, ihr erstes Album wie einen Sprungbrett erscheinen zu lassen. Selbst produziert von Davis, ist They Say I’m Different eine seltene Darstellung von weiblicher Ermächtigung in einem Musikgeschäft, das Frauen oft Anerkennung und Chancen fernab des Mikrofons verweigert.
=> Unter der Leitung des legendären Funk-Auteurs George Clinton und mit ehemaligen Mitgliedern der J.B.’s, gibt Parliament mit Mothership Connection den Menschen genau das, was sie wollen: reinen Funk. Aufgebaut um das Konzept eines „Pimps, der in einem Cadillac-artigen Raumschiff sitzt“, ist dies das einzige Album auf dieser Liste, das seinen Zuhörern einen DJ als Tourguide zur Seite stellt, um sie auf ihrer Reise in den funky Weltraum zu begleiten. Clintons Erzählung Transzendiert das Reich des kitschigen Emceeing, indem er sein Versprechen des reinen, ungeschminkten Funks auf all 7 Tracks von Mothership Connection erfüllt (4 davon enthalten „Funk“ in ihren Songtiteln). Ein Album so einflussreich, dass es zur Bibliothek des Kongresses hinzugefügt wurde, Mothership Connection ist der Inbegriff von P-Funk.
=> Veröffentlicht auf dem Höhepunkt der Disco-Ära, könnte das neunte Album von Earth, Wind and Fire zu Recht neben seinem engen Genre-Cousin eingeordnet werden. Die druckvollen Horn-Akzente, die straffen Background-Vocals und das fröhliche Tempo scheinen sich genau mit der Disco-Dominanz der Zeit zu decken, jedoch enthüllt ein genaueres Hören die funky Wurzeln der Band. Die Horn-Akzente des Albumeröffners „In the Stone“ steigen hoch über das Funkhaus, das von der Rhythmusgitarre und dem Bass erbaut wurde. Der herausragende Track „Let Your Feelings Show“ beginnt im zeitgenössischen Tanzstil, bricht jedoch bis zum Ende in ein brennendes Funk-Werkstatt-Format ein, das von den Rhythmusgitarre-Tandems Al McKay und Johnny Graham getragen wird. Obwohl klar von der Disco-Szene beeinflusst, zeigt I Am die Art von exuberantem Funk, die nur EWF kreieren konnte.
=> Es ist leicht zu denken, dass er ein Comedy-Requisit ist, aber es wäre schwierig, jemanden zu finden, der so viel Swagger ausstrahlt oder so viel Glitzer trägt wie Rick James in den frühen 80er Jahren. Sein Punk-Funk-Manifest Street Songs erreichte dank des aggressiven, fuzzed-out Synthesizers von „Give It to Me Baby“, „Super Freak“ und „Ghetto Life“ dreifach Platin. Das Album greift in die soziale Kommentierung auf dem letzten Track ein und geht mit „Mr. Policeman“ – einer direkten Anklage gegen Polizeigewalt – voll rein, ist jedoch am besten, wenn James sich darauf konzentriert, seine Zuhörer über fleischliche Wünsche aufzuklären. Eines der wenigen Beispiele für 80er Jahre Funk auf dem Niveau von Prince, ist Street Songsein Fünf-Finger-Flatscher ins Gesicht von Anfang bis Ende.
=> Im Jahr 2016 wurden wir gezwungen, uns mit der Sterblichkeit des Lila Ones auseinanderzusetzen, aber zum Glück haben wir immer noch Alben wie 1999, die das Gegenteil behaupten. Sein erstes Album, das mehrfach Platin erreichte, katapultierte Prince zu neuen Popularitätslevels und deutete auf den Klang seines nächsten Monstrums, Purple Rain, hin. „Little Red Corvette“ brachte die Leute auf dieses Album, aber so groß dieser Song auch ist, er war nur ein Pop-Bait in der Elektro-Funk-Falle, die Prince aufgestellt hatte. Dies war nicht der Funk Ihres Vaters. Geschickt kombiniert Prince Bass und Rhythmusgitarre mit den digitalen Klängen von Synthesizer und Drum-Maschine und legt die besten Grooves des Albums auf „1999“ und „D.M.S.R.“ nieder. Und während Funk oft sexy war, wird es mit der erotischen Brücke von „Lady Cab Driver“ und dem buchstäblichen Höhepunkt des letzten Tracks „International Lover“ fast grenzwertig X-rated. Prince nimmt die besten Elemente von Dirty Mind und projiziert sie nach vorn, 1999 setzt Funk in einen Kontext von Computern, Liebhabern, Apokalypse und Informationszeitalter-Paranoia und hebt das Genre auf ein neues Level.
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